lunes, febrero 27, 2006

THE GIRL FROM THE PC

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Desde Dadanoias, Kahlo presenta su nueva colección aún sin título. En ella, una vez superada la sugestión que provoca su (infinita, inabarcable, impresionante) belleza, me vienen muchas sensaciones, sobretodo al ver la imagen seleccionada.Por un lado algo de angustia, al verla rodeada de ese teclado, y me sugiere un mundo artificioso, eternamente ligado a la imagen (la imagen que conseguimos a través del teclado, la imagen de ella misma). Para ver toda esta sugerente colección aquí. Muy recomendable.

PD.:Ah si le acompaña esta canción de Stereo Total- I am Naked.mp3

domingo, febrero 26, 2006

PASAJES: AMPLIACIÓN DEL CAMPO DE BATALLA

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"La forma novelesca no está concebida para retratar la indiferencia ni la nada; habría que inventar una articulación más anodina, más concisa, más taciturna".

"`Lo primero que observo es que por lo general la gente se mueve en pandillas, o en grupitos de dos a seis individuos. Ningún grupo se me antoja igual que otro. Claro que todos se parecen, se parecen muchísimo, pero ese parecido no tiene nada que ver con la identidad. Como si hubieran decidido concretar el antagonismo que acompaña sin falta cualquier clase de individuación adoptando ropas, formas de moverse, fórmulas de agrupamiento ligeramente distintas.
Después observo que toda esa gente parece satisfecha consigo mismo y con el universo; es asombroso, y hasta da un poco de miedo. Deambulan con sobriedad, aquél enarbolando una sonrisa socarrona, éste un gesto embrutecido. Algunos, entre los más jóvenes, llevan cazadoras con motivos del rock duro más salvaje; se pueden leer frases como Kill them all! o Fuck and destroy!; pero todos comunican la certeza de estar pasando una tarde agradable, dedicada esencialmente a consumir, y por lo tanto a contribuir en la reafirmación de su ser "

"En un sistema económico perfectamente liberal, algunos acumulan considerables fortunas ; otros se hunden en el paro y la miseria. En un sistema sexual perfectamente liberal, algunos tienen una vida erótica variada y excitante; otros se ven reducidos a la masturbación y a la soledad. El liberalismo económico es la ampliación del campo batalla, su extensión a todas las edades de la vida y a todas las clases de la sociedad"

"Algunos seres experimentan enseguida una aterradora imposibilidad de vivir por sus propios medios; en el fondo no soportan ver su vida cara a cara, y verla entera, sin zonas de sombra, sin segundos planos. Estoy de acuerdo en que su existencia es una excepción a las leyes de la naturaleza, no sólo porque esta fractura de inadaptación fundamental se produce aparte de cualquier finalidad genética, sino también a causa de la excesiva lucidez que presupone, lucidez que trasciende claramente los esquemas perceptivos de la existencia ordinaria. A veces basta con colocarles otro ser delante, a condición de suponerlo tan puro y transparentes como ellos mismos, para que esta insoportable fractura se convierta en una aspiración luminosa, tensa y permanentemente hacia lo absolutamente inaccesible. Así pues como un espejo que devuelve día tras día la misma imagen desesperante, dos espejos elaboran y construyen una red límpida y densa que arrastra al ser humano a una trayectoria infinita, sin límites, infinita en su pureza geométrica, más allá del sufrimiento y del mundo".

Michel Houellebecq. Ampliación del campo de batalla.

sábado, febrero 25, 2006

HUMMER 3


Que Spike Jonze es un revolucionario en el terreno audiovisual, ya lo sabemos. Y que es un genio también. Y su talento para los spots, demostradísimo, queda patente con este genial spot que rodó para Hummer H3. Imprescindible. Recuerden que three is a magic number.

PITUFOS DESOLADOS


Unicef ha puesto en marcha este anuncio, viendo que sus múltiples anuncios de niños de rostros compungidos ya no resultan efecto, y prueban ahora con el asesinato de la mitología infantil, para causar un mayor calado. ¡Que involuntariamente premonitorio fue Santiago Segura con su Perturbado, cortometraje donde el realizador (cuando aún era un gamberro de verdad), convertía a Heidi vía doblaje en un porno nipón! No seria de extrañar ver a Marco dando lecciones de tolerancia y hablando de modelos de familia distintos (él que tiene tanta experiencia), pero espero que jamás toquen a los Looney Tunes con fines ajenos al merecido sarcasmo del que casi siempre han gozado, y que los mantengan en su jugosa y sagrada irreverencia. ¡Nada mas innecesario que la caricatura de la caricatura!

Lo ví vía Un toque de azufre.

viernes, febrero 24, 2006

ANTHEM de Bill Viola


Bill Viola (1951, Nueva York) es uno de los pioneros en el videoarte, una forma de expresión que siempre en la experimentación, a veces ralla los límites de la pedantería, otras sobrepasa la genialidad más absoluta. Éste corto Anthem demuestra que Viola es uno de los más genuinos y experimentadores representantes en el panorama de los últimos años. Juzguen ustedes mismos.

miércoles, febrero 22, 2006

PALOMAR VOL. 1 .: Un lugar en el mundo

Palomar. Volumen 1. Historias de "Sopa de Gran Pena", narradas por Beto Hernández.
Guión y dibujos.: Gilbert "Beto" Hernandez.
Ed.: La Cúpula, 2005.

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Gilberto Hernández creó para la revista Love & Rockets , que auspicibian su hermano Jaime, Mario y él mismo, un pequeño ecosistema, Palomar, una pequeña villa latinoamericana. El cómic es un conjunto de historias corales ambientadas en el pueblo, que responde completamente a las características del realismo mágico. Son historias tristes, de amor, celos y tristeza. Hay en el dibujo una expresividad completa, ya sea cuando Hernández dibuja a sus voluptuosas y curvílineas mujeres (que lidera la incombustible e inolvidable Luba) o cuando difumina el rostro del patetismo que brotan los hombres. Hay en este primer volumen muchas revoluciones.: Primero la narrativa, que basa las historias a través de saltos temporales de unos personajes presentados al inicio a modo de introducción, que van cruzandóse.

Construido este cuadro sobre el pequeño lugar que es Palomar se sientan esos personajes plagados de humanidad a raudales. Lo mejor del cómic es que logra convertir al lector en un cómplice más de las hazañas de la india Luba y sus hijos y allegados y enemigos, dibujando con mas habilidad, el corazón de sus personajes que si físico, lo que ya es decir muchisimo. El Hernández guionista construye una ficción que tiene como principio y único secreto el elogio de sencillez. Basarse en premisas pretenciosas hubiese sido algo muy pretencioso por su parte, pero Hernández prefiere crear personajes que parten del estereotipo real, para darles un grado de profundidad mucho
mayor.


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En todo este volumen las tramas podrían ser depende de que autor lo hubiese mirado, la clásica soap opera tremendista, pero opta por posturas cercanas a García Márquez. A Hernández los hechos que mueven a los personajes no le interesa resaltarlos y anteponerlos a todo, (es decir, hacer uso de tópicos) sino que prefiere hacer de esos actos un reflejo de las pequeñas contradicciones de los personajes. En todo el volumen ni siquiera decae en sus historias y mantiene un pulso de extraordinaria sensibilidad, humor, y algo de tristeza contenida (es envidiable la capacidad de tacto que tiene Hernandez y como filtra sutilmente algunos hechos, que cubre con una sonrisa). La pequeña villa latinoamericana es uno de esos lugares en el mundo, anónimos e ignorados, cuya gente busca sobrevivir enmedio de unas sociedades que les reaccionan hostiles. Es por ello que Palomar es uno de los mejores cómics publicados en el 2005 en España, y es una oportunidad muy recomendable para acercarse a un autor que aporta al cómic una narrativa diferente que merece vivirse.

Puntuación.: 10.



martes, febrero 21, 2006

POP EXPERIMENT

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Pop Experiment es una web que contiene una muy destacable colección de fotografías de corte pop experimental, que cuenta con nombres relativamente conocidos (Dave LaChapelle) y otros muchos por descubrir. La que aquí nos ocupa es Alone de Dave Nitsche, que me ha parecido realmente cautivadora.

domingo, febrero 19, 2006

PALMARÉS DE LA BERLINALE

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PALMARES DE LA SECCIÓN OFICIAL:
- Oso de Oro Grbavica de Jasmila Zbanix.
- Oso de Plata Premio del Jurado: Ex aequo En Soap de Pernille Fischer Christnensen y Ofside de Jafar Panahi.
- Oso de Plata al mejor director: Michael Winterbottom y Matt Whitecross por The Road to Guantánamo.
- Oso de Plata a la mejor actriz: Sandra Hüller por Réquiem.
- Oso de Plata al mejor actor: Moritz Bleibtreu por The Elementary Particles.
- Oso de Plata a la contribución artística: Jürgen Vogel por The Free Hill.
- Oso de Plata a la mejor música: Peter Kam por Isabella.
- Premio Alfred Bauer: El Custodio de Rodrigo Moreno.
- Mejor ópera prima (premio dotado con 25.000 Euros): En Soap de Pernille Fischer Christensen.
SECCIÓN DE CORTOMETRAJES:
- Oso de Oro al mejor cortometraje: Aldrig Som Första Gangen! de Jonas Odell.
- Oso de Plata. Premio del Jurado: Ex aequo. Gratte-Papier de Guillaume Martínez y Our Man in Nirvana de Jan Koester.
- Mención especial: El Día que Morí de Mayram Keshavarz.
PANORAMA:
- Premio del público: Bubot Niyar de Tomer Heymann.
- Mejor cortometraje: Tes Cheveux Noirs Ihsan de Tala Hadid.
- Mención especial: Love this Game de Rhys Graham.
- Premio del público al mejor cortometraje: Hayelet Bodeda de Tayla Lavie.

Vía la web de la berlinale.

sábado, febrero 18, 2006

THE HIRE - BEAT THE DEVIL


Dedicado al Emperador de los Helados, les pongo el capítulo que rodó Mr. Tony Scott para la serie de aventuras del conductor de The Hire. El hermano travieso de Ridley, un hombre enfermo de frenesí hasta el extremo, autor de Amor a quemarropa, El fuego de la venganza y la próxima Domino escrita por el nuevo hombre de culto: Richard Kelly (valga de decir, que con razón). Pues un perfecto exponente de la cinematografía de Tony Scott, coctel molotov de imagénes y sonidos, para una posmoderna (claro que sí) y megaepiléptica relectura faustica aderezada con una metáfora de la industria musical (si nos ponemos genéricos el sueño americano) perversa y subversiva. Goethe en hiperactivo. Atención a los cameos y al reparto.

PESADILLAS EN ELM STREET

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Revisando el clásico de Wes Craven, se revisa también la estupenda crítica de Mr. Focomelo.

John Tones.

"La primera entrega es, cómo no, y debido a su muy bien ganada condición de clásico moderno, una de las más difíciles de juzgar. Me sigue fascinando, por encima de todo, que Wes Craven (un cineasta que siempre me ha parecido muy irregular, pero también un tío muy, muy listo) diseñó a Fred Krueger con un tono curiosamente fundacional, como sabiendo que ahí estaba el germen de un personaje con continuidad. No hay más que ver la secuencia de créditos, con Krueger construyéndose las famosas uñas. O la vestimenta perfectamente definida -el sombrero y el jersey de rayas que ya comienzan a extenderse por todas las secuencias oníricas como un virus corrupto, como en el pasmo final, en el que al descapotable de Nancy y compañía les aparece un techo con los mismos colores que el jersey del asesino-. O la propia interpretación de Robert Englund, con esa manera tan rara de mover las piernas, como si tuviera cuatro testículos, todo está grabando en piedra unas características muy definidas. A diferencia de la serie de Viernes 13, que tardó un puñado de entregas en encontrar una estética definida para el asesino, Freddy es como es y lo que es desde el mismo arranque de la serie. No ha necesitado cambiar, a grandes rasgos, en ocho películas, porque su diseño es perfecto. El mismo nombre, a diferencia de “Jason Voorhes”, es inolvidable, un prodigio de musicalidad jevimetalosa.También resulta asombrosa la tendencia al efecto especial espectacular que se impone en cada uno de los asesinatos, y que como no podía ser de otro modo, se iría acentundo con cada entrega hasta llegar a un punto completamente paroxístico en la cuarta entrega. En esta ocasión, sorprende que con sólo un millón de dólares pudieran filmarse cosas tan salvajes y espectaculares como el asesinato de Tina, una especie de versión ciega de speed de una secuencia muy similar de Poltergeist, o la muerte del personaje de Johnny Depp, con ese interminable chorro de sangre dejando la habitación hecha un cristo (“¿Ha llegado el forense?” – “Está en el baño, vomitando”, comentará la policía más tarde). En ambos casos se adivinan unas técnicas de efectos especiales rudimentarias y contundentes. Otros tiempos.Todo esto son perogrulladas. Lo que me sigue pareciendo admirable de esta primera entrega (aparte del mensaje, tantas veces comentado por aquí, ese fascinante y muy cierto “Pagarás TÚ los pecados de tus padres”, y de, por descontado, la pegajosa atmósfera que recrea con pasmosa fidelidad la textura de las pesadillas –hasta tal puto que, cuando yo tengo alguna, mi cerebro elabora un miniplagio interactivo de la serie) es la tendencia a autoimponerse reglas –algo de lo que ya hablamos en referencia a Temblores-, y sobre todo, cómo eso condiciona la narrativa de la película. Es decir, Pesadilla en Elm Street inventa cómo narrar una pesadilla y cómo crear ese ambiente de onirismo constante (que se contagian a las secuencias en las que los personajes están, digamos, despiertos), y el resultado es tan bueno que no puede evitar inspirar al resto de la serie –llegando a niveles ya directamente metafísicos con la cuarta entrega-. Por ejemplo, recuerden las secuencias en las que un personaje da una cabezada y, sin cambiar de plano, el peso de su propia cabeza le despierta, y abre los ojos. Da un sorbito de café, o se restriega los ojos, o revisa el despertador, o da un paseíto. Y entonces, descubrimos si está despierto o sigue dormido. O bien no lo descubrimos y nos quedamos con la duda hasta que el guionista decide que podemos averiguarlo. Este meter sueño y vigilia en la misma dimensión gracias a no cambiar de plano (si lo hicieran, si la secuencia se montara en dos planos distintos, sabríamos de inmediato que hemos pasado de vigilia a sueño) es cine fantástico en estado puro, de ese que subvierte no sólo lo que es real y lo que no, que eso lo hace cualquiera, sino también las apolilladas reglas de la gramática fílmica. Todo un logro. "

Más en Vuelvo a Tener Pesadillas.

viernes, febrero 17, 2006

BATMAN VS. BIN LADEN o EL REGRESO DEL CÓMIC PROPAGANDÍSTICO

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Bárbara Celis
"La noticia de la nueva misión del superhéroe se hizo pública esta semana durante la Convención WonderCon 2006 en San Francisco, dedicada al mundo de la historieta. Miller, quien también le ha puesto su voz y su pluma a Robocop y que este año llevó al cine su célebre, sangrienta, ácida y oscura serie Sin City junto al director Robert Rodriguez, no tiene reparos en reconocer que el nuevo objetivo de Batman tiene tintes propagandísticos, según el diario The Guardian.
"Pues claro que es propaganda. Superman luchó contra Hitler. El Capitán América también. Para eso están. Son nuestros héroes. Pero es que parece un poco absurdo dedicarse a perseguir a Edward Nigma (uno de los múltiples enemigos de ficción del hombre murciélago) cuando tenemos ahí fuera a Al Qaeda", declaró sin rubores Miller en San Francisco. El autor, de 49 años, comparó a Batman con Harry el Sucio, el llanero solitario urbano encarnado en tantos filmes por Clint Eastwood, y espetó: "Me gustaría que la industria del entretenimiento actual tuviera la voluntad y la fuerza de los que se enfrentaron a Hitler".


Más en El País. (Y sí, la periodista lo ha hecho muy bien)
Visto en Con C de Arte.

jueves, febrero 16, 2006

CARTELISMO - EXPRESIONISMO POLACO

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Los polacos tienen una forma de interpretar los carteles impresionante. En ésta galería de carteles polacos, veremos como en ese país se realizan nuevos carteles, aportando ribetes cuasi expresionistas. Algunos kitsch, algunos rídiculos, y otros sencillamente fascinantes como el de Un perro andaluz que resulta impresionante porque capta toda la esencia de la maravilla revolucionaria de Luis Buñuel.

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Cortesía de La vida en una pantalla.

miércoles, febrero 15, 2006

BROKEBACK.... TO THE FUTURE


Chiste fácil. Pero divertídisimo. El juego de palabras, se convierte en un magnífico uso de la descontextualización fílmica.
Lo sirvo vía el imprescindible Eki.

BROKEBACK MOUNTAIN: Cabalga en el crepúsculo

Brokeback Mountain. En terreno vedado.
(Brokeback Mountain, 2005).
D.: Ang Lee.
G.: Larry McMurty y Diana Ossana según el relato de Annie Proulx.
I.: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Anne Hatthaway, Michelle Williams, Randy Quaid, Linda Cardellini, Anna Faris, Scott Michael Campbell.
Duración.: 134 minutos. Color.
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-CON SPOILERS-
Es curioso ver la reacción del público ante un film cómo Brokeback Mountain. Ha recibido aplausos, y algunos merecidos, pero resulta el film en si, una bella contradicción. Por un lado, la gente se guía por la arriesgada idea de poner en duda la iconografía viril del cowboy americano convirtiendóle en homosexual, pero por el otro está el film en sí. Si alguna y muy agradable sorpresa esconde Brokeback Mountain es un clasicismo impresionante. Si su director fuese Clint Eastwood, estariamos hablando de un film casi como Los puentes de Madison.

La idea de poner en imagénes la historia de Annie Proulx, se ha llevado con mucha soltura, por Ang Lee, un interesante director, que sin embargo se muestra lleno de devaneos en su filmografía (pero que ya había tocado el western con Cavalga con el diablo). Y en Brokeback Mountain muestra alguno de éstos devaneos, pero se muestra un film extremadamente clásico, bien narrado y mesurado.

Lo que hace Ang Lee es radiografiar USA, en un espacio de tiempo similar al que radiografió en su estupenda La tormenta de hielo. Lo que ocurre es que cambia el sitio, y también el prisma. La desdichada y bellísima historia entre Jack Twist y Ennis del Mar, es principalmente una radiografía de las clases mas populares del Medio Oeste Americano. Así Lee consigue que cada escena respire esta sensación perpetua de desasosiego y tedio que se respiraba en un lugar, un país, de una moral conservadora acechante en cada momento e instante.

La película arranca cuando Jack Twist y Ennis del Mar, se conocen para pasar una temporada en la montaña de Brokeback que se convertirá en el máximo esplendor de su ya desde el inicio efímera y desdichada historia. A paritr de aquí, para sorpresa mia (que tuve la prudencia de alejarme de críticas reveladoras), el film no transcurría todo el rato en un mismo espacio narrativo (las desdichas de los cowboys en Brokeback) y una lentitud cubrida de paisajismo (que a pesar de la hermosísima fotografía, no me pareció un film vagamente paisajístico como se ha señalado), sino que observaba la evolución de los dos personajes protagonistas a lo largo de los sesenta hasta inicios de los ochenta.

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Este vehículo narrativo aparte de para ejercer la citada radiografía, sirve para ahondar en la propia psicología de los personajes, observando Lee con sabiduría y procurando no caer nunca jamás en ciertos tópicos atribuibles al colectivo homosexual, y describiendo dos personajes ahogados, uno más que otro, y cada uno a su modo, lleno de sus propias contradicciones. Otro acierto también presenta en la estructura narrativa, es el procurar no caer nunca, al dar saltos en el tiempo (siempre para adelante, nada de rompecabezas narrativos), en los momentos más manidos de cualquier melodrama. Opta por retratar ciertos momentos importantes de la vida de sus protagonistas, pero nunca sin caer en el sentimentalismo light enlatado de Hollywood, o el dramatismo impostado. Los elementos dramáticos de las situaciones se buscan en la cotidianidad, en el tedio vital, sin caer en el tremendismo que podia propiciar perfectamente una historia telefílmica como esta. Otro elemento que aprovecha, ya dentro de la radiografía de esta sociedad ahogada por la peligrosa doble moral y la represión, es el retrato de la homosexualidad relacionado con su entorno social. Lejos de caer en las clásicas secuencias homófobas, el retrato de Lee brilla por su sutilidad. Es un elemento omnipresente y magníficamente retratado, con un ojo que observa muchas veces desde la distancia, lo peligroso de la intolerancia.

Así las cosas, Lee opta por un tempo reposado y calmado, heredado de los mejores maestros del cine norteamericano, para crear una película con una sensibilidad a la vez, tremendamente suya (oriental), que puede parecer fría pero que a mi me ha parecido más bien calmada y sabia. Los actores estan todos ellos magníficos, creando roles muy propios del Oeste americano, pero dando siempre un matiz. Este matiz, solo se aprecia en sus dos protagonistas. Heath Ledger compone con brillante soltura un personaje díficil y complejo, y Jake Gyllenhaal está también correcto bordando a Jack Twist. Mientras que la interpretación de Ledger era más díficil, pero que si se lograba resultaba más cercana(que lo resulta), el personaje de Gyllenhaal es más sensible y calamdo, un rol que el actor se gana a pulso. Muchísima lástima da el maquillaje que entorpece una parte final bien filmada, donde los actores demasiado juveniles, apenas logran transmitir esa vejez transitoria en el crepúsculo.

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Acompañado de unas maravillosas fotografía y música, que a bien seguro que se llevarán el Oscar, a cargo de Rodrigo Prieto y Gustavo Santaolalla respectivamente (curiosamente ambos colaboradores de Alejandro González Iñárritu, componiendo unas labores completamente opuestas), Brokeback Mountain si es premiado cargará mas sobre sus hombros, el ser un film sobre homosexuales que su propuesta tan clásica de fondo. Sea como sea, si olvidamos de que Ang Lee es el director estaríamos hablando de un cine "hermano del mejor Eastwood" (a pesar de las distancias culturales entre ambos realizadores, hay cierta similitud), cargado de sutilidad y que debe ser visto con ojos capaces de engrandecer una película, tan magnífica por la sencillez y honestidad de su propuesta y resultados.

Puntuación.: 8,5.

martes, febrero 14, 2006

V DE VIÑETAS

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"Basándose en los trabajos del diseñador gráfico Alan Moore, los hermanos Wachowski, autores de la saga Matrix, arremeten ahora contra los totalitarismos en el guión de V de Venganza. "
Diego Galán en El País.

Éste fragmento ya ha provocado la indignación de muchos amantes del noveno arte por toda la blogosfera (si vd. quiere unirse a la protesta, y desea expresar su indignación.: redaccion@prisacom.com). Pero es que la BBC en su breve reseña tampoco lo cita. Sea como sea el resultado no ha dejado indiferente a varios de los blogs comiqueros principales.: Culpable y perdedor ; Con C de Arte o La cárcel de Papel.

Para entendernos lo peor del asunto no es el hecho de que llamen a Alan Moore "diseñador gráfico", sino la desinformación que esto presenta tan exagerada. Por un lado Moore es el guionita y por el otro David Lloyd el ilustrador. El hecho de tildar o adjudicar a los Wachowski la autoría de una obra política de Moore , encima tan representativa y conocida, provoca aún más indignación. Y por encima de todo, que Alan Moore es precisamente una de las grandes figuras del cómic, ya maltratadas anteriormente por el cine con From Hell o La liga de los hombres extraordinarios. Y ahora en progreso está Watchmen una obra que ya causa polémica, al estar en marcha de nuevo, de la mano de Paul Greengrass.

Es interesante sin embargo comparar la reacción que se ha producido en los blogs citados para reflexionar sobre el tema.:

Culpable y Perdedor
V de Vendetta, la prensa y el derecho al pataleo.

" Vaya por delante que lo del señor Diego Galán tiene delito, sea una pájara o una cagada. Álvaro tiene razón, Google hace milagros. Pero creo que nos enfrentamos, de nuevo, a un caso tremebundo de ver el vaso medio vacío cuando quizá esté algo más que medio lleno. Justo un día después de que me sorprenda gratamente una somera semblanza de Max en 20 Minutos (¡con entrevista!) veo en un periódico de tirada nacional como El Mundo que V de Vendetta, la película (la adaptación del CÓMIC) abre la sección de cultura y ocupa DOS páginas de la misma. Carlos Boyero disecciona la película, nombrando correctamente a Alan Moore y David Lloyd. Es más, el propio Lloyd, también identificado correctamente por Silvia Román, es incluido en los cortes de declaraciones. Yo no sé ustedes, pero de entre cientos de películas que adaptan una novela, rara vez se da la oportunidad de hablar al adaptado. Un punto, sin embargo que se pasa por alto, como se pasa por alto la tremenda cobertura que se da a la película y, de manera indirecta, al cómic, porque ¡Oh cielos! el encargado de cerrar la página la CAGA en el antetítulo al definir a Alan Moore como “dibujante”. Así pues, si yo hiciese lo mismo que el troll medio que habita las zonas de comentarios de la tebeosfera, diría que TODOS los lectores de cómic son tan ceporros como para cargarse dos páginas de información/promoción bien hecha en un periódico de tirada nacional por UNA palabra mal puesta en un momento de prisa y locura (nadie ajeno a la profesión tiene por qué conocer cómo es la hora del cierre de edición de un periódico, evidentemente). Lo más triste es que probablemente, la gran mayoría de los que rajan ha leído el artículo del periódico DESPUÉS de que Álvaro, Pepo y demás hayan puesto el grito en el cielo, con lo que volvemos al tema de que se ve la paja en el ojo ajeno pero no la viga en el propio.
- Termina aquí.

" Me da ascopena la gente poco preparada para determinados trabajos, sobre todo cuando es fácil documentarse en este mundo de Diox, y no entiendo que haya periodistas sin inquietudes culturales, sea cual sea su ámbito (el caso de los periodistas deportivos, por ejemplo, es de juzgado de guardia)
[...]Que si tenemos que pensar en positivo ("joder, un tío como Carlos Boyero -y compañía- se marca una doble página sobre la peli de V de Vendetta") o en negativo (Galán, un pringao que no ha visto un tebeo ni de lejos no sabe quien es Alan Moore y la caga) nos ponemos siempre en lo peor.A mi que la gente se queje me parece estupendo, pero prefiero los modos cosntructivos (cartas al director razonadas, como hace todo hijo de vecino cuando hay equivocaciones en otros ámbitos) que el pataleo y el "flame" porque yo lo valgo ("los periodistas son TODOS unos hijoputas que nos quieren hundir, dais asco, no tienen niputaidea, blah blah blah").
Evidentemente, es sólo mi opinión. Si como periodista, hago autocrítica de la profesión día sí, día también, no veo por qué, como lector y blogger comiquero, no puedo hacerlo de la afición día sí, día también. ¿No?"
-Lo dijo en los comentarios de Con C de Arte.

Álvaro Pons -La Cárcel de Papel
Ni repajolera idea de prensa y tebeos

" Me reservo mi opinión en ese aspecto para cuando la vea y quién sabe, a lo mejor hasta coincido con él. Pero Sr. Galán, por favor, la próxima vez ponga “Alan Moore” en Google, que es muy sencillo y le ahorrará metidas de pata como ésta. "
Post completo aquí.

Pepo Pérez - Con C de Arte

" No se trata de que SEA OBLIGATORIO HABERSE LEÍDO a Alan Moore, no malinterpretemos las cosas, pero sí que al menos te suene (yo no me he leído a David Foster Wallace, pero sí sé quién es), o, si no te suena (tampoco pasa nada en principio), la obligación profesional de un periodista que se precio de serlo es comprobar -vía google o lo que sea, que anda que no es fácil hoy día hacerlo- quién es Alan Moore... Y si, como alguien ha sugerido, que la errata ya venía en el dossier de prensa, cosa que dudo mucho, eso SIGUE SIN SER EXCUSA para un verdadero periodista. Anda que si uno escribiera haciendo caso a las notas de prensa... cosa que se está haciendo demasiado últimamente, por cierto. "
Visto en los comentarios de éste post.

lunes, febrero 13, 2006

IT HAD TO BE YOU


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Why do I do, just as you say
Why must I just, give you your way
Why do I sigh, why don't I try to forget

It had to be you, it had to be you I wandered around, and finally found
The somebody who could make me be true
Could make me be blue or even be glad
Just to be sad just thinking of you
Some others I've seen might never be mean
Might never be cross or try to be boss
But they wouldn't do
For nobody else gave me the thrill
With all your faults
I love you still
It had to be you
It had to be you
It had to be you

Al escucharla, todos paseamos por Manhattan. Aunque sea de refilón. Vienen a la memoria cinéfila de los paseos con Harry y Sally. O de las tardes que pasaste escuchando a Annie Hall. Paseen al ritmo jazzístico de esta inolvidable canción.
Todas las versiones, más swing, más retro, más nocturnas las sirve Kahlo.

sábado, febrero 11, 2006

BUENAS NOCHES Y BUENA SUERTE : Periodismo e ideas

Buenas noches y buena suerte.
(Good night and good luck, 2005)
D.: George Clooney.
G.: George Clooney y Grant Heslov.
I.: David Strathairn, George Clooney, Robert Downey Jr. Patricia Clarkson, Frank Langella, Ray Wise, Jeff Daniels, Tate Donovan, Robert John Burke, Matt Ross, Grant Heslov.
Duración.: 93 minutos. Blanco y negro.
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Dicen en Miradas de Cine, que esta es la utopía contemporánea. No les falta razón a los agudos críticos de la excelente revista. George Clooney ha realizado su segundo y mejor trabajo, bordando por momentos la obra netamente maestra. Para entender el presente, se acostumbra a decir que hay que observar detenidamente el pasado. Y sólo así, podremos decidir nuestro futuro. Estas premisas son algo más que una declaración de intenciones para Clooney.

La caza de brujas promovida por el senador Joseph McCarthy es un hecho que a pesar de tener sus ecos en el cine de Hollywood, ha sido tempranamente sellado (tan sólo dos precedentes a esta maravilla.: Caza de brujas y La Tapadera datados de los noventa y los setenta respectivamente). McCarthy perseguía con miedo, injurias y mentiras a los comunistas, relacionados con el Mal absoluto. La gente que le cuestionaba, era comunista también. Si sustituimos la palabra terrorista, no sólo tenemos la consabida (y consiguiente) alegoría del actual mandato de Bush, que justifica las escuchas, y en nombre de evitar el miedo, lo crea. Clooney va más allá, sin rechazar estas agradables lecturas. Su film es una alegoría política de carácter universal. Lo digo porque en España, siempre se llevan linchamientos con aquellos que no siguen las iniciativas de ciertos partidos en ciertos gobiernos. Ahí radica el valor de la película.: su universalidad intrínseca no le resta valor a esas lecturas políticas tan necesarias.

Al ver estas lecturas políticas actuales, Clooney acierta de pleno porque es obvio el paralelismo entre los 50 y hoy. El papel del periodista es esencial, en una moderna civilización, ya que es el encargado de transmitir la verdad. Otros films, como la fallidísima epopeya digital de Ridley Scott, El reino de los cielos establecía una muy bienintencionada lectura de diálogo entre civilizaciones, enmedio de un contexto histórico imposible, aquí la lectura política resulta convincente, y sobretodo de mucho valor. Clooney sabe que hay que recordar cosas esenciales.
La película narra la batalla emprendida contra el McCarthismo, y sus mentiras, emprendida por dos profesionales periodistas de la CBS, Edward R. Murrow y su compañero y realizador Fred Friendly, empeñados (y vilipendiados por ello) en destapar un tanto las mentiras que empañaban la infame caza de brujas. Esta lucha no les va a resultar fácil. Buenas noches y buena suerte era la clásica coletilla del gran Murrow, y si hay algo que sorprende del film de Clooney tras su frenético (pero no obstante elogiable) debut, es la mesura que ha emprendido en esta película. No es una película extraordinariamente revolucionaria, pero si tiene la virtud clásica e inteligente, que necesita cualquier buena obra moral que se precie.

Trata a los personajes con un doble filo impresionante. Por un lado las magníficas secuencias de Murrow en el aire, frío y profesional, por otra parte muestra al Murrow cotidiano, que debe equilibrar su fuerte carácter, e intenta proteger como puede a Don Hollenbeck de las agresiones mediáticas, pero nunca sin violar a su ética. Esto se aprecia a las claras con la extraordinaria actuación del siempre gran David Strathairn que gracias al agradecido poco ego de Clooney (que se reserva un gran papel que borda), tiene una oportunidad que aprovecha interpretando con total convicción y sin caer en los clásicos parámetros de imitación del biopic al uso. Fred Friendly, también tiene una encarnación ideal, en un excelente Clooney que demuestra su versatilidad y su maravillosa habilidad. Ray Wise, Jeff Daniels, o Robert Downey Jr. sorprenden con la total convicción y sobriedad que bordan a sus personajes, sin excesos, todo con una mesura y una dramaturgia perfectas.
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Sin duda alguna se luce Clooney demostrando que es un autor polifacético y versátil, que resuelve con mucha notabilidad todos aquellos retos que se propone. En este film sale ganando, tanto en interpretación, como guión (dotado de un gran valor narrativo) como en dirección (repleta de hallazgos pequeños).
Desde las magníficas secuencias que se dedican a describir el funcionamiento del programa, hasta las pequeñas secuencias acompasadas sólo con musica. La combinación de música e imagénes, aportando cierto descanso rítmico sobre la narración, es un recurso que frecuentó para la acelerada narración de Confesiones de una mente peligrosa, y aquí nuevamente la música marca el compás del film. Describe el frenetismo de la acción, pero no el tempo narrativo del que se dispone. Y que musica, todo el film está compuesto de maravillosas versiones de clásicos jazzísticos, interpretados en directo por Dianna Reeves (y las actuaciones se recogen en el film), un acierto que aporta placer para los oídos.

El film contiene secuencias memorables, de
sde inteligentes duelos dialécticos, hasta los brillantes discursos de Murrow. La única traba que encuentro en el film es la ausencia de exteriores, cosa que le transmutan demasiada teatralidad, que si que es reprochable. Pero considero en el film de Clooney, un acierto que para mi, brilla con una genialidad propia de un hombre tan inteligente y hábil como él. El senador McCarthy, fue terrible, agarrar a un intérprete, para que se transmute físicamente y lo sobreactue, acercando la película al grand guignol hubiera sido un toque bizarro y curioso, pero un tanto inoportuno, en su carácter serio (que tampoco olvida lo esencial del sentido del humor en sus personajes). Así que, decide intercalar las imágenes de archivo, con una brillantez increíble, y que otorgan todo el sentido, al personaje que era. Como dice Murrow en un momento del film "dejemos que sea él quien se descubra con sus secuencias".

El film finaliza con un clímax del discurso denso y magnífico. Al terminar el fim, uno ha visto un ejemplar film sobre periodismo (y con un estilo periodístico tan calculado como rematadamente eficaz a la hora de retratar el mundo y su época; y al propio Murrow) e ideas. Porque el libre intercambio de ideas, no hace daño a nadie, parece decirnos Clooney. En el momento que el miedo se utiliza para fingir que se quiere evitar eso mismo, todas estas libertades estan en suma fragilidad. Y somos nostros los ciudadanos los que debemos elegir luchar. No le valen a Clooney, igual que a Murrow, la excusa de la gente quiere evadirse.
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Magnífica secuencia para cerrar un film que me he encandilado. Periodismo, jazz, ideas y política. Eso es el film. Y por eso, es una gozada, más que recomendable. Imprescindible para cualquier periodista, y ciudadano interesado en sus derechos y libertades.

Puntuación.: 9.

viernes, febrero 10, 2006

WORLD PRESS PHOTO 2005

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El prestigioso premio de la World Press Photo, lo ha ganado Finbarr O'Reilly, con esta impresionante instantánea de una mujer nigeriana y su retoño, afectados por el hambre.

El resto en las fotogalerías de 20 minutos.

BERLÍN EMPIEZA SIN COHETES

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El festival de Berlín se ha iniciado con Snow Cake de Marc Evans, protagonizada por Alan Rickman y Sigourney Weaver. El film ha sido visto como una descarga sentimental, que tan solo destaca por sus actores.

Más en El País.

Actualización 1
Domingo 12 de Febrero - 3:23
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La fiesta del chivo dirigida por Lluis Llosa ha entusiasmado a su autor, Mario Vargas Llosa, mientras que Las partículas elementales basada en otra novela de gran acogida, de Michel Houllebecq ha sido una gran decepción.
También se ha presentado con un gran sinsabor El nuevo mundo el retorno de Terrence Malick ha resultado film que ha dejado desigual al público, y The science of sleep de Michael Gondry que ha resultado demasiado extraña.

Vía El Pais.

miércoles, febrero 08, 2006

WKW - THE FOLLOW


The Hire el proyecto concebido por David Fincher, consistente en rodar una serie de cortometrajes para la BMW. Estos spots de lujo, cuentan las andanzas de El Conductor que encarna Clive Owen, y es el personaje nexo, junto al consabido vehículo de la marca, de todos los spots que se diferencian radicalmente en estilo e historias. Aquí cada director se luce y pone a prueba su peculiar concepción del cine, gana en que es un corto y la duración juega siempre a su favor. John Frankenheimer, Tony Scott, Ang Lee, John Woo, y el más popular, el de Guy Ritchie con Madonna a ritmo de la Song 2 de Blur han dejado su spot para la saga. La visión de Wong Kar-Wai resulta también muy personal, y demuestra la concepción tan sutil del cine que tiene, amparándose en imagenes bellísimas y que tampoco rompe para nada con su filmografía y constantes. La canción que suena, es una versión del Unicornio de Silvio Rodriguez, interpretada por Cecilia Noël. Disfruten de este delicatessen.

martes, febrero 07, 2006

LEVE DIBUJO DEL DESENCANTO

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"No pienso que los lectores del Jyllands-Posten vayan a disfrutar con los dibujos. De hecho, pienso que van a provocar quejas. Por tanto, no los voy a usar".
Lo dijo el director del Jyllands-Posten el periódico danés amante de las caricaturas religiosas sobre publicar una a costa de Jesucristo. Toda una declaración de intenciones.
Más en informativos telecinco.

Arsenio Escolar

" La libertad de expresión es una de las piedras angulares de las sociedades democráticas, una de nuestras libertades más valiosas. Es cierto que no es una libertad absoluta, tiene límites: acaba donde empieza el derecho de otros, en este caso el respeto a una fe religiosa. Alguna de las viñetas quizá estaba cerca de traspasarlo, pero eso no han de juzgarlos islamistas radicales, ni les da derecho a éstos a contestar con violencia, con amenazas."

El resto en ¡Que paren las máquinas!

Actualización 1
Martes 7 - 22:51

" El periódico iraní de mayor tirada ha anunciado su intención de publicar viñetas satíricas sobre el Holocausto, en respuesta por la aparición en la prensa europea de caricaturas sobre Mahoma. El diario Hamshari, de orientación conservadora, ha convocado un concurso internacional para elegir las ilustraciones que publicará, según informa el periódico británico The Guardian."
El resto vía la edición digital de El Pais.

Actualización 2
Miercoles 8 - 11:42

" Existe una gran dificultad entre los musulmanes para entender el laicismo de Europa. Muchos de los argumentos tienen que ver con su respeto hacia los cristianos. "Jesucristo es uno de nuestros profetas", suelen recordar. Aunque los iraníes hacen chistes y caricaturas de sus clérigos, consideran sagrados a los profetas y los imanes."
El resto en El Pais.

Actualización 3
Jueves 9 - 18:17

Milo J. Krmpotic

Responder a quienes asocian tu religión a la violencia quemando embajadas es como pretender que uno no es disléxico al grito de: “¡Disxécilo soy no!”.
El ladrido crepuscular termina aquí.

lunes, febrero 06, 2006

ARTE PULP - ROBERT E. McGINNIS

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Robert E. McGinnis es otro de los ilustradores de la pulp fiction norteamericana prolíficos con ilustraciones destacables sobre detectives, romances, relatos de corte gótico-terrorífico, aventras y demás. Además ha realizado carteles muy famosos para la serie Bond y alguna que otra joya setentera. También tiene retratos desnudos, pinturas, westerns, muy sugerentes y muy estimulantes. Todo su trabajo, aquí.

domingo, febrero 05, 2006

CIUDAD DE DIOS: Los niños perdidos de la favela

Ciudad de Dios.
(Cidade de Deus, 2002)
D.: Fernando Meirelles.
G.: Bráulio Mantovani según la novela de Paulo Lins.
I.: Alexandre Rodrigues, Matheus Nacthergaele, Seu Jorge, Leandro Firmino da Hora, Phellipe Haagensen, Douglas Silva, Roberta Rodríguez Silvia, Jonathan Haagensen, Gero Camilo, Graziela Moretto, Renato de Souza.
Duración.: 130 minutos. Color.
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- CON SPOILERS -
Si de verdad quieren viajar al ídlico Brasil de los futbolistas y de los carnavales, de Rio de Janeiro, la verdad es que Ciudad de Dios no va a estar entre sus destinos turísticos precisamente. El nombre tan cristiano, es el que bautiza a una favela donde la vida no es sagrada, y lo único que parece sagrado es la posibilidad de terminar engrosando un clima de violencia que se extiende entre los niños.

Tras una experiencia viendo como niños le atracaban, el director Fernando Meirelles tomó conciencia social del asunto, y rápidamente llega a sus manos la novela de Paulo Lins, una crónica de trescientas vidas que se cruzan en la favela de Ciudad de Dios, de corte autobiográfico. La historia rápidamente le obsesiona, y auspiciado por Walter Salles, Meirelles se busca el asesoramiento de la excelente documentalista Katia Lund, y realiza uno de los films claves dentro de la cinematografía latinoamericana, que ha supuesto la revelación de otro de los tantos directores latinos que durante los últimos años han venido ha configurar el cine, en su vertiente narrativa y estética.
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Éste es uno de los films más brillantes y compactos de los últimos años, tremendamente comprometido y magnífico en la exposición de su denuncia, como en la de una historia que no cae en los excesos desmedidos, sino que es la historia del exceso de sangre que por desgracia abunda en las zonas donde la desesperación es un síntoma diario (que es diferente).

Para narrarnos la historia de Ciudad de Dios, Meirelles escoge a un protagonista muy acertado, con el que rápidamente todos los cinéfilos puedan sentirse identificados. Buscapé, el amante de las cámaras, va a ser el testigo del horror, el ojo que mira, la evolución de la favela durante los años 60, 70, y 80. Paralelamente a Buscapé pasan muchas historias, pero el otro personaje que mueve el eje aparte del narrador, es Dadinho un niño que tiene ambición de poder, y que se convertirá en Ze Pequenho el mafioso mas peligroso durante su ascenso, y también el mas implacable y sangirento.

Fernando Meirelles tiene una de las direcciones mas sorprendentes y vibrantes que se han visto en el cine de los últimos años, que le mereció en su día una justa nominación al Oscar, y donde es capaz de combinar una deslumbrante estética sin perder de vista su intención, su fondo, y la capacidad narrativa de la historia. El film es un ejemplo muy claro del cine del siglo XXI y su juego con las imagénes. Pero lo que hace Meirelles es realmente excelente, aunque no exactamente oiriginal, ni mucho menos. Experto publicista, canibaliza todos los recursos narrativos del formato y los incorpora al film , además codifica todo el estilo frenético y vertiginoso del maestro Scorsese (con esas sucesiones de fondos sonores e imagénes tan implacables) logrando así una mezcla explosiva y efectiva, y con un vértigo narrativo muy similar al citado maestro de Goodfellas. En su estética combina estilo documental, sabios matices y contrastes en el color, y cámara en mano, logrando una mezcla muy ecléctica y eléctrica.

Pero Ciudad de Dios no es sólo una magnífica crónica criminal de las últimas décadas en un desesperado Rio de Janeiro, también contiene unas cuantas reflexiones que no vienen reñidas con su pericia narrativa (cosa que parece que deba estarlo en la moderna concepción del cine). Igual que Coppola o Scorsese diseccionaban con sus cintas de mafiosos el sistema capitalista americano, explicaban sus verdaderas bases y lanzaban una aguda crítica al sistema, Meirelles precisamente no se queda atrás. Muestra el mundo de las favelas como un mundo ahogado por la abstinencia de la clase alta brasileña a mirar más allá de las postales paisajísticas, y carcomido por el negocio de la droga y el odio. Sólo Buscapé, el hombre que retrata el horror de las favelas y lo denuncia sólo con su cámara, es uno entre mil, el único que puede escapar de esta espiral de odio que es infinita. Hay una secuencia obligatoria, que muestra el horror de los niños criminales, en ese ambiente. Ze Pequenho se enfada, porque los Raterillos (una banda de niños delincuentes) hacen la zona de Ciudad de Dios que gobierna, un lugar inseguro (y eso debilita la fuerza de sus extorsiones), y coge a tres de ellos. Uno será el que presencie como les dispara a los dos, en la mano y en el pie, respectivamente, y para el que no recibe balas, será el encargado de dar la última. Ze Pequenho le obliga a escoger entre los dos y matarle. Después de la ejecución, la cámara de Meirelles filma con un desgarro absoluto las lágrimas del niño que ha visto morir a otro. Al final Ze Pequenho será devorado por esa infancia, la misma infancia que ha perdido.
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Porque Ciudad de Dios parece una tierra de eternos niños perdidos, un lugar donde la corrupción capitalista e hipócrita de la era globalizada ha asesinado sin piedad a Peter Pan.

Puntuacíón.: 9.

sábado, febrero 04, 2006

LOS TÍTERES Y LOS INFANTES


La secuencia del show de los títeres de Les quatre cents coups el maravilloso (el mejor debut de la historia del cine con permiso de Welles) film de Truffaut, un ojo que mira a una infancia desgarrada por el horror, pero que aún tiene tiempo para ver un final feliz a éste cuento de la Caperucita. Lamentablemente, esa no fue la historia de Antoine Doinel. Una gozada.

ARTE PULP - FRANK R. PAUL

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Frank R. Paul (1884-1963) es uno de los ilustradores de portadas más importantes de los años 20 y 30, que nos deleita con unas portadas realmente encantadoras para Amazing Stories ; Science Wonder ; Air Wonder Stories ; Wonder Stories y otros clásicos del folletín de ciencia-ficción norteamericano, que rebosa encanto e imaginación. Toda la galería de éste hombre aquí.

jueves, febrero 02, 2006

ARTE PULP

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Carteles tan deliciosos como éste estan presentes en el Pulp Art Palace, imprescindible site que tienen una sección dedicada a las portadas de ciencia ficción. Si quiere ver el resto de la galería de la imaginería retro, pinche aquí.

CLAIR DE LUNE


Os dejo con ésta simple animación, basada (y acompasada claro) por el Clair de Lune de Claude Debussy a piano auspiciada por la Music Animation Machine. No se si es por la simpleza consciente de toda la animación, o por las líneas retro que desfilan durante todo el rato, pero el video tiene algo que lo hace muy especial.

¡FELIZ DÍA DE LA MARMOTA!

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Pasen ustedes un felizisimo día de la marmota. Gracias a Escolar.Net.Y no se olviden de la canción. Y de mirar el reloj mañana (o hoy) a las 6 de la mañana.

miércoles, febrero 01, 2006

POCO SENTIDO DEL HUMOR

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Editorial El País

" [....] Toda persona debe ser respetuosa con las creencias de los demás. Por desgracia, no está tan asumido que pueda expresar libremente las suyas, si las tiene. El fanatismo es una planta que crece en muchas religiones, pero el mundo islámico ofrece hoy una cosecha muy extensa. A algunos les ha costado la vida, como al cineasta holandés Theo van Gogh, y a otros les persigue la condena de muerte por escribir una novela, como Salman Rushdie. En otras épocas, no tan lejanas, otras religiones hicieron pagar la disidencia con la hoguera. Creer que sólo en el mundo islámico existe la intolerancia religiosa sería un ejercicio fatuo de autocomplacencia. Pero ignorar que el integrismo religioso se expande vertiginosamente entre los creyentes musulmanes sería ponerse una venda ante la realidad. "

Bromas peligrosas, en el editorial del País de hoy.

Actualización 1
Miercoles 1 - 22:59
" Las caricaturas que se publicaron en su día en un diario danés, provocaron la ira de varios países árabe s porque representan a Mahoma, algo prohibido en el Islám y le identifican con el terrorismo..
France Soir explica en portada que ha decidido reproducir los doce dibujos porque "ningún dogma religioso puede imponerse a una sociedad democrática y laica.
Las caricaturas están generando una grave crisis diplomática y países como Kuwait, Egipto o Palestina piden el
boicot a los productos daneses "

Más en 20 Minutos.

Actualización 2
Jueves 2 23:03
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" Esta portada le ha costado el puesto al director del diario France Soir, Jacques Lefranc. El editor ha decidido cesarle después de que publicase las polémicas caricaturas danesas de Mahoma que tanto han enfadado al ala más radical del Islam. Según el dueño del diario, el que ordenó el fulminante despido, el cese intenta demostrar un “signo fuerte de respeto a las creencias y convicciones íntimas de cada individuo”.
Cortesía de Escolar.