OSCARS COMPROMETIDOS

MEJOR PELÍCULA:
“Brokeback Mountain”
“Crash”
“Good Night and Good Luck”
“Munich”
“Capote”

MEJOR DIRECTOR:
Ang Lee. “Brokeback Mountain”.
Paul Haggis. “Crash”.
George Clooney. “Good Night and Good Luck”.
Steven Spielberg. “Munich”.
Bennett Miller. “Capote”.

MEJOR GUION ORIGINAL:
“Crash”.
“Good Night and Good Luck”.
“Mach point”.
“Syriana”.
"The Squid and the Whale".

MEJOR GUION ADAPTADO:
“Brokeback Mountain”.
“Capote”.
“El jardinero fiel”.
“Munich”.
“Una historia de violencia”.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA:
"Don't Tell. Italia.
"Joyeux Noël". Francia.
"Paradise Now". Palestina.
"Sophie Scholl. The Final Days". Alemania.
"Tsotsi". Suráfrica.

MEJOR DOCUMENTAL:
"Darwin's nightmare".
"Enron: the smartest guys in the room".
"March of the penguins".
"Murderball".
"Street fight".

El resto de los Oscar, vía Informativos Telecinco.

Una historia de violencia se ha quedado lamentablemente fuera de las candidaturas de mejor film, y mejor dirección (la academia sigue sin reconocer al demasiado "radical" David Cronenberg, aunque ha logrado las de mejor actor secundario y mejor guión adaptado) pero aún así se auguran unos Oscar 2006, marcados por cintas muy comprometidas.: en mejor película desfilan Brokeback Mountain, Munich, Crash y Buenas Noches y buena suerte que viene acompañada de Capote uno de los dos biopics, que éste año son de vidas muy interesantes (Cash & Capote) que esperemos que no se conviertan (ojalá) en clásicas visiones hollywoodienses.

El cine independiente tiene The Squid and the Whale debut del guionista de Wes Anderson, Noah Baumbach, en la dirección y Transamerica de Duncan Tucker como representantes del cine "indie" que éste año ha adquirido poca importancia en la gala.

La presencia de Syriana en el guión (y en el mejor actor de reparto) vuelve a situar dos constantes de la gala de éste año. George Clooney como el más hábil de las estrellas (capaz de combinar divertimentos con films algo más comprometidos, y de rodearse con talentos como ser dirigido por los Coen, o dirigir un guión de Charlie Kaufmann) que puede salir vencedor teniendo todo un récord de nominaciones como mejor actor de reparto, mejor guión original, y mejor director. Aunque en el apartado de guión original el debut de Stephen Gaghan (guionista de Traffic) tiene una rival muy importante, como es el guión de Woody Allen para Match Point.

El Jardinero Fiel otra cinta muy comprometida de Fernando Meirelles (en breve haré la reseña) ha logrado nominaciones nada despreciables (mejor guión adaptado y mejor actriz de reparto) además de una para la excelente banda sonora del español Alberto Iglesias. El fracaso de King Kong en nominaciones importantes, es, una inusual muestra de buen gusto para la academia que no obstante no obvia las clásicas nominaciones por biopics.

En el apartado de film extranjero como era previsible no hay presencia española, y Feliz navidad, No me digas o Paradise Now (cinta palestina sobre el conflicto) se presentan como las más destacadas a la hora de ganar, acompañadas de una cinta surafricana desconocida y el film alemán Sophie Scholl. Para el mejor documental, se ha tenido en cuenta el tan alabado La pesadilla de Darwin.

NAM JUNE PAIK (1936-2006)

José Luis de Vicente

" [...] Ha muerto Nam June Paik. La mayoría de las crónicas se limitarán a soltar una nota sobre la desaparición de "el padre del videoarte", pero era muchísimo más que eso (cómo si fuese poco). Paik fue el primer hacker que operó subvirtiendo la tecnología mediática desde el arte; en sus distintas etapas y desde diferentes formatos se adentró en la robótica o en la estética del error y el glitch; desdibujó los límites entre imagen en movimiento y luz; construyó nuevas herramientas lúdicas interactivas que relacionaban imagen y sonido de maneras hasta entonces inéditas, como en sus famosos videochelos, y fue de los primeros en trabajar sobre el espectro electromagnético; (su Magnet TV casi parece un ejercicio de Critical Design de la escuela de Anthony Dunne y Fiona Raby). Fue un peremne optimista al que entusiasmaban los hallazgos deslumbrantes que surgían al explorar un medio sobre el que nadie sabía todavía demasiada cosa. "

El resto cortesía de Elastico.net

La nueva guerra busca un nombre

Gregorio Morán

La diferencia capital entre una dictadura y una democracia se reduce a algo tan simple y tan íntimo como que nosotros, los que votamos o nos abstenemos, pero que podemos optar sin el peso del castigo, nosotros, digo, somos responsables de los crímenes que cometen nuestros líderes. En las dictaduras, los súbditos no son corresponsables de las barrabasadas de sus dirigentes; en las democracias, sí. El drama alemán a partir de 1933 fue que Hitler no tomó el poder, sino que se lo regalaron en las urnas. Y hete aquí que ahora nos encontramos ante un dilema imposible. Somos cómplices de la ruptura de una tradición de la cultura occidental, la inquietud sobre los derechos humanos, incluidos los del enemigo. Al carajo se han ido la convención de Ginebra y los juicios de Nuremberg. Como los enemigos son implacables en su papel destructor, nosotros nos comportamos como depredadores para contener la avalancha. La cuestión hoy día no está en el miedo occidental ante el islamista radical, el nudo gordiano no se centra en el miedo, sino en lo mucho que hemos de proteger. La amplitud de nuestros intereses nos hace débiles, exponemos demasiadas cosas y somos pocos para defenderlas.

Más en esta columna vía La Vanguardia Digital (gracias a la Petite Claudine).

GORILAS EN LA BLOGOSFERA

Todos los blogs van al zoo, para nutrirse de la subcultura variante simpáticos gorilones.

Véanlo en La Feliz Semana Internacional del Traje del Gorila.
El video imprescindible, es The Bride Of the Gorilla tráiler de un clásico, servido por el Hijo Tonto. Lo que ha hecho el habitual Blog Ausente es una labor como todo el blog en sí, admirable, pero de toda su aportación no se pierdan su entrañable revival de gorilas de la editorial de tebeos de Bruguera.
El compañero Eki, otro activista de la causa gorilera, nos deleita además con una muy nostálgica selección de Gorilas de Bolsillo.
Sí, tambien está la peculiar aportación del mostrenco maese Jordi Costa, con una invitación a engorilarse.
John Tones, mi onanista favorito, deja las geniales viñetas de Don Martin, que complementan los textos de Costa.
También tienen mas noticias subculturales sobre el evento en Bizácoras y no se pierdan este Top 10 de Gorilas cortesía del Emperador de los Helados.

MUNICH: "Los justos y los vengadores"

Munich.
(Munich, 2005).
D.: Steven Spielberg.
G.: Tony Kohner y Eric Roth sobre la novela de George Jonas.
I.: Eric Bana, Geoffrey Rush, Daniel Craig, Ciaran Hinds, Matthieu Kassovitz, Hans Zischler, Ayelet Zurer.
Duración.: 164 minutos. Color.


- CON SPOILERS-
En A.I. ya fue bastante sorprendente que muchos sectores de la crítica afirmaran rotundamente que estaban ante un Spielberg que no renegaba de su temática propia, pero que ofrecía una visión muchisimo mas triste, desgarrada y radical. Aunque sea La Terminal el único film que "desentona", tenemos ejemplos en estos últimos cinco años, de que el cine de Spielberg ha madurado y se ha radicalizado cada vez más. Desde ese androide de perdida familiar irreparable, pasando por un policia drogadicto (Minority Report), un padre que necesita la desgracia para ser responsable (La guerra de los mundos), o un aventurero que es un estafador de ausencia familiar (Atrapame si puedes).

Aunque muchos afirmen que Munich entre en su vena mas "seria", estamos ante un film como El Imperio del Sol (serio, pero no complaciente), pero que supone el máximo esplendor de su cine, y de ésta época donde se ha radicalizado mas y mas. Tanto que aquí está completamente lúcido. Ya no estan las banderas ondeantes de patrioterismo que yacían al inicio y al fin de Salvar al soldado Ryan ni siquiera el falseo histórico de La lista de Schindler ni el tufillo sionista que ambas desprendían. El Spielberg de ahora, es sin duda el más maduro, y ha realizado lo que para mí es su mejor película, y sino, la más compacta y comprometida, que no hace ningún tipo de concesión a su ñoñería, y no se priva de mostrar violencia y sexo con total naturalidad (otro punto a su favor).

Para hablarnos de uno de los conflictos que parecen infinitos, como es el de Israel y Palestina, Spielberg escoge un hecho que se podría haber convertido en maniqueo enseguida, y mas si regresaba ese Spielberg sionista que y aha desaparecido. El hecho en cuestión es el asesinato de once atletas israelíes por parte de miembros del grupo terrorista Septiembre Negro durante las Olimpiadas de Munich en 1972. En este marco, el héroe spielbergiano del film, Avner, un hombre de (como es obvio tratandose de Spielberg) familia disfuncional, que cree que su hogar y patria al que se debe es su país, Israel, y en Golda Meir la primera ministra israelí de entonces una especie de figura maternal, estando su padre, un héroe nacional encarcelado o enfermo, siempre enternamente ausente. Este personaje es el eje para narrar los hechos que sucedieron a este brutal atentado en Munich, que fue la creación por parte de Israel de un comando encargado de eliminar a los "objetivos" encargados por Israel y claro está sin hacerse preguntas de si realmente tienen algo que ver.

Un acto de venganza, de terrorismo de estado, va a ser llevado a cabo por Avner y sus hombres, que creen que hacne justicia a su patria. Pero Spielberg lo sabe, y es que en este film, no hay buenos ni malos, todos tienen sus razones. En un montón de excelentes secuencias podemos observar gracias al ojo lúcido de Spielberg, como los terroristas no son simplemente los malos y es que la reflexión política que se extrae de este film es jugosísima y muy profunda, como para dejarla escapar.


En una secuencia en que el comando de Avner y otro árabe comparten lecho, y como desconocen la procedencia israelí de Avner, éste charla con el líder de los árabes, sobre el conflicto entre palestinos y judíos. La explicación de esta exaltación de la patria, se reduce en que todos necesitan un hogar donde volver, sentirse seguros, y ajenos de toda soledad.

Además de este excelente valor ético del film, Spielberg nos muestra uno de sus mejores trabajos narrativos y espectáculos que he visto en mucho tiempo. Aunque ya es sabido el dominio del cineasta para crear espectáculos y climas de suspense, en Munich alcanza su punto. Evocando precisamente a éstos thrillers setenteros como 21 horas en Munich o Domingo Negro Spielberg teje este thriller político de ambientes internacionales a través de secuencias de suspense que impactan por su excelente planificación, y por además, contener un guiño a Hitchock una de ellas, para los más cinéfilos.

Además esta el talento narrativo de Spielberg, que demuestra lo muy mediocres que son Michael Bay, Emmerich, o Sommers, y lo muy falto de contención que esta Peter Jackson como tan temparanamente se ose destronar a este Rey Midas que alcanzado una madurez como cineasta inmejorable. El arranque de la película es impresionante. La narración contada entrelazando la reacción mediática ante el atentado, y combinando varios puntos de vista, demuestra hacia que cauces va a transcurrir el film, y como Spielberg va a evitar caer en el maniqueísmo fácil, y va a demostrar que no todo es tan sencillo.

Con la complicidad habitual de Janus Kaminski, excelente director de fotografía, que de nuevo proporciona unos acres grises en la imagen y unos estupendos contrastes, creando un cromatismo grisáceo y semi-documental muy agradecido, creando así la atmosfera oscura que planea sobre todo el film. También ayuda y mucho, la nuevamente sobrecogedora banda sonora de John Williams que hace una partitura harmónica, y realmente conmovedora.

Además esta el plantel de actores que está muy bien coordinado por Spielberg. Por un lado está Eric Bana tan impresionante como nos tiene acostumbrados encarnando a un héroe honesto que inicia una misión que se revela en una dolorosa toma de conciencia, y Daniel Craig, Ciaran Hinds, Matthieu Kassovitz o Geoffrey Rush bordando con total credibilidad y sin ningun exceso de sobreactuación o carictaturización cada uno de sus personajes.

Éstos personajes y su reacción entorno a la misión es un elemento que Spielberg no deja escapar. Mientras que todo el film es toda la toma de conciencia de Avner, las posiciones son dispares. Mientras que Robert, y los demás se cuestionan el verdadero valor moral de ésta misión, Steven es el único que se mantiene duro, y que es capaz de llevarla a cabo sin ningún tipo de escrúpulos, creyendo que su causa lo merece.

Porqué Avner descubrirá que esa patria a la que regresar no existe. No existe porque todo, como decía Groucho Marx, es cuestión de dinero y negocios. Y toda esa misión que parecía justa, termina siendo una masacre excesiva, en la que solo se derrama sangre, y se añaden más víctimas, que no salvan a las otras víctimas. Porque la venganza no es justicia, y la venganza nunca se termina, siempre hay alguien mas al que matar. El fin nunca va a justificar los medios, sea del bando que sea.


Y es que la imagen final del film es excelente y resume toda la peripecia existencial vivida por su protagonista. Avner es ahora un hombre sin patria. Porque su patria, para la que se ha convertido en un terrorista, en un vengador, en un asesino, niega "la misión" y su existencia. Porque todo es cuestión de dinero, y solo queda un hombre sólo. Porque Avner ha matado a la víctima más peligrosa. Su moral, y su conciencia le va a hacer llevar encima, el peso de la venganza y no habrá mas que sangre en sus manos. Y en sus ojos yace esa intrasigencia y ese odio que tanto daño han hecho y seguirán haciendo en otros ojos, de otras gentes. Avner una víctima más del hipócrita poder de la avaricia y el dinero, un hombre que ha aprendido con suma facilidad a odiar, a matar que a estar con su esposa y con su recien nacido hijo, y ahora jamás podrá enmendar esos errores, porque nada más arduo para el humano que aprender a amar.

Bravo Spielberg.

Puntuación.: 10.

LA VENGANZA DE MUNICH

Es uno de los estrenos que espero con más ansia. Si la nieve no lo impide, este sábado podré ver el último trabajo de Spielberg, que tiene una pinta inmejorable. Es realmente uno de los estrenos punteros del año. Munich ya a causado polémica en USA, país donde venganza es sinónimo de justicia. Y en Israel donde dicen que "no fue así" (como es obvio). Y en Palestina donde dice que se favorece a Israel. Vamos, que Spielberg ha dejado descontentos a todos, símbolo de objetividad, pero la crítica (el gran y muy influyente crítico norteamericano Roger Ebert) la ha puesto por las nubes. Léanlo aqui. Pero el tema tiene un fondo más complejo a simple vista.

Más en escolar.net.

Actualización 1
Viernes 27- 18:51

En el imprescindible blog de Ignacio Escolar, nos proporcionan más datos sobre la venganza del Munich 72, aquí lo tienen.
Si quieren echar un vistazo general al recibimiento crítico del film en ámbitos norteamericanos y españoles, lo tienen en FilmAffinity.
Tienen, pero con spoilers, una critica de Steven Isaac traducida por Rudy Kish, cortesía de Plugged In.

Actualización 2

Viernes 27 - 20:39

Ya tenemos disponible online la crítica del excelente Mirito Torreiro, crítico de Fotogramas. Disponible vía El País digital.

Y también tenemos la del no menos admirado Jordi Costa, disponible en El Mundo. Que viene complementada con las 6 claves de la película y una entrevista a Eric Bana.

Actualización 3

Sábado 28 - 15:04

Más críticas de Munich, ahora es el turno de Maria José S. Mayo desde El Confidencial.

Actualización 4

Domingo 29 -12:49

Ya tenemos la crítica de Lluís Bonet Mójica, otro de los referentes de la crítica cinematográfica española, disponible en La Vanguardia.

También la de Sergi Sánchez en Fotogramas.

THE DOORS: "Riders on the storm"

The Doors: La Leyenda.
(The Doors, 1991).
D.: Oliver Stone.
G.: Randall Johnson y Oliver Stone basado en el libro Riders on the storm de John Densmore.
I.: Val Kilmer, Meg Ryan, Kyle MacLachlan, Kathleen Quinlan, Kevin Dillon, Frank Whaley, Kristina Foulton, Billy Idol, Michael Wincott, Michael Madsen, John Evans, Dennis Burkley.
Duración.: 134 minutos. Color.


Riders on the storm
Into this house we’re born
Into this world we’re thrown
Like a dog without a bone

Con The Doors Oliver Stone inicia una senda estética que después hiperbolizó con Asesinos Natos y pulió con el neo noir, Giro al infierno, pero aunque entronca más en todos los sentidos con su trabajo posterior, sigue además su afán por reconstruir la historia moderna de su país. Aquí reconstruye uno de los mitos por excelencia de la historia del rock.: la vida de Jim Morrison, ligada a su grupo, The Doors, uno de los mayores revolucionarios, adelantados a su tiempo, y símbolos del movimiento hippie de finales de los sesenta. Además su aportación musical fue grandiosa, siendo el único grupo que en 1970 era capaz de competir con los Beatles y los Rolling Stones, en los primeros puestos. Pero la prematura muerte de Morrison (todo un ejemplo de moderna vida de rockero-poeta de destino inequívocamente autodestrcutivo) truncó todo éste ascenso que parecía imparable.

La película hace una reconstrucción muy personal de la vida de los Doors, y lo que pretende Oliver Stone es dar una visión tremendamente personal acerca de la concepción del mito, y lo que supuso para él. De nuevo, como en su film posterior, hace suo de la estética como si fuese uno de los personajes. Lo que quiere describirnos Stone es que Jim Morrison fue un símbolo del exceso, y su mensaje era que no marcasemos límites. Así entendemos mejor toda la puesta en escena experimental del film, que lo convierte en un torrente de imagénes y sonidos un tanto rocambolescos, que se centran mas en describir el mensaje y comprensión del mito de Morrison, que en realmente narrar una historia. La excusa narrativa es narrar la vida de Morrison principalmente de 1965 hasta 1971, fecha en la que suicidó en Paris, donde reposa en su tumba en el cementerio Pére Lachaise.

El problema es que si en Asesinos Natos Stone nos deslumbra por su carácter directamente transgresor y por momentos inteligente, The Doors se aprecia tambien como otro experimento visual-sonoro pero queda un sabor de boca muchísimo mas rocambolesco en el espectador, y aunque tiene momentos realmente geniales y memorables (como las visiones del desierto o el encuentro con Andy Warhol) el resultado final es tan excesivo que el propio espectador termina tan "mareado" y "colocado" como le debió estar Morrison.

Muchos de los críticos han estado disgustados porque solo muestra el lado drogadicto de Morrison, cuando éste también era un poeta, ya en sus inicios. Yo creo que Stone no obvia este aspecto, y que su film no es una traducción literal de lo que se entiende por biopic al uso, y lo que pretende realizar es un film tremendamente subjetivo de unos hechos, aunque haciendo eso sí especial hincapié en la personalidad de Morrison. No creo que le interese mostrar todo el rato a un Morrison bajo efectos de drogas y demás porqué si, lo hace para mostrar su obsesión con los excesos, su vida al límite, y así fue efectivamente.

Muestra su vena poética, su interés por el cine en la UCLA, su vena artística perfectamente, aunque se subraye lo otro, no obvia que Morrison experimentó con todo, y que fue precisamente eso lo que le mató. El resto de la banda quedan retratados tambien muy bien, y a lo largo del film se va contrastando la personalidad algo mas racional y comprometida de Ray Manzarek con el exceso desbocado al que decidió abocarse su compañero.

Las interpretaciones sorprenden muy gratamente, siendo las más destacadas las de un sorprendente Val Kilmer que encarna a la perfección a Morrison, Meg Ryan que encarna a la fuese su amante Pamela Courson, y Kyle MacLachlan que encarna tambien con total identificación a Ray Manzarek. El resto de secundarios también siguen a la altura, aunque el film se resuma practicamente en estos tres personajes redecorados con secundarios que van adquiriendo mayor (el personaje de Michael Madsen) o menor importancia (el batería John Densmore). Para los curiosos tenemos un cameo de Oliver Stone ejerciendo de profesor en la UCLA, en un guiño muy cómplice.

En resumen un recomendable experimento, con un fondo musical, como es obvio maravilloso. Suenan todas las piezas mas míticas del grupo, como L.A. Woman, Break on through, People are strange, Light My Fire, Hello I Love you, Roadhouse Blues, when the music is over algunas de ellas interpretadas con gran eficacia por Val Kilmer.


En resumen un film muy interesante pero marcado por ciertos excesos y pecados (como ese epílogo final en el cementerio), pero que es muy recomendable para pasar un par de horas tan al límite como las vivió Jim Morrison y alejarse un tanto de los convencionalismos del biopic.

Puntuación. 8.

UN MUESTRARIO DE BOBADAS VARIAS

Como todo ser humano, uno en un momento dado dice estupideces. La capacidad del ser humano, que nos distingue de los animales, es esa capacidad llamada de razonamiento, que al observar la situación mundial, cada día me cuestiono más y más. Parece que ahora este de moda, el "borreguismo" generalizado, que consiste en lucir el orgullo de tener una opinión a piñón fijo. Cual animal vaya. Esto de poderla demostrar, de razonar, de reflexionar, de relativizar, de comparar....

El caso es que en nuestro muestrario de bobadas las hay de mayores y menores. La bobada más clásica es la de la confusión. Mezclando cosas que no tienen nada que ver, obtendremos nuestros resultados. Así se lo han propuesto, variopintos partidos, a fin de juntar ajos con zanahorias, quizas el resultado que obtengan sea el de la más grandiosa de las confusiones, y por lo tanto, creencia. O fe. Y en eso, poco de razonamiento hay.

Uno de los cineastas cuya actitud reza más boba, es Ron Howard. Digo su actitud en términos de filmografía, pues no tengo el honor de conocer a este tipo. Lo llamo bobo, en el sentido mas literal. Hasta puede resultar entrañable. El problema es que el hombre sigue infravalorandóse. Y claro, repasando su filmografía veo cierto cacao ideológico ( o oportunismo, si siplificamos). El otro día vi Rescate una película de ideologia fascistoide, en el sentido mas americano claro, con el individuo estando por encima de todos, relectura peligrosamente manipuladora, encima con un millonario madeself man que encarna otro de la quinta, Mel Gibson. El problema es que uno ve su Cinderella Man, alegato pro-obrero bienintencionado, y empieza a dudar que hace este cineasta. Lo que está claro es que busca trascendencia, Oscars, prestigio, recibimientos y aplausos. Y de nuevo, ha fracasado, porque en los globos de oro, se han perfilado las películas oscarizables de este año, y Ron Howard (el actor infantil crecido, tal y como lo satirizan en los simpson) se ha quedado él y su busqueda de trascendencia ahí en la estacada.


Este año, a simple vista, puede ser muy interesante en los Oscar. Claro que están ahí, películas como I walk the line biopic de Johnny Cash, diseñado para el (casi seguro) lucimiento del (por otra parte excelente) Joaquin Phoenix. Pero además, tenemos un western de temática homosexual, Brokeback Mountain de Ang Lee, una película sobre el racismo Crash de Paul Haggis, y al grandísimo Spielberg en su visión del conflict entre Israel y Palestina con Munich. Es decir, abunda el compromiso. Y aunque las nominaciones aún no se han dado, ya tenemos una buena idea de por donde pueden ir este año las preciadas estatuillas, con los resultados de éstos globos de oro, que destacan por la arrebatadora Scarlett mírame a los ojos Johansson (seguro que muchos de vosotros ya han hecho el chiste fácil, metafórico), mas que por los resultados. La gala se resume en dos films, I walk the line y Brokeback Mountain. En el apartado actoral, abunda el premio al biopic, con premios para Cash/Joaquin Phoenix, la esposa del hombre de negro June/Reese Whithepersoon, el Capote encarnado por el siempre excelente Philip Seymour Hoffman, y dos sorpresas gratas en actores de reparto, la Rachel Weisz de El jardinero fiel (que veré en breve, y la reseñaré lo antes posible) el George Clooney de Syriana. También hubo premio para Felicity Huffman por Transamerica la película indie mas aclamada del año, sobre las extrañas peripecias de un transexual, que encarna la premiada. Y en película extranjera la palestina Paradise Now , otro ejemplo de que este año, si los dos consabidos biopics no lo impiden, va a ser un año de compromiso en Hollywood, aunque tampoco le haría ascos a un premio a la excelente Match Point el mejor Allen en años.

Crash es uno de esos films que uno tiene muchas ganas de ver, pero que visto su trailer huele al efecto "impacto súbito" que le llamo, aún así tengo bastantes esperanzas puestas en él, teniendo en cuenta quien es Paul Haggis. Es un poco lo que ocurre, con una película que en inicio, me impactó, 21 gramos. Es tal su cantidad de situaciones desbalazadas que el film termina desbordado porque pierde la noción de si mismo. Como su estructura desordenada, termina resultando todo algo forzado. Y el efecto de la cámara, el juego cromático, los actores excelentes, caen bajo el peso de este importante lastre, pero aún así mantengo que es un film interesantísimo.

Pero aún así, tiene valor de hablar del racismo, una de las lacras derivadas de la gran lacra humana, la llamada intrasigencia, o intolerancia. De racismo (también) va hablarnos Munich aunque sea en pasiva, el conflicto territorial judeo-palestino tiene sus ecos raciales (en realidad religiosos). Viendo el tráiler intuyo a un Spielberg cargado de sabiduria, y maestria.

El problema de muchas sociedades (como Irán, republica de curas) es esa intransigencia. Hoy he oído, una de esas bobadas, que dejarían de serlo, al ser rectificadas al tiempo justo. El problema es que hay personas, cual animalitos, incapaces de recapacitar que se mueven por esos postulados. Y los intolerantes, aquellos que tienen rabia en su interior, cada día ganan mas adeptos. Ya podrían montar una asociación de accionistas, que miembros no faltarían. Yo creo que en la bolsa de Wall Street podrían hasta llevarse enteros.

Lo más gracioso de todo, es que el racismo, es una de las acepciones que contiene el populismo. Como populismo, entiendo esas ideologias populares, esas tonterías que se fraguan en los dimes y diretes, esos pensamientos fruto de la ignorancia. Y efectivamente, la gran mayoría de los racistas, son sagrados ignorantes de aquellos que odian. Lo peor, es que lo ven lógico, porque consideran que otros piensan igual. Lo dicho, populismo. Y del barato. Lo peor del racismo es toda la lacra de muertes que ha conllevado en el mundo. Si aprobamos la muerte, sea de quien sea, ya solo nos queda juzgar a los culpables. Señores, en la era de la comunicación , del tráfico de ideas, ¿por qué involuciamos? ¿Por qué Le Pen gana mas adeptos con su populismo para tontos?

Ya en la crítica de Crash, un film que puede gustar más o menos (mucho me temo de su pretenciosidad), pero que merece un toque de atención por su necesidad, David Broc cita con acierto a Haruki Murakami, uno de los narradores que más admiro, magnífico escritor japonés, todo un sabio conocedor del mundo en que vive (vivimos) y nos relacionamos. Y él lo define así , como un sitio en que todos vivimos presionándonos los unos a los otros.

COTTON CLUB.: ¡Crazy Rhytm!

Cotton Club
(The Cotton Club, 1984)
D.: Francis Ford Coppola.
G.: William Kennedy, Francis Ford Coppola y Mario Puzo.
I.: Richard Gere, Diane Lane, Gregory Hines, James Remar, Lonette McKee, Nicolas Cage, Allen Garfield, Fred Gwynne, Bob Hoskins, Tom Waits, Laurence Fishburne, Marvin Hines.
Duración.: 124 minutos.


Coppola aceptó un encargo que no parecía serlo, auspiciado por el productor Robert Evans, Sylvio Tabet y el habitual suyo Fred Roos. Contando con William Kennedy, y la obvia (y fina) mano del "conseglieri" Mario Puzo, Coppola lo bordó. Demostró que él, seguía siendo uno de los más grandes cineastas, dotado de un talento imaprable, y que el fracaso de Corazonada no había logrado apaciguar. Y es que La ley de la calle es tambien otro film muy notable.

Aunque para mí reposa en este film la mas sabia de las perfecciones, como bien han dicho en otros blogs con reseña reciente, como el imprescindible Cine con Jazz. Efectivamente, Cotton Club es un film que no encuentra pegas para el que suscribe, y que siempre se ha sentido realmente fascinado por toda la mitología de la época que revive a la perfección, sin caer en relecturas falaces.

Primero quiero señalar lo que para mí es la verdadera noción del palabro del que hacemos demasiado uso al ver las supreproducciones. "Espectacular". Habitualmente esto se asocia a la exhibición de efectos visuales, y así tenemos una pequeña virtud del film. "Es espectacular". Realmente procuro acuñarlo, cuando la espectacularidad trasciende mas allá. Si bien lo suelo pronunciar al ver una perfecta puesta en escena harmónica con los otros elementos técnicos del film (música, vestuario, efectos) pues es fácil decirlo. Pero es que si además la historia, la narración y exposición, van concordes, puedo decirles que este es uno de los films mas espectaculares que he visto. Y no resulta aparotoso. Muestra un dominio que no deja lugar a ninguna duda.

Además este el elemento personal que me hace conectar inmediatamente con el film. Primero como amante del noir más gangsteril. Segundo como Coppolófilo de pro (pero que admite su decadencia años 90). Y sobretodo como amante del jazz. Esta película es casi un regalo para un aprendiz de mitómano como yo. El Cotton Club es uno de los lugares mas fascinantes que existieron en el mundo, basicamente porque los gangsters lo usaron como tapadera de sus consabidos y oscuros trapicheos, pero además actuaron de mecenas de los más grandes músicos de jazz. Por lo tanto con este "telón de fondo" tan musical, y está historia tan apasionante, he caído rendido ante el film.

El film recrea también otra serie de situaciones y ambientes por las que siento especial debilidad. El protagonista es Dixie Dwyer, pero es muy fácil adivinar que se trata de un trasunto de Bix Beiderbecke el gran trompetista blanco (jazz me blues), que arranca cuando le salva la vida a Duch Schulz, este le convierte en su protegido, pero además en su subordinado. Paralelamente se retrata todo el ambiente del garito por el que se van a mover todos los personajes, esto es el mítico club de algodón, donde hasta los ecos llevan el sello de Duke Ellington (que hace un agradecido cameo en la película, y es que a finales de los 20 era el anfitrión afroamericano de todas las orquestras jazzísticas), y podemos gozar de sus mas significativas canciones. Allí, entre bastidores, se narra la rivalidad de Sandman Williams que sueña con ser una estrella, y su hermano de intenciones mas modestas. Parlalelamente, Dixie, inicia una relación prohibida con Vera Cicerone, la cantante que además es la "chica" del jefe, y el hermano de Dixie, empieza a hacer "trabajos" para Duch. En una encrucijada vital, Dixie conoce al dueño del legendario Cotton Club, otro importante jefe Owney Madden asociado con Frenchy.

Y así estas historias confluyen gracias a la mano prodigiosa de Coppola, el narrador mas vigoroso y dotado que ha dado el cine, además un excelente director con un gran talento para crear secuencia realmente memorables, y que como en su saga de los Corleone, demuestra lo bien que sabe aprovechar aquellos recursos que tan bien domina. Está claro que esta ocasión era presta, para que Coppola nos demostrara lo bien que se le da el montaje paralelo, de música - secuencia, al estilo operístico, y es que encima, esta mezcla de números musicales con historias gangsteriles no deja de ser una idea muy inteligente, de la que Coppola saca todo el partido posible.

Primero porque ofrece un retrato de la comunidad afroamericana de Harlem en los tiempos del club de algodon y toda la consabida represión y agresiones raciales, después además de una reconstrucción de un sitio único lo adereza con esta historia gangsteril que es para él una genesis de la sociedad americana. una reiteración del mensaje ya apuntado en su saga gangsteril mas conocida también pero que sin embargo aquí tampoco desentona en demasia.

Tambien esta como mérito el juego tan inteligente que hace Coppola, entre los tres conceptos sobre los cuales creo que se articula la cinta. El cine, el jazz y los gángsters. Entrelaciona éste trio de una forma estupenda, ya veran porqué.

Después esta la serie de fabulosos guiños que hace en su reconstrucción Coppola, en la que combina lecturas inteligentes de la historia de norteamerica, pero sin obviar esos instantes de mitomanía de los que he hablado al principio. Y es que en el film vamos a encontrar estos guiños, principalmente convertidos en cameos. Pero que cameos. Duke Ellington, y claro que sí , Cab Calloway cantando The Mooche van a dar la nota en el escenario (nunca mejor dicho). Y como espectadores nos vamos a encontrar a Charles Chaplin, Gloria Swanson, James Cagney, estrellas asiduas de la época, codo con codo con gente tan "recomendable " como Schulz (uno de los protagonistas) o Lucky Luciano.

El reparto también esta realmente eficaz, y ajustado en sus papeles. Richard Gere consigue transmitir bien su papel, Diane Lane esta realmente sexy, y Bob Hoskins demuestra de nuevo su excelente labor. Gregory Hines nos brinda una correctísima interpretación, que como bailarín que era, adereza con unos números de claqué alucinantes. Los secundarios estan rebosantes de efectividad tambien. Un terrorífico James Remar, unos Nicolas Cage y Laurence Fishburne en sus inicios, o el habitual del director, Tom Waits.

Después esta es obvio, la deliciosa banda sonora. Crazy Rhytm, Mood indigo, Am I blue, ... aderezadas además con una muy adecuada composición de John Barry de similares tonos no desmerece la excelente selección de canciones.


En defintiva una cinta por la que siento un cariño irredento, ya sea por esas líneas de guión como "Sólo puedo hacer dos cosas en este mundo Sandman, morir o seguir siendo negro" o "Toca como el puto King Oliver" (refiriendóse al blanco Dixie) que me despiertan una sonrisa cómplice y deletadora. Pero al margne de eso una excelente cinta, con un ritmo fabuloso, y una dirección, si, realmente espectacular y arrolladora (que hace un uso artístico de su muy cuidada factura técnica).

Puntuación.: 9.

SUNSET BOULEVARD (y II) CON K DE KEVIN

SUNSET BOULEVARD

En un día tan deprimente, con la rutina justo preparada para acechar os dejo (cortesía de Lebowski y Forfy) un video de Kevin Smith hablando de su participación en el Superman Reborn aquel proyecto cancelado de los años 90. Una sucesión de risas desternillantes. Menudo showman esta hecho este hombre. A ver si de paso, vuelve a ser el prometedor director tempranamente desinflado.

EL PRECIO DEL PODER: The world is yours

El Precio del Poder.
(Scarface, 1983)
D.: Brian de Palma.
G.: Oliver Stone.
I.: Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastarantonio, Robert Loggia, F. Murray Abraham, Miriam Colon, Harris Yulin, Paul Shenar.
Duración.: 164 minutos.


-CON SPOILERS -
Parece en un principio un tanto arriesgado hacer un remake de un clásico como el de Howard Hawks, que escribió alguien como Ben Hecht. Bien pues a ambos va dedicada esta gran cinta. El productor Martin Bergman, responsable de joyas como El Padrino (la saga) decidió revisitarlo, y pensó en el que entonces era un interesante guionista de Hollywood, como Oliver Stone que había confeccionado el guión de El expreso de Medianoche, para escribir la cinta. Stone decidió darle un tono que realmente es mas interesante. Como los tiempos de la ley seca ya eran caducos, y la intención no era abordar ningún acercamiento de pretensiones retro, Stone la adaptó a los tiempso modernos, y la situó en la cresta de la ola, en pleno 1980 cuando Fidel Castro "permitió" embarcar a 125.000 personas hacia Estados Unidos. La realidad era que 25.000 de ellas eran presidiarios.

Así pues, el film arranca con uno de estos presos, Tony Montana, llegando a Miami junto a su amigo Manny Rivera. Tony en seguida vislumbra el fácil ascenso, y se dedica a trabajar para Frank López un importante traficante de cocaína en la ciudad, aunque pronto la ambición le puede, y se independiza para montar su propio imperio. Stone ambienta toda la acción en Miami, un perfecto infierno moderno, que posteriormente retrataría de nuevo, y con Al Pacino, aunque centrada en la hipocresía que rodea al mundo deportivo, con Un domingo cualquiera.

Ésta historia se presenta como la clásica visión del sueño americano, es decir, un período de jugoso esplendor, y una caída en picado tan vertiginosa como la rapidez del ascenso. A partir de esta visión del sueño americano como efímero Stone teje un guión ultraviolenta, frenético y logradísimo que no obstante fue rechazado por Sidney Lumet, y el encargado del asunto fue Brian De Palma. Mientras que Lumet se decantaba por una visión mas consonántica con su cinematografía, es decir más política, De Palma se adapta perfectamente al guión pergeñado por Stone y consigue imprimirle una vigorosa narrativa, haciendo que en su largo metraje el film nunca decaiga y permita un retrato psicológico perfecto de su protagonista.

El film de temática gangsteril tiene la habilidad de tener múlitples lecturas, tanto políticas como psicológicas y además hay un magnífico clímax final dignísimo de un inspirado De Palma, que francamente aunque se le tilde de "dirigir un encargo" lo hace sin olvidar los rasgos de su cine. El principal problema que sufre Brian De Palma, es que se le tilda enseguida de hitchockiano como una etiqueta para remarcar sus limitaciones cinematográficas, casi obviando que muchos de sus otros films (denominados encargos) casi no tengan revelancia por ser eso encargos. En el caso de Spielberg, sin la mágica sombra de Hitchcock no estarían ahí El diablo sobre ruedas y Tiburón, y hay muchas secuencias del maestro Steven que no serían pergeñadas sin la labor que hizo Hitch sobre la concepción de las secuencias del suspense. Así pues, De Palma se enfrenta a este "encargo " como cualquier proyecto personal, y este Scarface poco tiene que ver con cosas como Mision a Marte por citar otro "encargo", aunque en el caso del periplo marciano la desgana supera a la película.

Es evidente que De Palma trabaja para Martin Bergman, pero no pierde ninguno de sus rasgos, y se centra en una puesta en escena del guión de Stone, que se dedica a visualizar todo el meollo central del film, que es reflejar el entorno de excesos, corrupción y amoralidad que rodeaba a Miami, de una forma sobrecargada y exagerada, barroca y realmente conseguida.

A partir de aquí el final del film tiene cosas realmente interesantes que hacen que sea algo mas que la "avaricia devoró a Montana" . De hecho es así, pero el guión se dedica a destacar que en el mundo de la Mafia no puede haber ningun tipo de codigo de honor que no se ciña a la corrupción y a la falta de escrúpulos. Montana cae en picado, primero porque es atrapado por la policía pero cuenta con una solución y es hacer un favor a Alejandro Sosa, que consiste en asesinar a un periodista, pero debido a que junto a éste vayan su esposa e hijos, Tony no comete el "encargo" y entonces, su declive es inevitable. No puede haber codigos con cierta moralidad, o eso se desprende del film.

La lectura política es también bastante sugerente. Desencantado por completo del sistema comunista, Montana llega a USA con ganas de adaptarse a la presunta libertad que ofrece el capitalismo, y a sacar beneficio propio. Una vez esta en la cúspide descubre el desencanto, y ahí es donde el relato psicológico y político se cruzan. El desencanto de Montana es descubrir que todo el poder está corrupto, y que los "criminalizados" por la sociedad son además protegidos de la clase política y las clases altas. La secuencia del restaurante, es muy significativa en ello.

A partir de ahí entramos en el tramo final, donde De Palma da rienda suelta a un barroco apocalipsis que ha ido creando en toda la cinta. Tony mata, ya sea en activa o pasiva, a todos aquellos por los que su amor era recíproco, Manny y su hermana Gina. Es magnífica la escena en que De Palma desbocado sugiere el incesto en la protección paternal, viendo a Gina haciendo insinuaciones a Tony, en un clímax final que destaca por lo excesivo que es.

La secuencia de Tony cuando se enfrenta a los esbirros de Sosa, con sus excesos, y con Montana convertido en una especie de diablo inmortal ya ha pasado a los anales del cine, por la brillantez con la que está rodada, y además porque la secuencia de la célebre batalla de Kill Bill Vol. 1 tiene a alguien más aparte de Seijun Suzuki y el manga que le influencie, y es este apoteósico final.

Los actores están perfectos, ya que los secundarios son todos excelentes (Pfeiffer, Loggia, Bauer) y todos están supeditados a un genial Al Pacino que le imprime ese aire macarra que hacen de Tony Montana uno de los antihéroes mas célebres del cine.


Esta es una cinta realmente interesante y que mantiene un notable nivel en todo su metraje, y que merece ser recuperada, ya sea para los mitómanos amantes del GTA Vice City para entender cual es el juego cinéfilo que propone este juego en su línea argumental y en muchos de los personajes, gestos, como para cualquier amante de las epopeyas gangsteriles. Una gozada. Eso sí, les recomiendo ver el film en versión original subtitulada ya que nos perdemos como en muchas otras películas, el 50% del trabajo actoral, pero además, es que Al Pacino realiza un acento cubano memorable que merece ser disfrutado.

NAPOLEON DYNAMITE: ¡Vote for Pedro!

Napoleon Dynamite.
(Napoleon Dynamite, 2004).
D.: Jarod Hess.
G.: Jarod Hess y Jerusha Hess.
I.: Jon Hedder, Jon Gries, Aaron Ruell, Efren Ramirez, Diedrich Bader, Tina Majorino, Sandy Martin, Haylie Duff, Trevor Snarr, Shondrella Avery.
Duración.: 86 minutos. Color.


Su nombre es Napoleon Dynamite. Su animal favorito es el Ligre ( una mezcla entre el tigre y el animal). Cuando su vida le pone en evidencia su triste existencia, él.... ¡sale corriendo! Si amigos míos, para inaugurar este año, he escogido la que es una de las mejores películas del 2005... y la verdad me he encontrado con un film de culto.

Napoleon Dynamite se mueve entre los suburbios de Todd Solondz y los de Wes Anderson, con un toque del cine de Harmony Korine, y es la película freak por excelencia, que se convierte en una comedia adolescente protagonizada por un perdedor pero que se sitúa en las antípodas de todo lo rodado, y le da la vuelta al clásico género con su trasfondo triste, y con esas vidas patéticas que retrata.

Gracias a esos toques de humor podemos entender al clásico marginado de gesto torcido, que en nuestro peculiar antihéroe se convierte en un pobre muchacho, que a pesar de sus peculiaridades ( yo diría genialidades) quiere vivir en paz y con una chica a la que ame. Lo que ocurre es que es poco locuaz con sus sentimientos. Y el clima familiar no es el deseado. La trama se inicia cuando su abuela tiene un accidente inesperado, y su tío Rico un hombre anclado en 1982 se hace cargo de él y de su hermano, un tipo de 31 años que se pasa el dia chateando con su novia vía internet. Así que las excentricidades de Napoleon cobran todo el sentido con este fondo que realmente retrata a la perfección el sueño americano, que perfectamente personifica Rex, un peculiar saco de musculos adicto a los esteroides, que dice que ha inventado el Rex-Kwon-Do.

El film es una sucesión de gags, y la narracion discurre tranquila, y está llenísima de hallazgos, de chistes geniales, y de líneas de humor inolvidables. O la escena del baile de Napoleon, que se ha convertido en una antología absoluta debido a su comicidad. O cuando Napoleon prueba la máquina del tiempo que han comprado vía internet.

Jarod Hess se ha convertido en uno de los directores mas interesantes del panorama actual, y realiza un gran trabajo aprovechando siempre los planos fijos. El guión que escribe junto a Jerusha Hess no se queda atrás, mostando un retrato muy crítico con la sociedad opresiva e intolerante que muestra, pero presenta mucho más tacto con su catálogo de fracasados. Jon Hedder en todo un actor de culto, ya que el papel protagonista lo borda, a pesar de no mover mucho su cara durante todo el metraje, consigue estar espléndido. El resto del reparto no se queda atrás, estan geniales personificando a los espectros mas freaks de USA, y por lo tanto, el lado más cotidiano, más humano del american way of life alejado de estereotipos.


Aunque el final es bueno, no es precisamente un happy ending, y va concordando todo ese espíritu de humor absurdo que cubre la tristeza de unas vidas de unos inadaptados sociales. Aunque el film solo sea un entretenimiento no se le puede negar la innegable originalidad que propone. Una comedia anticlimática y arrítmica para muchos, con un ritmo reposado pero no aburrido, de esas que causan animadversion a partes iguales. Una joyita de culto llena de pequeños detalles que la hacen muy grande (Esas posturas emulando a los caballeros del Zodiaco) y la convierten en la gran película freak americana, o el gran festival de la cinefagia.

Puntuación.: 8,5.

HAPPY NEW YEAR Y TAL

Beban, deconstruyánse, sean irreverentes, pero no se pasen, preparen una buena resaca aunque sea ficticia, reserven el noventa por ciento de propósitos de trasfondo existencial para otro año sino se ven con coraje.....
Les deseo un feliz 2006, a regañadientes, a pesar de todo....

TIEMPO DE RECUENTO...... : " El mejor cine estrenado en 2005"

Es ya 30 de diciembre, y un fenómeno habitual en estos lares (por los que navego) de la blogosfera es hacer nuestras listas de lo mejor del año. En materia cinemática me he propuesto hacer dos listas. Lo mejor estrenado en 2005. Y lo mejor que he visto este año al margen de su año de estreno. Así de paso podremos comprobar cual es la calidad cinematografica del año. En fin, vayamos a la susodicha lista del mejor cine (totalmente subjetiva como todos sabemos) que se ha visto este año. Pero antes hago unas matizaciones, unas mea culpa que quizás me conviertan en desalmado.
No he visto Kiss Kiss Bang Bang; Serenity; Tu, y yo y todos los demás ; El Jardinero Fiel ; La novia cadáver; Napoleon Dynamite (pero la veré muy pronto), Eros; Caché, ( y alguna más que se me escapa), así que no les extrañe que vaya actualizando esta lista hasta lograr la definitiva, (y volverla a publicar). Ah y ni el delirio chocolatero de Burton ni Peter Jackson van a aparecer. Avisados quedan....



1- Match Point (Woody Allen).
Sólo con mencionar los nombres de Woody Allen y Scarlett Johansson mis ganas de verlas superaban a cualquier propuesta. Rodada en Londres. Cambio de registro. Y una vez vista, que película señores. Una de las mejores películas de Woody Allen, (además) la película del año. Con un guión prodigioso y ecos a Highsmit, a Hitchock y a Un lugar en el sol, el neoyorquino dirige actores británicos como el más londinense ( y que bien los aprovecha) y teje un thriller de falsas apariencias y lo azoroso de nuestras vidas. ¿Sólo eso? Scarlett Johansson tan sensual y prodigiosa como siempre, Jonathan Rhys-Meyers, impagable. Y una última media hora donde nuestro neurótico de Manhattan maneja al especador cual títere, para terminar llevandóse el partido. André Agassi al lado de Allen, un novato. Un film impregnado de una madurez y una inteligencia únicas. Un film redondo, irrepetible, y magnífico. Por todos los lados.



2- Life Aquatic (Wes Anderson)
Bill Murray encarna con un pie en en un anacrónico (parafreseando al mostrenco) Capitan Haddock y el otro en Jacques Costeau a Steve Zissou, la última criatura del genial Wes Anderson. El film más original del año (déjense de Burton y de historias, ¿quieren originalidad y mundos personales? superen esta maravilla....) y el más único y personal. Manuel Yáñez, y otros ya olieron lo que se cuece aquí dentro. Una obra teatral de Max Fischer. Esa magnífica secuencia donde se recorre el barco como si fuera un decorado teatral. Y esas coñas sobre los delfines, impagables. Díficil escoger algo, aunque todos hemos caído bajo el embrujo de las versiones en portugués de David Bowie que canta Seu Jorge, y el encuentro con el tiburón espada, donde éste peculiar Achab redime su destino. Una gozada.




3- Sin City (Frank Miller & Robert Rodríguez)
Sexy, atrevida, innovadora, veloz, adrenalítica, experimental, sugerente, violenta, atroz, oscura, siniestra. Lo que para muchos amantes de la (grandísima) obra de Frank Miller nos parecía poco menos que un sacrilegio, Robert Rodriguez transmuta lenguajes, y convierte viñeta por viñeta, el primer film-cómic. Encima tenemos a Jessica Alba, Britanny Murphy, Rosario Dawson, Jamie King, Alexis Bledel...... Y también a unos pletóricos Bruce Willis, Mickey Rourke, y Clive Owen (que no hace sombra a estos titanes no obstante). Y a cult actors como Elijah Wood, Rutger Hauer, Nick Stahl. ¿Qué mas queremos? Serie negra hiperbólica, tipos duros, mujeres fatales en un film maravillosamente único, que lejos de ser una apología de la violencia como hablan los cuatro progres (en el fondo retrógrados) habla de como el amor esta por encima de todas las cosas. Hartigan, Marv, y Dwight actuan por un altruismo muy claro.: el amor. Y lo hacen en un mundo corrupto y sin esperanza. Puro romanticismo. Una experiencia que merece vivirse. Quien se la haya perdido, pecado capital.



4- Million Dollar Baby (Clint Eastwood)
No es que no merezca estar entre las 3 primeras (podría decirse que esta ex aequo en el segundo, el primero o el tercer lugar), porque estamos ante un verdadero clásico del cine. Y una historia de amor puro, sin coartadas cursis, ni parejas imposibles. Eastwood, (el viejo zorro) encadena tras Mystic River otro peliculón. Esta vez utiliza como forma de la historia el boxeo, aunque lo que nos dice el crepsucular vaquero, es que son los golpes que recibimos en la vida, las heridas profundas, las que calan mas hondo. Morgan Freeman es testimonio de esta historia de almas tristes que son Hilary Swank y el propio Clint, y a la par narrador, como si recitara un poema. Un clásico del cine. Desde ya. Y la ví en el cine.



5- Old Boy (Park-Chan Woo)
Park Chan-Woo parece el hermano hiperactivo de David Fincher, con esa estética donde la cámara es capaz de meterse en las cosas imposibles, y donde la opresividad sugerente de Seven se reduce a optimismo de críos después de ver esta joya. El cineasta coreano hace muchas cosas, y todas en éste film consiguen un equilibrio genial. Primero, hace cine. Por encima de todo. Para ello éste film podría decirse que es multigenérico, que juega con el espectador constantemente. Después, se plantea una inteligentísima historia de venganza, que mas bien parece una clásica tragedia griega. De nuevo el claiscismo de fondo, y la innovación formal. Choi Min-Sik el hombre que encarna al maltrecho Oh-Dae Su está genial. Hay que decirlo. Aunque sea asiático ( y muchos no sepamos valorarlo debido al choque cultural y todo eso...), la suya es de las mejores actuaciones de este año. Y el film también sin duda alguna, una mezcla de instinto bizarro y malsano con el de la belleza más pura que mutan en la peculiar visión de su director. La secuencia final es pura poesía.



6- Una historia de violencia (David Cronenberg)
No faltan aquellos que dicen que Cronenberg se ha vendido , que ya no es el que era, sólo por realizar un film estéticamente diferente a lo que ha hecho anteriormente. Digo estéticamente, porque me parece muy acertado, que un maestro (como es él) cambie las formas del terror enfermizo, por las convenciones del cine negro y el western, como mezclando a Peckimpah, a Lynch y a Torneur en uno, para narrar una historia donde demuestra que el hombre es un animal irracional, violento, y que hay que aceptarlo. Y que todos tenemos una persona oculta, oscura, que se esconde tras nuestra apacible piel. Sensacional película, donde Cronenberg observa a un ser humano irracional y violento (por naturaleza) pero siempre mirando de cara al problema.



7 - American Splendor (Shari Springer Bergman y Robert Pulcini)
Harvey Pekar, dibujante de cómics que empezó a hablar del existencialismo para las masas, o de la insoportable levedad de la vida cotidiana, merecía un film como éste. Tan original (mezclando documental, aparente biopic y el propio cómic) y divertido a la par que melancólico. Acompasado por lo que él oía, deliciosas piezas de jazz y soul (desde Jay McShann, hasta Marvin Gaye) y con una aparición estelar del dibujante que lo descubrió Robert Crumb, muy bien retratado en el film. Y además protagonizando, el descubrimiento del año.:Paul Giammatti. Le acompaña una no menos portentosa Hope Davis.



8- Flores Rotas (Jim Jarmusch).
Regresa un inspiradísimo Jim Jarmusch, tras su recopilatorio reflexivo acerca su filmografía, y la aventura del Ghost Dog. Escoge como protagonista, al tipo que mejor representa el estado de indefinido hastío vital.: el grandioso Bill Murray. Una banda sonora de altura, para narrarnos el periplo de un fracasado Don Juan, que repasa a sus cinco amantes para que entendamos su presente, y buscando a un hijo que tal vez sea su salvación. Un film divertídisimo e inteligente y reposado en sus silencios, donde Jarmusch regresa a su mejor momento desde ya. Eso sí, abstenganse a los no iniciados en Jarmusch. Su cine se aleja de los dinamismos del cine comercial actual, y yo se lo agradezco, además cuenta una historia de una forma grandiosa, y con situaciones tan tristes como hilarantes.



9- La guerra de los mundos (Steven Spielberg)
Spielberg deja de creer que los alienígenas son pacifistas. Se ha acabado la movida de la new age, y la URSS que desintegraba para que el mundo fuese un lugar mejor. Estamos en la sociedad del miedo, post 11-S, y ahora el enemigo de fuera puede atacar en cualquier momento. Por lo tanto los que vienen, traen consigo la guerra y la destrucción. Aparte de ser una obvia alegoría social sobre lo ocurrido en el World Trade Center, es un film dirigido con el pulso del tipo que mejor narra y domina el espectáculo. Es Spielberg. A pesar de detalles chirriantes (Como el final, Tom Cruise) el film contiene secuencias geniales, que solo un maestro puede realizar.

10. Garden State (Zach Braff).

Debut en la dirección de Braff, una comedia generacional de excelente banda sonora y reposado ritmo. Lo que intentó hacer Cameron Crowe con Elizabethtown (ultra-deficiente por lo que me han comentado, aunque esta me voy a tomar la libertad de no verla ) pero con calidad. El regreso a un pueblo, una juventud perdida (literalmente) quedan magníficamente retratados con un marciano sentido del humor. Además Natalie Portman está bien. Y es uno de los films que más gratamente me ha sorprendio.

11- Batman Begins (Christopher Nolan).
Todos teníamos miedo. ¿Como sería el nuevo film de Batman? Pues ha resultado ser una joya. Por primera vez Batman deja de ser un acartonado hombre de armadura, y una locaza homosexual. Para ser Batman. El que todos conocimos. Frank Miller vuelve a ser el responsable de ello. No directamente porque el guión lo escribe un brioso David S. Goyer. Sino porque sin Batman Año 1 obra capital de Miller y Mazuchelli este film no habría existido. Ni ese arrebatador homenaje final que se le hace. Además, el film resulta que es una estupenda metáfora social. ¿Quien la podría servir? Un Nolan que aunque dirija una superproducción anda lejos de abandonar su talento. Bruce Wayne es otro personaje torturado por su identidad y por sus recuerdos. Como lo son Leonard Shelby y Will Dormer.



12. Star Wars Episodio III: La venganza de los sith. (George Lucas).
George Lucas bajó muchísimo el listón con el primer episodio. Lo del segundo ya fue sonrojante. No obstante, todos somos agradecidos y volvimos a ponerle en el punto de mira. Él demostró que todos los amantes de aquella primera (y gloriosa ) trilogia. Darth Vader nació, y además un film en la mejor línea de El imperio contrataaca, emocionante, veloz, oscuro y que nos hace revivir la fantasía galáctica. Hayden Christensen actua y hasta los actores parecen tener más ganas de afrontar su papel. Eso sí, aunque el film es notable, hay que reconocerle una cosa. Lucas cuenta con un gran director de segunda unidad (no se si lo conocerán, un tal Spielberg), pero el guión, no es lo suyo. A pesar de todo, algunos dialogos siguen siendo patéticos.



13. Entre copas (Alexander Payne).
Alexander Payne retrata a dos perdedores quemados por la vida, (por el fracaso) que terminan resultando de pateticos (y similares a nosotros) entrañables. Con un pulso firme y un divertido sentido del humor, Payne insiste en viajes que son viajes interiores, no tan sencillos como parecen. La película se basa en dos actores gloriosos, capaces de hacernos reír, y llorar y en una deliciosa BSO jazzística de Rolfe Kent.


14. Primer (Shane Carruth)
¿Tomadura de pelo por parte de un pedante ingeniero metido a director de cine? Lo que está claro es que éste viaje del tiempo me descolocó mucho mas que Donnie Darko (aunque ¡ojo! no me gustó ni la mitad que la de Richard Kelly, que como buen film de culto, tengo que revisar e intentar analizar, eso si con el beneplácito del emperador de los helados). Vi mucha pedantería, pero también algunas ideas inteligentes. El film más críptico del año. ¿Quien se atreve a realizar un spoiler?


15. El Aviador (Martin Scorsese).
Este film tiene una ávida legión de críticos que la admiran (con sus mas y sus menos) y unos detractores que la consideran intrascendente. De hecho en parte lo es. Scorsese es el cronista de las vidas más fascinantes de la sociedad americana y esto lo ha demostrado hace tiempo. Pero atención, esta historia no va a ser Toro Salvaje porque el resultado es un film notable, que se dedica a ejercer la cinefilia durante todo el metraje. No pasa de ahí, pero yo tuve la palabra Rosebud metida en la cabeza, y sospecho que no por casualidad. Después en los Oscar, a nuestro capo, lo noqueó Clint, con un clásico que nadie esperaba que se sacara de la manga. Ni yo.

Y ahora enfadénse , adjetivénme, y comparen sus listas. ¿Demasiado previsible ? Quizás, quizás. ¿Añoran al gran gorila? Cierto cierto. ¿Añoran a los Aardman? Exacto, tampoco la he visto (pero hay prediposición). ¿Añoran el delirio de los perpetradores de la ya mítica Shaolin Soccer ? La veré, pero sólo en versión original. Por lo que me han contado, en España hemos vuelto al doblaje "acertado". Tampoco he visto la de Neil Marshall. Ni la de Rob Zombie (aunque pronto la vea).

HE GOT GAME: El mesías de la canasta

Una mala jugada.
(He got game, 1998)
D y G.: Spike Lee.
I.: Denzel Washington, Ray Allen, Mila Jovovich, Rosario Dawson, Ned Beatty, Hill Harper, Jim Brown, Lonette McKee, John Turturro.
Duración.: 136 minutos. Color.


Spike Lee es un buen cineasta que aunque en la primera mitad de los noventa realizó un buen puñado de films intereantes, se pasó toda la segunda dirigiendo spots para Nike y realizando films menores, casi exclusivamente dirigidos a la sociedad afroamericana. Esto no es que difiera de la primera mitad, sino que eran historias muy localistas, o bien poco interesantes.

Uno de éstos films olvidados es He got game ( solo citaré una vez el absurdo título español) que narra la historia de una relación truncada por culpa de un deporte.: el baloncesto. Y a su vez epicentro de todo el eje argumental sobre el que gira el film. Jake Shuttlesworth es un convicto que tiene una semana para ganarse el perdón de su hijo Jesus, que se ha convertido a su joven edad en la promesa nacional más grande de baloncesto. El alcaide propone a Jake un pacto. Cómo el gobernador de Attica (prisión en la que se encuentra Jake) es fanático del baloncesto, si logra que su hijo ingrese en esa prisión su condena cederá notablemente. La misión de Jake, es escoltado por dos agentes de la condicional, y con una semana de tiempo lograr que Jesús ingrese.

Aparte de la consabida previsibildiad que conlleva esta historia de baloncesto, el film destaca por la media por el acertado retrato que hace del mundo de la NBA, la comunidad afroamericana, y todas las relaciones que se establecen sobre el personaje principal del joven Jesus. Casi todos los que se acercan a él, incluso su padre (sin duda un buen acierto del guión) es con un fin lucrativo, y me parece bastante inteligente el hecho de que también su propio padre Jake se quiera ganar un perdón en favor de un beneficio.

En la estética Spike Lee apuesta por esos spots de Nike que tan bien conoce. Imagénes difuminadas, efectistas. Sin duda esto llama la atención, pero uno se harta de la bestial publicidad subliminal (Es un decir) que contiene el film. Lo de Nike, ya no tiene nombre, supongo que tiene que ser la productora del film. Después esta la cadena de hoteles Marriott y demás. También parece en ocasiones un caro videoclip de rap. Sobretodo en la conversa de Lala y Jesus.

Aún así es una dirección eficaz, pero no sorprendente. Los actores estan correctos, aunque desentona un tanto Denzel Washington que no sabe a veces abordar el papel de bastardo, cuando le tenemos ya muy creíble en su papel de buen hombre. El actor se esfuerza, pero el cambio de registro no termina de ser creíble. Sin embargo casi lo consigue, pero en otros momentos cae en su faceta que mas conoce. Ray Allen y el resto de los acompañantes, estan correctos, sin ningun gran momento de lucirse interpretivamente.

Aunque solo sea con el inteligente canjeo mesiánico del nombre del protagonista y todas las bromas el film ya se vale la etiqueta de interesante. Después esta la relación paternofilial, y aunque la trama se desvela muy previsible, sin apenas misterio, ni emoción, hay en el final un pequeño giro sorpresa que la hace ganar.

El resultado es un film tan eficaz como se proponía, y que es un interesante retrato del mundo deportivo del baloncesto desde la perspecitva de esas jovenes promesas afroamericanas que surgen al año en estados unidos. Y también destaca por encima del film la excelente canción que le da título (el original) que interpretan unos inspirados Public Enemy, uno de sus mejors temas.

Puntuación.: 6,5.

ASESINOS NATOS:Waiting for the miracle

Asesinos Natos.
(Natural Born Killers)
D.: Oliver Stone.
G.: David Veloz, Richard Rutowski y Oliver Stone segun una historia original de Quentin Tarantino.
I.: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Robert Downey Jr., Tommy Lee Jones, Tom Sizemore, Ashley Judd, Yared Harris, Russell Means, Rodney Dangerfield, Pruitt Taylor Vince, Steven Wright, Balthazar Getty.
Duración.: 114 minutos. Color / Blanco y negro.


Hay films que son odiados y amados a partes iguales. Que arrasan en su día entre la crítica mas o menos moderna, y que se convierten en objeto de odio por los sectores más conservadores, según las excepciones. Y me sorprende que el film que se me presenta haya sido tachado en USA, tierra de la hipocresía moral, de inmoral, amoral, violento, gratuito y demás. Porqué tal y como han señalado muchos, lo que hay aquí es una sátira en toda regla. Y como cualquier sátira, en el sentido estrictamente clásico, con un mensaje en el fondo moralista.

Supongo que es fácil dejarse llevar por las imagénes (y que imagénes) de esta pieza. No se exactamente si considerarla cine. Lo digo porque en demasiadas ocasiones el termino cine se asocia con el cine convencional. Esta película es mitad cine experimental, mitad modernez, mitad pieza de videoarte. Al menos a mi los primeros cuarenta y dos minutos me parecen estéticamente videoarte puro y duro. Se trata de una descarga efectista de imagénes unidas por una vaga excusa argumental , de imaginación inabarcable, trabajadísimo montaje (el gran acierto), y sobrada inteligencia, acompañadas por una sonoridad imperante. Pero que fondo sonoro señores. Leonard Cohen, Bob Dylan, Cowboy Junkies. Música de altura.

Los modernistas, como Gaudí, siempre insisten en que para ser moderno hay que regresar a los clásicos. En realidad, el fondo de Asesinos Natos es el más clásico de toda la vida. Una denuncia en toda regla. Lo que ocurre es que la estética adrenalítica se puede tomar en exceso. Es excesiva, de hecho es lo que pretende. Retratar la visión del autor sobre un mundo donde hasta la locura puede ser una estrella del rock and roll. La historia es la de Micky y Mallory Knox. Ambos de infancia trágica y maltratada. Inician su peculiar venganza contra el mundo, y su descenso a los infiernos, asesinando a más de 50 personas, en poco tiempo. Convertidos en ídolos mediáticos por Wayne Gale un amoral presentador de la televisión, de un programa American Maniacs que identifica claramente el sensacionalismo y el miedo que dominan USA. Encerrados en la prisión por Jack Scagnelli, un detective tan peligroso como ellos, Gale consigue entrevistarlos, y ya se han convertido en figuras mundiales.

El film es toda una patada de las que duelen al corazón moral de USA. Es prácticamente un estilo de sátira similar al que practica David Fincher con El club de la lucha. Pero esta vez solo al nivel norteamericano, Oliver Stone denuncia cada una de las inmoralidades y barbaridades que comete USA creando una violencia que pretende denunciar. El primero de sus blancos. Mickey y Mallory son dos personas patéticas. Ambos han sufrido la violencia desde la infancia. Mickey era frecuentemente maltratado por su padre. Él sacó a la joven Mallory de una familia rota, donde su padre la violaba por la noche, y veia el alchoholismo de su madre. La sociedad les da la espalda, pero aplaude con cierto morbo sus atrocidades. Les prestan atención. Pero Stone no olvida que son patéticos. Wayne Gale, presentador pretendidamente democrata (en el sentido de que es del Partido Democráta) de izquierdas y liberal. Se dedican a vender la violencia y a repartir el miedo en sus hogares. Nadie mejor que Robert Downey Jr. para encarnar ese estamento de la sociedad que se esconde en el filo de la doble moral para encarnarle. Después esta "La Ley". El detective Jack Scagnelli, que mata prostitutas, y que tiene una peligrosa obsesión con Mallroy Knox. Un masoquista y torturador también desequilibrado por el asesinato de su madre a los nueve años. El alcaide de la cárcel donde estan los Knox, Dwight McClusky. Un fascista obsesionado por la violencia que morirá abrasado por la misma contundencia con la que tortura a estos presos. O la juventud que manipulada por los mass media adora a los asesinos. Los retratados (quizá la generación grunge) se muestran como jovénes perdidos, y que buscan su escapada outsider en ellos dos.

Todo éste sadismo y crueldad que contiene el film es extremo. Pero también cabe señalar que Stone no va hacernos desagradable la visión del film. Se encarga de suavizarlos en cierta manera y en no caer en que las imagénes se hagan insoportables. Es un film muy violento pero también muy estilizado. La estética del film merece un punto y aparte. Stone experimenta completamente con el lenguaje cinematográfico, y cuenta con dos montadores Hank Corwin y Brian Berdan excelentes que le sincronizan este carrusel de imagénes que es el film. El lenguaje cinematográfico que propone éste film es una mezcla de muchos otros, de ahí su señalado carácter experimental. Muchas veces hace eco al cine de los años setenta, con esas imagénes estéticamente deudoras (también rinde homenajes a esos films de estética sucia de Craven, Hooper), también utiliza un blanco y negro desmesurado (intencionadamente) para jugar también con el uso de la estética televisiva (de los programas que parodia y denuncia ) , de la publicidad, del videoclip, e introduce miles de imágenes (una especie de cóctel) incluyendo parcelas de imaginación. Todo esto se hace para retratar el ambiente enfermizo y de locura que supone el film. También juega con las sitcom. Es increíble el trozo en que se rueda como si de una sitcom se tratase, el clima familiar donde crece Mallory, con un Rodney Dangerfield alejado de sus payasadas habituales, encarnando al prototípico padre de familia pederasta, alcholizado y tiránico. También en éstas imagénes se respiar cinefilia. Y detalles, pequeños, que solo con las revisiones a cautela podremos ir viendo. Grupo Salvaje, Scarface, La naranja mecánica son sólo algunas de las piezas que Stone homenajea por el camino.

Los actores estan excesivos y geniales. Desde los dos protagonistas unos apoteósicos Woody Harrelson y Juliette Lewis, hasta el siempre genial y ya citado Downey Jr., sin olvidarnos de unos muy divertidos Tommy Lee Jones y Tom Sizemore encarnando a la América violenta y fascistoide de las placas y las pistolas.


Es lógico que al acabar el film uno quede un tanto mareado por esta sucesión vertiginosa, pero no se le puede negar que es increíblemente aboserbente, fascinante, y divertido. Porqué amigos míos, a pesar de sus excesos (que los tiene) Asesinos Natos es una cronometrada joya de culto, cuidada hasta el máximo a nivel estético con un estupendo mensaje de fondo. Un film que supone toda una experiencia para el espectador, y que no va a dejar indiferente a nadie con ese impetuoso espíritu netamente posmoderno. Y de banda sonora impecable por cierto. La banda sonora es lo único que sus máximos detractores quizá salven.

Puntuación.: 9.

AREA 51 - LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS : ¡You're the next!

La invasión de los ladrones de cuerpos.
(Invasion of the body snatchers, 1956)
D.: Don Siegel.
G.: Daniel Mainwaring sobre los relatos de Jack Finney.
I.: Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, Carolyn Jones, King Donovan, Virginia Christine, Tom Fadden, Guy Way, Sam Peckinpah.
Duración.: 80 minutos. Blanco y negro.


Don Siegel es uno de los directores de los que más ha aprendido Clint Eastwood en su labor como director (el otro es obvio que es Sergio Leone) y además es uno de los más destacables artesanos del cine clásico americano de los últimos tiempos. Tiene obras muy estimables, y dispares, y ejemplos de ellos on La jungla de asfalto, Harry el sucio o la que nos ocupa un clásico de la serie B de los años 50.

Con un tercer remake ya en manos de Olivier Hirschbiegel con Nicole Kidman de protagonista, esta primera versión recoge la historia con unos parametros fascinantes. La historia se inicia cuando un psquiatra de la policía llega a un hospital donde reposa Miles Bennell que le relata la historia. A la llegada a Santa Mira el doctor Bennell donde se reencuentra con Becky Driscoll observa una extraña epidema histérica que provoca extrañas reacciones en la gente. Pronto saldrá a la luz que se trata de unos alienígenas que sustituyen a la gente mediante réplicas exactas robandoles sus recuerdos y comportandose como seres carentes de emociones.

Una de las muchísimas virtudes que acompaña este film es su mezcla de distintos géneros que la hace más hábil. Aunque es un film que combina el terror, la ciencia ficción y la fantasía mas pura, los parametros que sigue son propios del film noir mas característico. Además logra transmitir toda una atmosfera que pretende, a la que el film sugiere el contorno político. Es largo y extenso el debate sobre si se trata de una parábola anticomunista o una parábola de la caza de brujas de la época, y Bennell hace unas nada gratuitas referencias al clima de la época "donde todo es posible".

Los elementos de fantasía del film son bastante más claros, en el duelo de Miles y el doctor Dani Kaufmann, donde el amigo Jack, y Miles que han visto a un cadáver (que no lo es, es una réplica alienígena) ellos le piden que deje de buscar explicaciones racionales a todo, y que todo es posible. En cambio el film plantea unos ambientes nocturnos estrictamente, y otros lugares comunes propios del cine negro de la época.

También cabe destacar el maravilloso matiz psicológico del film, donde un pueblo se convierte en símbolo de paranoia. Lo que demuestra este film es que la realidad absoluta no llega a existir puesto que una vez los alienígenas ejercen la suplantación, a ellos les parece que viven en la mas absoluta rutina. Y Siegel juega muy astutamente al contrastar los momentos donde la normalidad y lo extraño confluyen de una manera que se hace imperceptible, por lo tanto el clima de desasosiego se hace axfisiante tal como se pretende, sin recurrir a efectismos, pero traslada todo el punto de vista narrativo estrictamente a la visión que tiene Miles. Don Siegel no pretende que nos planteamos quien es un alienígena y quien no, aunque haya una pequeña licencia dramática con Becky, lo que pretende es como observemos lo relativo de la llamada "vida normal". Lo que empieza siendo como una epidemia que mira con escepticismo Miles ( y nosotros) , terminamos observandola como una plaga (como él) por lo tanto nos contagia de esa paranoia, sin envenenar al espectador. Escenas como la del night club abandonado y desolado empiezan a crear el clima. Otro mérito del film.

Aparte de crear ese certero clima que a día de hoy por fortuna se mantiene, el film contiene ese sabor netamente pulp que tanto ha fascinado a posteriores realizadores (uno de los más fervientes admiradores es Joe Dante que no se priva de homenajearla en cada película de su filmografía, ya sea mediante presencia cómplice de Kevin McCarthy o mas explícito) y que ha generado los tres remakes. La idea de las vainas es realmente sugerente, y destaca el film por ese ambiente paranoide y violento que Siegel contiene con escenas de violencia, intuidas pero no mostradas. Todas las persecuciones tienen ese hálito.


No es de extrañar pues que esta maravilla se conserve tan bien. Cuenta con unos actores que no eran estrellas pero que bordan sus papeles (estupenda Dana Wynter y el citado cambio en la cueva, y un magnífico McCarthy), y un ritmo realmente trepidante que aún hoy sorprende, porque es una obra artesanalmente perfecta que funciona a todos sus niveles. Y a pesar de todo con un ajustado pero adecuado final.

Puntuación.: 10.