THE EYE.: Lo que el ojo no ve

The Eye.
(Jian Gui, 2002).
D.: Danny Pang y Oxide Pang-Chun (Pang Brothers).
G.: Danny Pang, Oxide Pang-Chun y Jo-Jo Yuet Chun Hui.
I.: Lee Sin-Je, Lawrence Chou, Chutcha Rujinanon, Yut Lai-So, Candy Lo, Pierre Png, Edmund Chen, Benjamin Yuen, Wilson Yip.
Duración.: 99 minutos.

The Eye viene a ser otro ejemplo de la brecha de horror oriental que abrió la muy estimulante cinta de Hideo Nakata, Ringu con un nuevo estilo de horror que se ha convertido en un canon mundial. Tanto en Oriente como el mercado americano. En Oriente sea nación cual sea, fabrican películas de fantasmas de caras pálidas y borrosas, y en USA se encargan de llevarlas a la fotocopiadora donde pasan por el cambio de ilustres desconocidos a estrellas de turno. Y la que nos ocupa hoy es la próxima en ser versionada y de hecho cumple todos los requisitos argumentalmente.


Cabe decir que lo mejor de The Eye es su maravillosa fotografía (no en vano fue el premio que obtuvo en Sitges) y el look visual que le dan sus dos autores, los hermanos Pang. La puesta en escena es muy sugerente, y hay que ver como todo el cine oriental nso esta descubrimiento una nueva ola de juegos con la imagen, las texturas y la iluminación. Es gracias a ésto que muchos han querido ver en el film una originalidad (bastante inaudita), y que se ha valido toda su reputación. Para mí no pasa de ser un muy agradable rato de inquietud, pero no raya la grandeza de Dark Water al carecer de su profundidad ni Ringu al carecer de su capacidad de innovar. Se trata de un film sin muchas mas pretensiones que le de hacer pasar un mal rato al espectado.

Argumentalmente, para que nos vamos a engañar. Los americanos la van a versionar de gusto, ciertamente. Viene a ser la misma historia de siempre, la mujer con fuerza que se deberá valer por sí sola (esta vez aprovechan muy bien el tema de la ceguera) para enfrentarse a un espíritu que tiene que resolver el problema de turno, y que al final solo buscaba comprensión. Bueno, yo esto lo he visto en El ultimo escalón, El sexto sentido y un largo etcétera de cintas de temática fantasmagórica, incluida Dark Water. La única y ligera variación que presenta esta es un giro final (bastante irrelevante al fin y al cabo) bastante salvaje donde contemplamos que los orientales son bastante mas radicales que el resto de las cinematografías a la hora de aplicar soluciones argumentales.

Los actores estan muy bien todos ellos. El tour de force ,corresponde a una espléndida Lee Sin-Je que encarna espléndidamente a Mun, la muchacha ciega que encarna a la perfección esa mezcla de fuerza y desvalidez que se necesita.

La música de Orange Music está bastante bien vista dentro de la línea oriental que suele regalarnos auténticos estropicios sonoros, incomprensibles para el oido occidental o eso me gusta creer. Hay melodías de piano bastante repetitivas y repletas de cursilería, pero en general hace un buen uso de los sones paranormales y está muy bien. Ciertamente es grato encontrarte con una música que no estropee ningún momento.

En cuanto a los Pang, han sabido aprovechar la única variación argumental del film respecto a los otros. La ceguera y así su jueguecito visual se convierte en mas justificable a la par que brillante. Son muy poderosas las imagenes y el estilismo que tienen muchas secuencias de la película. Narrativamente los Pang saben conducir por buenos senderos la historia, sin desviarse en pasajes innecesarios.

El conjunto del film contiene un entretenimiento asegurado, que tiene sus momentos de emoción y escalofríos a partir de medio film, donde por suerte no abundan los sustos fáciles y más manidos, cosa que no ha sabido hacer el film a la hora de sortear los tópicos. Recomendada para aquellos que prefieran ver lo que el ojo no ve, y no busquen más pretensiones.

Puntuación: 7,5.

PRIMER.: En busca del tiempo perdido

Primer.
(Primer, 2004).
G y D.: Shane Carruth.
I.: Shane Carruth, David Sullivan, Casey Gooden, Anand Upadhyaya, Carrie Crawford, Chip Carruth.
Duración.: 76 minutos.


Hay que ver si Shane Carruth, superdotado matemático e ingeniero, y con sólo 7.000 dólares seguirá en el mundo del cine tras este prometedor debut. No vamos a engañarnos, Primer es la última (re)evolución de la ciencia-ficción cinematográfica aunque peque de una frialdad y complejidad demasiado extremas como para ser digeridas. Es por ello que necesita varios visionados para ir captando el argumento. El film se enmarca en la línea de cult-movies crípticas al estilo de Pi, Terciopelo Azul y demás, en el sentido de que hay que macacharse mucho la cabeza para terminar de entederla.

Carruth compone un relato al que le falta algo de "calor humano" quizás, pero que es magnífico en su puesta en escena hipnótica y gélida que nos deja embobados. El argumento es tan complejo y enreversado como fascinante, y basicamente explora el tema de la maquina del tiempo, las paradojas temporales, y etc....

También ahonda en una sociedad que busca mas tiempo, y se pierde en muchas horas de trabajos. Hay muchos matices en el film, pero se deben ir sacando progresivamente, en cada visionado más.

El peso de los actores cae en Carruth y Sulivan, que lo hacen muy convicentemente. La dirección es cámara en mano, y consigue crear un look visual realmente surrealista y único. El guión esta estructurado de tal manera que como te despistes, estas perdido, el seguimiento debe ser continuo y el cerebro debe estar trabajando.


El argumento narra como 2 físicos de garage, descubren que el invento que deben proteger es una máquina del tiempo. La deciden probar con ellos. A partir de ahí, ninguno de sus viajes al pasado será en vano, y sufrirán encuentros con sus otros-yo ¿del futuro o del pasado? Demasiado complejo, ni tan siquiera yo lo sé. Lo que no le vamos a negar al producto es inteligencia y originalidad. De eso dispone, y de las maravillas que con 7.000 dólares se pueden hacer, sin tener un presupuesto de superproducción. Es un film ejemplar, y demuestra que el talento está tambien en los elementos más sencillos. La selección de localizaciones son lugares coitdianos tratados de un tono insólito visualmente.


Primer es un jeroflígico algebraico de un sabio matemático que tiene mucho talento y mucho futuro por delante, una autentica pieza de culto, pero es tan fría y aséptica como una clase de ciencias matemáticas y fisica cuántica.

Puntuacion.: 8.

EDUARDO MANOSTIJERAS.: Nieva soledad en mi corazón

Eduardo Manostijeras.
(Edward Scissorhands, 1990).
D.: Tim Burton.
G.: Caroline Thompson según un argumento de Tim Burton y Caroline Thompson.
I.: Johnny Depp, Winona Ryder, Dianne Wiest, Alan Arkin, Anthony Michael Hall, Kevin Olivieri, Vincent Price.
Duración.: 105 minutos.


Tim Burton decidió lanzarse tras el inmenso éxito de Batman y rodar otro film personal. Para m´í su mejor película, al menos la más perfecta en todos los sentidos, y sin duda alguna uno de los clásicos modernos de los años 90.

Por aquél entonces, Burton era un director a contracorriente con muchas cosas que decir. Lo primero que hizo fue contar la historia de su vida, en un bello cuento de hadas. Eduardo Manostijeras es una visita a la villa Burton, y es quizá la mejor visita para cualquier cinéfilo.

Gracias al apoyo de Fox , Burton goza de una libertad creativa para narrar lo que en principio parece una relectura de Frankenstein teñida de cuento de hadas. Y en cierta medida lo es, pero no del todo. Eduardo es el alter-ego de Burton, y eso es algo que encarna perfectamente un magistral Depp contenido, sin excesos y conmovedor en su papel de "freak" entrañable de corazón mas humano que todos. Eduardo es un ser incomprendido que vive en un castillo gótico, y cuya visión de la vida choca con la hipocresía de doble moral que representa la en aparencia alegre población que está anexa a su castillo.

Se observan los paralelismos de un joven Tim Burton chocando frontalmente contra la sociedad americana. Pero además cumple estéticamente, observando un dominio visual y una creación de mundos muy personal, en un cineasta que narra a gusto, sin concesiones de ningún tipo.

Los personajes están perfectamente definidos. Desde las mentes conservadoras del pueblo que tratan al principio a Eduardo como un mono de feria, para después marginarlo injustamente, hasta Eduardo el ser más humano que pulula por la película, junto a Kim la adolescente incomprendida. La madre Peg, también resulta muy huamana en ese universo que tan bien satiriza Burton.

Pero a pesar de la denuncia social, el film no olvida lo que es. Es un cuento de hadas. Y respira magia. Y contiene mucha magia, y mucha belleza estética en secuencias como el baile en la nieve. La nieve, el estado de ánimo del protagonista y la representación de su mundo peculiar y único, es el motor conductor estéticamente hablando del film. Burton sabe como crear su atmósfera de magia a través de un estilo gótico y siniestro que se hace extrañanamente bello.

La precisión y la simetría, en cuanto a historia está presente en todo el film, igual que las grandiosas interpretaciones del ya citado Depp, de la mejor Winona Ryder (cuando trabajaba con Coppola o Allen), o una como siempre excelente Dianne Wiest. Inolvidable y entrañable por méritos propios, resulta el último papel de Vincent Price antes de fallecer. Su papel de inventor y creador, resulta uno de los mejores de su carrera, dado el carácter bondadoso que tiene su propio personaje.

Otro de los elementos más emblemáticos que ayudan a dar más vida al film es la estupenda música de Danny Elfman. La melodía de Eduardo, famosa por ser utilizada en los anuncis anuales de loterías de navidad, que auna coros de niños con música navideña y toque gótico tipicamente Elfman es poco menos que maravillosa y exquisita. Bo Welch compone un genial diseño de producción y Stefan Czapsky una preciosista e irreal fotografía.


Burton se rodeó de los suyos para crear un film que tiene un perfecto equilibrio entre su mensaje ético y estético. Un maravilloso cuento de hadas sobre la intolerancia, y el mejor Burton hasta el momento. Libre creativamente, pero a la vez equilibrado en su función cinematográfica, tanto en el plano visual como el argumental. Para no olvidar.

Puntuación.: 10.

ANTES DEL ATARDECER.: Ayer paseé por Paris

Antes del atardecer.
(Before Sunset, 2004).
D.: Richard Linklater.
G.: Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy.
I.: Ethan Hawke, Julie Delpy.
Duración.: 77 minutos. Color.


Cuando uno vaga por las calles de Paris descubre ideología, mezcla étnica, swing inexplicable y una cantidad de historias para ser contadas. Al margen de que se trate uno de los parajes europeos más bellos, no quiero resultar estereotipado, pero aún asi París es el lugar para volver, y estar de vuelta de todo, y es cierto que es un lugar ídilico para hacer florecer las mas tiernas historias de amor. También lo es para reflexionar, y para reencontrarse con uno mismo. Sigue siendo la ciudad de la luz, un lugar lleno de un encanto que va más allá de la fascinación urbanística. Sin ánimo de compararla con Nueva York, al pasear por esas 2 urbes uno presencia un fenómeno similar en lugares completamente antagónicos.

Han pasado nueve años, y estos nueve años le han sentado de fábula a Linklater. Por primera vez en la historia del cine, Eric Rohmer parece tener un pupilo y encima un alumno prácticamente aventajado. El otro acontecimiento, ya no tan "único" pero si extraordinario es presenciar una secuela (en realidad otra parcela de vida en la relación de Celine y Jese) superior a la película original en todos los sentidos.

Esta vez la sencillez es solo una definición a nivel formal. Por una vez en la vida, el poder del cine late, de una forma más pura y emotiva. Con tan sólo dos actores, un guión extraordinario y una dirección muy sabia han logrado una obra maestra en todos los aspectos. No se trata ya de ver el reencuentro entre Jesse y Celine, sino en presenciar como el pequeño paso del tiempo (nueve años, se notan y de la juventud a la temprana madurez de la treintena va mucho tiempo) ha hecho mella. También habla, y como lo hace , del poder de los recuerdos.

A simple vista, la película puede parecer una repetición estructural de la primera parte, aunque estas similitudes son tan sólo superficiales. En la primera entrega, de características similares, adolecía de la profundidad y solemnidad con la que se apunta Linklater a la hora de retratar con una pericia pocas veces vista una relación sentimental. El guión es mucho más complejo, y aunque ellos sigan dando su opinión sobre algunos mismos temas, su punto de vista ha madurado y ya tiñen con otro sabor la visión de la vida. Celine es mas pesimista, y Jesse en cambio, parece estar seguro de tener su sitio en el mundo. Vemos además cómo afectó ese encuentro a sus vidas, y todo ello visto en tiempo real, lo qual augmenta el naturalismo.

La narración evita el "paisajismo". Vemos un París bello, pero es un París real, el que vemos al pasear, no el "París de postal" que llevan vendiendo tantos años las clásicas comedias románticas. De hecho, Antes del atardecer no es una comedia romántica, es tan sólo una historia de amor basada en el paso del tiempo. En cuanto a Linklater, opta por los planos-secuencia bastante largos, sobrepasando los quince minutos, algo que sin duda sorprende. La serenidad con la que estructura el film es magnífica.

Sortea con gracia todos los tópicos, para llegar al mejor punto. El final, que a lo mejor es "el que todos esperamos" o es "abierto" para muchos, pero es un final acorde con lo que hemos visto. Es producto de una evolución interna de unos personajes que resultan muy humanos y que además no paran de hablar durante todo el film. Es una conversación continua completamente alejada de cualquier cliché o convencion.


La sencillez viene a ser formal, porque la complejidad que esconde el film es bastante alabable. Por un lado evita los minutos gratuitos. Son 77 minutos de cine del bueno. Evita alargarse, o dilatarse. Todo está calculado y asi lo consigue. Del que ya no se ve, en definitiva y de unas raíces marcadamente rohmerianas. Un americano dirigiendo cine europeo, es un shock bastante gracioso. Hay tension, hay amor, hay humor, hay química, es en definitiva una parcela de vida de una gente muy similar a nostros. No cae en registros dramáticos, la perfección de Linklater a la hora de poner en marcha una puesta en escena y unos personajes es magnífica, parece de veras real. No cae en ningún registro. Es un film realmente inclasificable, aunque podríamos decir que es romántico. Las canciones un detalle muy importante, igual que en el primer film, estan escogidas y colocadas en su lugar. Linklater ya sabe como insertar adecuadamente una canción en un film ( y sabe escoger muy bien esas canciones, la BSO de ésta es excelente ) , su film precedente es School Of Rock y ya de paso, se permite una autoreferencia a éste mismo film. Julie Delpy hace un juego de manos para "mandar al garete" a Ethan Hawke muy similar al de Jack Black en la escuela rockera, obvia autoconsciencia de un cineasta que ha alcanzado su más plena lucidez. Dentro de otros nueve años, veremos que ha sido esta vez de Jesse y Celine, y bien seguro que lo que veremos seran similudes vagamente estructurales, pero el realismo ahondara en la escena siempre jugando con el poder de la cinematografía. Otro juego magnifico de Linklater, hace un film de corte naturalista pero que es el primero en jugar con los elementos mas puramente cinematográficos. Ah, cuanta grandeza hay en este director y es que el tiempo también ha pasado para él. Y para mejor, como bien vamos viendo.


Si tuviése que definir esta maravillosa película, diría que Eric Rohmer y Woody Allen charlaron en un encantador café de París y como resultado, está entre estos dos genios, el talento innato de Richard Linklater. Sin olvidarnos de la naturalidad expresiva propia de Ethan Hawke y Julie Delpy, tanto a nivel de guión como de actuación, los dos perfectos cómplices de esta obra maestra de principio a fin.

Puntuación.: 10.

DARK WATER.: Remake al carbón de atmósfera impagable

Dark Water.
(Dark Water, 2005).
D.: Walter Salles.
G.: Rafael Yglesias según la película de Hideo Nakata, asimismo basada en una novela de Koji Suzuki.
I.: Jennifer Connelly, Ariel Gade, John C. Reilly, Tim Roth, Pete Postalwaithe, Dougray Scott, Shelley Duvall.
Duración.: 105 minutos.


Los americanos en su sequía inagotable de ideas, siguen comprando films del extranjero ante su terrible incapacidad de verlos doblados o subtitulados. Pobrecitos. Ahora la última en caer es una d las mejores cintas de horror que se han rodado, Dark Water obra del interesante Hideo Nakta y también su mejor película.

Pocos cambios hay en esta película. Puede resultar interesante para los aficionados al arte de recrear, pero es que se trata de una copia prácticamente al carbón del original, al menos en su primera parte. Para llevarlo a cabo han contratado al interesante Walter Salles autor de la muy recomendable Diarios de motocicleta que muestra un excelente talento para crear atmósferas.

Si por algo destacaba el original era por su obviación de los sustos, en favor de crear una atmósfera inquietante que presta mas atención a los pequeños detalles, y al agua como elementos terroríficos, aparte del consecuente infante fantasmagórico. En ésa cinta, el argumento nos trae a una madre recién divorciada que se va a vivir a su hija a un sombrío apartamento de la isla de Rooselvelt en New York. Entonces empiezaa ocurrir extraños fenómenos.

Como en el original, se trata de la historia de una madre destinada a perder a su hija. La tragedia , la lleva ella inscrita en su pasado. Es un perfecto relato de los hijos abandonados, y de la falta de cariño paternal. En esto se centra tanto la pieza de Nakata como la de Salles.


Al menos, la primera parte del film es idéntica. Pero a diferencia de aquel, Salles pone al servicio su indudable inventiva en el apartado visual apoyado en una excelente música de Angelo Badalamenti y una fotografía de Affonso Beato, ( el original no disponía de esta gran música), para crear el clima tétrico que se pretende. Y lo consigue.

La secuencia de la lavandería es aterradora y es la máxima virtud de éste film, que es un remake que consigue lograr por segunda vez el efecto del impacto ya visto. El arte de la recreacion manierista, sale otra vez triunfante. El clima axfisiante del piso destartalado está muy logrado, y además también cabe decir que Salles se ha apoyado en una excelente Jennifer Connelly que nos brinda una de las mejores actauciones de su carrera.

Los secundarios no se quedan atrás. Aquí la protagonista absoluta es la madre, mientras que en la versión de Nakata había muchisima más atención al personaje de la niña desaparecida.

El principal problema de ésta es su fidelidad al original, pero también se convierte en un fallo. El final, una versión descafeinada del anterior, y una precipitada sucesión del clímax a pesar de regalarnos imágenes poderosas y únicas, como la imagen de Connelly perdiendóse entre el agua es realmente genial.

Otro detalle es que aquí el uso del agua, resulta más vistoso, creando un agua todavía mas inquietante que la versión anterior gracias a que resulta visualmente más estremedora, por su vision negra como la tez.´La historia en cambio resulta bastante más "light" pero demasiado fiel en términos generales. El fallo principal es ése, que logra estremecernos pero nos llevamos una historia bastante más precipitada en su tramo final.

En definitiva una película capaz de repetir el impacto ya visto, que se hunde en un clímax precipitado y demasiado "inexplicado", a la par que contiene grandísimas virtudes como su impagable atmósfera creando un suspense en el espectador que pocas veces va a experimentar. Hay que admitirlo, este segundo Dark Water vuelve a ser una experiencia terrorífica de las de verdad, basando el miedo en las cosas cotidianas y en una historia que si se reinterpeta en tono realista no pierde coherencia. El miedo a lo real es siempre lo mas terrorífico, y en ese sentido el jugar con la perturbación de la vida cotidiana es uno de los aciertos más plenos del último cine de terror ya sea el japonés, o el remodelado americano. La pena es que la originalidad es nula y se pierde en una fidelidad al original, totalmente innecesaria. Con esta atmósfera tan brillante, podrían haberse arriesgado a llevar la historia por otros senderos, y ser al menos más distinta sin que haya que caer por ello en las truculencias facilonas. El único ejemplo modélico de perfecto remake americano, fiel al original pero a la vez complementario y distinto, es la también inquietante The Ring dirigida por Gore Verbinski.


Puntuación.: 7,5.

ALGO EN COMÚN (GARDEN STATE).: Un lugar en el mundo

Algo en común.
(Garden State, 2004).
G y D.: Zach Braff.
I.: Zach Braff, Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Ian Holm, Armando Riesco, Michael Weston, Jim Parsons, Ato Essandoh, Geoffrey Arend, Jean Smart, Alex Burns.
Duración.: 101 minutos. Color.


Hay películas, las llamadas generacionales , que suelen enmarcarse dentro de la comedia dramática que marcan a una generación, y la retratan muy bien. Además casi todas ellas resultan míticas debido a su calidad excleente. En los 80 hubo Reencuentro, y en los 90 nos encontramos un film con muchos puntos en común con éste, Beautiful Girls.

Hay miles de películas que tratan los temas de ésta. Pero lo hace con una sutileza y tacto, bastante inhabitual en el cine actual. La maravillosa Garden State (sigo buscando al asesino que la tradujo mediocremente como Algo en común) es un film generacional con los que mucha gente sin duda se sentirá identificado.


Toma como punto de partida la llegada de un joven llamado Andrew a su pueblo natal para el entierro de su recientemente fallecida madre. A partir de ahí , encontramos temas tales como el amor, el hacer frente al pasado, el enfrentarse al futuro, tratados de forma muy profunda sin que el film decaiga en cuanto a ritmo.

Además su tono de comedia es muy bueno. El humor de esta película no es cercano al gag, pero es muy muy inteligente, y esta equilibradísimo, como lo está el gran guión que ha tejido Braff. En la labor de director, el debutante Braff tampoco ha fallado, se muestra contenido y además empareja la camara con las sensaciones de su protagonista ,sin caer en trucos obvios. En el plano de la actuacion, de nuevo, Zach Braff (el gran descubrimiento del film, se convertirá al paso que va en un gran director) está excelente y su respaldo es también magnífico. Ya va siendo hora de reconocer al gran actor que es Peter Sarsgaard, al siempre sobrio Ian Holm, o que Natalie Portman tambien puede estar eficaz en sus papeles.

Pero Garden State cuando termina no deja una sensación de endulzada comedia. Es un grito a la esperanza. La narración conmueve gracias a la ausencia de truculencias, ni trampas emotivas para el espectador. Sus personajes son sólo gente muy perdida, que busca su lugar en un mundo cada vez mas globalizado y extraño. Ante todo eso, no conviene deprimirse, sino seguir adelante porque la vida es así dolorosa. Pues hay que gritar, rebelarse, e intentar existir siendo diferente, sintiendóte libre dentro de la opresión continua, buscar una escapada que sea viable. Hay mucho de eso en esta película, y eso es lo que a través de su sencillez la eleva a un lugar que es nuestros corazones.

La banda sonora, donde uno escucha temas tan geniales como Fair de Remy Zero, o Such Great Heights de Iron & Wine es un auténtico placer , pero debo hacer mención a la recuperación de ese clásico que es The only living boy in New York de Simon & Garfunkel que suena en una de las mejores escenas de esta película.


En resumen, una película tan pequeña que es lo suficientemente grande como para quedarse ahi, en nuestras almas, debido a la empatía que sentimos con sus personajes, y canciones incluso. Zach Braff, no se olviden de este hombre, porque apunta muy alto siempre desde la sencillez y la modestía. Admirable sin duda. Garden State es un reencuentro con el mejor cine y con lo mejor de nosotros mismos.

Puntuación.: 9.

EXTRAÑAS COINCIDENCIAS (David O'Russell ) : Casualidades de la vida

Extrañas coincidencias.
(I heart Huckabees, 2004)
D.: David O. Russell.
G.: David O. Russell y Jeff Baena.
I.: Jason Schwarztmann, Dustin Hoffman, Lily Tomlin, Mark Wahlberg, Jude Law, Naomi Watts, Isabelle Huppert, Kevin Dunn, Ger Duany, Tippi Hedren.
Duración.: 106 minutos.


A partir de ahora, debido al horrible título español le llamaremos a éste film como pertoca, I heart Huckabees. Se trata de una comedia existencial bastante desigual en demasiados aspectos. Por un lado posee una inteligente premisa y trasfondo, grandes momentos pero otros donde el espectador se encuentra perdido en un mar de extrañeza .

Así empieza su protagonista, un joven ecologista que acude a dos detectives existenciales para que resuelvan su duda, él vee una relación en unas coincidencias con un alto hombre de color en 3 sitios diferentes. A partir de aquí bomberos que odian el petroleo, la modelo que está harta de ser mas que una cara bonita, cristianos hipócritas, padres despreocupados, balones rojos, mantas mágicas, francesas oscuras, y demás elementos ciertamente particulares se van a dar cita en una película que si es original pero que no termina de cuajar con el espectador, ni en ella misma sola.

No es que se deba limitar a la comedia a los gags continuados, pero es que el sentido del humor de esta película es demasiado frio y aséptico a pesar de tener un gran reparto , no deja de ser una clase de filosofía muy recomendable más que muchos de los libros que plantean.

El principal problema de esta película es que aun falta "suavizarla" en exceso. No es que sea demasiado compleja o críptica, sino demasiado extraña y demasiado intelectual para ídems, por lo tanto fracasa en su intento (suponemos) de ofrecer una version refrescante de los temas existenciales. No por ello voy a pedir a su cineasta o guionista que suavizen su mensaje, o su profusión de enorme inteligencia. Lo que ocurre es que hay cosas que son muy inteligentes como las ideas de esta película, pero que llevadas a cabo se hacen con menor inteligencia, y todavía menos gracia decantandóse demasiado al intelectualismo enfrascado y a la sensación de perplejidad.

Sin embargo el film contiene virtudes tales como su excelente reparto en unos grandes papeles, es por ello que a O. Russell le felicitamos tiene un magnífico plantel y además hace una magnífica dirección de actores. Todos maravillosos. Jude Law, Mark Wahlberg, Dusitn Hofmman, etc... se autoparadian con contención y bordan sus personajes. Lo de la narrativa y la comedia, ahí falla. En la sala que visioné hubo deserciones y es que es comprensible porque se "pasa de listo " al querer dar una encomiable e inteligente clase existencial para el espectador.

Pues lo que ocurre es que le ha quedado una clase para filósofos con sentido del humor. Y eso es un problema, mucha gente se quedara incrustada en el humor surrealista que redondea esta comedia que decae en su narración en una cierta sensación plúmbea a pesar de ser un productor de trasfondo y mensajes muy inteligentes, como es el optimismo vital, pero estar elaborado con menos inteligencia, hay fallos de narrativa y falta sobretodo más humor en los diálogos, mas frescura, mas sensación de comedia.

O. Russell se ha quedado a medias, en la sonrisa profusa de inteligencia y el excesivo intelectualismo que adorna un producto tan extraño como su título, que habla de las casualidades de esta vida son sólo parte.... consciente de la misma. O. Russell es además decididamente pop en su clase de filosofia, y tiene una ingeniosa utilización de Shania Twain (magnífico gag) y lo que es visualmente la obra tiene sus puntazos pop pero el film en si no acaba de despegar del todo.

No es que sea una sucesión de carcajadas, vas sonriendo en muchas ocasiones pero al acabar te quedas tan extrañado como su protagonista al principio. Vas dandole vueltas y vas viendo que el mensaje tenía un gran jugo, y que desde luego, otra cosa no, pero la película es original a rabiar, ciertamente tiene un estilo propio que no parece que vaya a ser imitado.

Tan sólo por su mensaje, y por la gran lección de filosofía que supone se merece aprobar con creces, eso sí como comedia redonda le faltan bastantes tantos. No obstante, esta comedia existencial es bastante agradable en un panorama lleno de adolescentes de eyaculación precoz, y juergas universitarias.

O. Russell si repitiera en este estilo único que presenta en esta película podria llegar a ser un magnífico filosofo cotidiano. Su primera obra le ha quedado mas filosófica que cinematográfica, con un poco más de atino hubiése logrado una gran comedia, de las que marcan un antes y un después, rebosante de inteligenca y además muy buen humor que la ligerezen.


Pues eso los filósofos en general se lo van a pasar pipa visionando esta comedia existencial, original hasta la extenuación pero que no termina de encajarse bien dentro de la comedia propiamente dicha.

Puntuación.: 7.

ANTES DEL AMANECER.: Anoche estuve en Viena

Antes del Amanecer.
(Before Sunset, 1995).
D.: Richard Linklater.
G.: Richard Linklater y Kim Krinzer.
I.: Ethan Hawke, Julie Delpy.
Duración.: 102 minutos.


Un tren, un viaje de paso, en tan insólito paraje conoces a alguien que es algo así como tu y a la vez tan distinto de ti. Parece en ocasiones insoportable, descarado y pesado, pero sientes que es tu alma gemela. Aceptas tus propuestas y pasan las horas y te encuentras paseando en Viena, desvelando detalles de ti, lo mas trascendental y tambien lo mas absurdo, aspectos, anecdotas. Estás revelando tu vida a un desconocido que poco a poco se quita la etiqueta de desconocido.

Antes del Amanecer fue una agradable sorpresa en su estreno, y los críticos aunque no la despedezaron no valoraron del todo la peripecia de estos dos jóvenes, y creyeron que era ir demasiado lejos al calificarlo de "film generacional". Pues, vista hoy, yo creo que si, que esta pelicula representa a la perfección las inquietudes de la juventud de los 90. Además juega con mucha gracia al presentar a una europea y un americano como protagonistas.

Y es tambien una bella historia de amor que destaca por la esponteaneidad de sus dialogos, situandóse en una linea cercana a Woody Allen, pero lejana, imprevisible y con dos actores Hawke y Delpy espléndidos en sus actuaciones, logrando una naturalidad increíble nada forzada. Richard Linklater dirige la camara con fluidez, consiguiendo un tono íntimo pocas veces visto en el cine, gracias a una dirección que apuesta por la sencillez narrativa y es que la virtud como pocas veces pasa en el cine, surge de la mas simple sencillez.


En definitiva, esta película se hace un lugar en los corazones de los cinéfilos gracias a una real y a la vez mítica love story de dos seres comunes y especiales. Una película inolvidable.

Puntuación.: 9.

EL JURAMENTO : Cebos, pescadores y peces

El Juramento.
(The Pledge, 2001).
D.: Sean Penn.
G.: Jerzy Kromolowski y Mary Olson Kromolowski segun la novela El cebo de Frederic Durhmann.
I.: Jack Nicholson, Patricia Clarkson, Robin Wright-Penn, Aaron Eckhart, Costas Mandylor, Pauline Roberts, Tom Noonan, Michael O'Keefe, Sam Shepard, Vanessa Redgrave, Benicio del Toro, Mickey Rourke.
Duración.: 118 minutos.


Tercer trabajo cinematográfico de Sean Penn que muestra un gran domino de la técnica como cineasta. Se trata de una nueva adaptación de la novela de Frederic Duhrmann. La historia sigue los pasos de Jerry Black un detective que horas antes de jubilarse descubre el cadáver de una niña, y jura a su madre encontrar al asesino.

El inicio de El Juramento es inmejorable. Penn se encuentra a gusto, y crea una estupenda atmosfera para empezar a narrar lo que promete ser un sereno e inteligente "thriller". El problema viene durante el trayecto, donde cae en lugares comunes, vamos a ver tópicos que ralentizan demasiado la acción y lo convierten en un film de paisajes donde la tensión propia del género aparece en varios momentos. La sorpresa viene dada gracias a un imprevisible y estupendo final que redondea lo que podria haber sido un thriller mejor.


El principal problema de El Juramento es que la historia tras su arranque la historia crea un clima, y se desplaza. La mitad de la pelicula transita y no sabemos hacia donde.

Por el contrario tenemos una bella fotografía, una buena labor de Penn y unas espléndidas interpretaciones. Un contenido y sosegado Jack Nicholson, y el resto del reparto está a la altura de este as. A destacar Benicio del Toro y Mickey Rourke que resuelven con especial brillantez sus dos papeles.


En definitiva, un interesante y sereno thriller que me recordó mucho a los realizados en los 70 y los 80. Podría haber llegado a cotas mas altas, no obstante no hay que pasar por alto el talento de Penn que va mas alla de ser un gran actor.

Puntuación.: 7,5.

MANHATTAN :Urbanitas sin remisión / "Me divorcié de mi mujer porque me dejó por otra mujer"

Manhattan.
(Manhattan, 1979).
G y D.: Woody Allen.
I.: Woody Allen, Diane Keaton, Mariel Hemingway, Michael Murphy, Meryl Streep, Wallace Shawn.
Duración.: 101 minutos. Blanco y negro.


Vivir en Manhattan. Ah.... Y enamorarse. Pero allí todo es diferente. O al menos eso es lo que nos ha hecho creer Woody Allen, el sociólogo moderno de las filias y las fobias del Nueva York del último tercio de siglo. Pero es que resulta que fue mucho más allá.

Por Manhattan ya se puede tener otra cosa por la que merezca vivir, sólo por su sentido del humor y por acordarnos de "Van Gagh, Van Gagh" con cariño.

Manhattan es la hermana mayor de Annie Hall porque resulta otra obra fundamental (en mi vida, en la carrera de Woody Allen , en la nostalgia de los cinéfilos) y es mayor porque su complejidad resulta mas densa, sin ánimo de subestimar el otro film. Antes de rodar esta, hay que recordar que Allen ya experimentó con el drama con Interiores y decidió dar una brillante estructura dramática a la película. Hay por supuesto un evocador blanco y negro, y frases míticas en cada secuencia. Estamos efectivamente, ante un clásico.

Woody Allen crea en sus películas una sensación de esponteaneidad única. Su estilo narrativo nunca parece activo, ya que parece un film espontaneo debido a la agilidad de los dialogos, a la magnífica dirección de actores y a un tempo narrativo que solo él sabe imprimir a sus obras.


Con Manhattan encontramos una magnífica comedia de costumbres, que además analiza la complejidad y extrañez de la mayoría de las relaciones humanas, basandóse principalmente en el amor. La mordacidad de los dialogos y el sabio guión, que no obvia algun que otro simpático guiño ( a la mítica Casablanca) apoyados en una espléndida fotografía de Gordon Willis en un blanco y negro sobrecogedor, y el más que brillante uso de George Gerswhin regodean una obra que muestra las debilidades de Manhattan a la par que la belleza urbana de Nueva York. Además hay una profunidzación en los carácteres de los personajes que conocemos solo por sus dialogos y actos, encima llevados con un estupendo sentido del humor todos ellos.

Tras el visionado del film queda un sabor agridulce, triste , pero con cierto sabor a espreanza. Allen nos hace reír mucho pero eso no va hacer que caiga en los lugares comunes ni tampoco en los tópicos y mucho menos en un vulgar happy ending forzado. La sobriedad del final, rematada con otra bella vista de Manhattan dejan boquiabierto a cualquier cinéfilo de pro.


Estamos ante (quizás) su mejor película. O al menos ante la mejor postal de Manhattan que mejor radiografia a su gente sin desmerecer la inmensidad de su paisaje. Lo dicho, y remato.: un clásico.

Puntuación.: 10.

LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO : Jeunet en estado puro

Largo domingo de noviazgo.
(A very Long Engagement / Un long diamanche de fiançailles, 2004)
D.: Jean-Pierre Jeunet.
G.: Jean-Pierre Jeunet y Guillaume Laurant; basado en la novela de Sébastien Japrisot.
I.: Audrey Tautou, Gaspard Ulliel, Dominique Pinon, Marion Cotillard, Jean-Pierre Becker, Clovis Cornillac, Jean-Pierre Darrousin, Julie Depardieu, Jodie Foster, Jean-Claude Dreyfus, Andre Dussolier, Dominque Bettenfield.
Duración.: 128 minutos.


Jean-Pierre Jeunet se delató en Amelie además de ser un portento visual, que funcionaba bien en solitario tras el encargo de Alien Resurrecion pues tejió un bonito cuento de hadas moderno. Pues, esta película viene a ser una continuación estilisitca y temática de Jeunet. En estado puro. Pero con sus defectos, achacados a la narración principalmente.

Es un film que transmite magia, un romanticismo que puede rechicnhar y hay algunas escenas emocionantes. Repite con una espléndida Audrey Tautou, que interpeta a Mathilde, una joven esperanzada de que su novio está vivo. Para ello, corre viento y marea hasta llegar a él, sin perder la ilusión. También habla de la guerra, y hace un espléndido retrato de lo horrible que es, lo absurda y lo terrible que fue esa primera guerra mundial poco explotada en comparación a otros conflictos bélicos en el cine.

Visualmente Jeunet se vuelve a lucir. Una fotografía espléndida de Bruno Delbonnel, una gran música de Angelo Badalamenti crea una atmósfera de cuento a la par que cambia de estética para retratar la guerra directamente deprimente. Los contrastes visuales y los juegos de Jeunet son lo mejor de esta funcion, junto con el cast de lo mejor del cine francés actual contando con una recuperada Jodie Foster estupenda en un pequeño rol secundario.

Ahora, el problema de la película es un pequeño germen que ya empezó a detectarse en algun que otro segmento de su anterior film. La narración sufre varios baches y sobretodo hacia la mitad de la historia. Deja de sorprendernos, sufre baches de morosidad, altibajos..... Que hace que nos perdamos completamente de la trama y nos centremos tan sólo en su impagable atmósfera y apreciemos a las claras las virtudes de esta película.


Que nos queda, pues un bonito, muy bonito cuento de amor y guerra, horror y esperanza, que disfrutarán sin dudarlo todos aquellos que amaron Amelie.

Puntuación.: 7,5.

CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE : Delirios endulzados pop de olor a naftalina

Charlie y la fábrica de chocolate.
(Charlie and the chocolate factory, 2005).
D.: Tim Burton.
G.: John August sobre el libro de Roald Dahl.
I.: Johnny Depp, Freddie Highmore, Julia Winter, Annasophia Robb, David Kelly, Christopher Lee, Noah Taylor, Deep Roy, Helena-Bonham Carter.
Duración.: 115 minutos.


El útlimo Tim Burton, viene a ser el Burton mas festivo y descacharrante el de La gran aventura de Pee-Wee o Mars Attacks. Pero a mi este Burton se me ha indigestado. Lo encuentro una adaptación bastante infiel de Dahl, cuando detalles como el trauma infantil queda totalmente absurdo y no aporta nada. Pero créanme ojala fuera ese segmento con el gran Christopher Lee, lo peor del invento.

Para mi Tim Burton se ha excedido en su creación de un mundo excéntrico, extraño, y sin sentido, y tambien en identificar a este Willy Wonka como otro de sus inadaptados que pueblan su universo. Pues Johnny Depp está totalmente sobreactuado, sin transmitir ese toque siniestro que transmitía (SÍ) Gene Wilder en la anterior Un mundo de fantasía.

Pero en fin, no vamos a comparar esto con la anterior visión del libro de Dahl. Como film no funciona. Se ve a las claras. Hay aciertos pero esta sobredosis de chocolate se me ha indigestado y mucho. Me da una pena, porque yo soy admirador de Tim Burton. Claro que me gustó su estética de Mars Attacks pero yo le tenia una auténtica urticaria a su debut con Pee-Wee.

Aquí reincide en ser alegre y eso a mi me da igual, el problema es que el film tiene una narracion bastante exasperante que llega a empacharnos con tanta excentricidad, tanto al sufrido adulto como a un niño que por suerte se puede refugiar en su chocolate. Los números musicales de los Oompa-Loompa no ayudan a hacer mas llevadera la película, la verdad.

Habra quien la considere una joya psicotrónica, y este hombre se lo pasará en grande, pero a mi este delirio endulzado con una moralina familiar obligada pero sobrecargante, y toques realmente pop (guiños a 2001, Psicosis y alguno más, pasados por el turmix Burton) no me acaba de convencer principalmente porque el film no es más que una auténtica "desarticulización narrativa".

No entiendo que la gente critique a Sin City por ser hueca y "no-narrativa" (por tener un ritmo no habitual al cinematográfico) cuando este pretendido cuento es realmente mecánico y la historia pasa a un plano aborrecible. Por supuesto la crítica ha abierto sus brazos cálidamente al bueno de Tim, aunque a mí me parece que entre esto y el fiasco con sus primates queda poca distancia.

Una crítica a los niños malcriados ( y a sus padres ) y algunas escenas pop de encanto, además de una envoltura salvan del naufragio total de la película, pero no la llevan a flote. De hecho Charlie y la fábrica de Chocolate tiene un gran inicio que hace presagiar lo mejor, pero después se pierde en su mar de chocolate, dulces, fuegos artificiales y demás imagenes, combinadas con las rarezas elevadas del director. Añoro al Burton más tétrico y espero que The Corpse Bride sea la "buena" de este año, así le perdonaremos este gran deliz.


En contra el desinteres que se presta a la historia, la "santificación" de Freddie Highmore en niño perfecto , Depp sobreactudisimo, insertos del guion absurdos y un final que queda bastante tonto. Para niños de 3 a 6 años que disfruten con los Oompa-Loompa. Los padres, mejor que se abstengan.

Puntuación.: 4.

PD.: En THE BOB el siempre acertado Ryu vuelve a obsequiarnos con una estupenda revisión del film.

CUENTOS DE LA CRIPTA: MADHOUSE (2004)

Madhouse.
(Madhouse, 2001).
G y D.: William Butler.
I.: Joshua Leonard, Jordand Ladd, Lance Henriksen, Natasha Lyonne, Leslie Jordan.
Duración.: 86 minutos.

Una entretenida película de horror que cuenta con una estética heredada directamente del videoclip gótico y unas cuantas buenas secuencias "gore".

William Butler, actorzuelo de Series B de terror como Viernes 13 y demás, da un salto a la dirección mezclando varias películas esenciales del género, y haciendo algun homenaje majo a Sean S. Cunningham, el director de la primera historieta de Jason Voorhes, cuyo apellido no por casualidad da nombre a la institución donde transcurre el meollo: Cunningham Hall.

Después Butler toma como referencias a El silencio de los corderos, La parada de los muertos, Dark Water, Alguien voló sobre el nido del cuco y El resplandor, es decir que cae en bastantes lugares comunes sin demasiada discrección.

Los actores estan muy ajustados a sus papeles, y hago especial mención a todo su reparto que a pesar de no haber nadie de peso, los aficionados disfrutarán con la presencia de Lance Henriksen, un mito de la serie B, al que muchos reconoceran como el inolvidable androide Bishop de Aliens entre otros muchos papeles vinculados siempre al cine fantástico y terrorífico.

El problema de Madhouse, es que el final no corresponde mucho con lo visto anteriormente. Además tomando tantos referentes, ni siquiera se han molestado en darle una entidad metafílmica al film (como hace con sus referentes la genial Kill Bill) o de homenaje en clave sarcástica (Scream que también proponía un inteligente juego con el espectador), vamos que queda un resultado mas bien vacuo e inerte, hecho según las modas.


Se queda en muy entretenido y eso en el panorama actual del cine de horror no es poco.

Puntuación.: 5,5 .

PD.: En el blog - hermano http://thebobofbrothers.blogspot.com/ el gran Ryu hace una estupenda revisión del film. Además un articulo sobre la fiebre de la productora LIONS GATE en el mercado del cine horror hecho por 1 servidor.

EL ÚLTIMO HOMBRE,: El último gran film de Hill

El último hombre.
(Last Man Standing, 1996)
D.: Walter Hill.
G.: Walter Hill inspirado en el argumento de Yojimbo de Akira Kurosawa y Ryuzo Kikushima.
I.: Bruce Willis, Christopher Walken, William Sanderson, Alexandra Powers, Leslie Mann, Bruce Dern.
Duración.: 94 minutos.


Cuanta grandeza respira esta versión de Walter Hill de su peculiar Yojimbo. Con un pie en uno de sus maestros ,Peckinpah, y el otro en Leone, Hill narra como nadie. Sabe crear climas de violencia auténticos. En el fondo toda su filmografía es un irrespirable western de gotas noir.

Ahí tenemos Límite : 48 horas o The Warriors. Este film, fue por desgracia ,su última obra redonda, épica y coherente. Es una historia de genuino sabor "pulp" narrada con tal vigor y gracia que es imposible no apreciar sus virtudes. Poblada por tipos duros, El útlimo hombre es uno de los mejores espectáculos que he presenciado en mi vida.

A un pueblo de la frontera de Jericó, llega un hombre llamado John Smith con un pasado oscuro a su espaldas. Dos bandas enfrentadas, y ganas de sacar el dinero. Básicamente el argumento de la genial Yojimbo ya reciclado en la no menos genial Por un puñado de dólares.


Deconstruyendo estos mitos, tomando como arquetipos con personalidad los personajes, conseguimos un film sugestivo. Pero si además le regodeamos de esos climas de violenta tan axfisiantes, emocionantes y epicos, que sólo Hill sabe crear nos encontramos ante un gran film. Además uno disfruta con la narración en off de su antiheroico protagonista. La fotografía retrata muy bien el escenario polvoriento y axfisiante del pueblo , la música de Ry Cooder estupenda, y el duelo entre Christopher Walken y Bruce Willis es único.


El último hombre es la confirmación de la maestría, nunca reconocida ni vista del maestro Hill, un experto en hacer cócteles de géneros para crear su peculiar visión del western. Nunca es casualidad que Peckinpah fuése su maestro. Imprescindible.

Puntuación.: 9.

SIN CITY " SIN Palabras "

Sin City
(Frank Miller's Sin City, 2004)
D.: Robert Rodríguez y Frank Miller.
I.: Bruce Willis, Mickey Rourke, Clive Owen, Jessica Alba, Brittanny Murphy, Elijah Wood, Devon Aoki, Alexis Bledel, Rosario Dawson, Michael Madsen, Powers Boothe, Rutger Hauer, Nick Stahl, Josh Hartnett, Marley Shelton, Carla Gugino.
Duración.: 125 minutos.


Una perla. El film de Robert Rodríguez es una auténtica obra de arte. Para verlo, hay que desprejuiciarse. Robert Rodríguez es cierto que siempre promete más de lo que da y eso puede echar atrás a los cinéfilos, pero esta vez teniendo en cuenta que lo mejor que ha hecho es Abierto hasta el amanecer y The Faculty estamos, ante al fin, su obra cumbre.

Hay que aclarar varias cosas. Sin City no es la sustituta de Pulp Fiction. La estructura puede recordarnos a aquella, y los objetivos estéticos son parecidos pero se distancian bastante. No es casual que Tarantino dirija un pequeño fragmento y que en el film respire ese aire "Tarantiniano" al ver tipos soltando frases ingeniosas enmedio de situaciones límite.

El cómic de Miller es considerado con razón una revolución y goza de prestigio bien merecido. Pues ésta película logra transmitir las mismas sensaciones que se tienen al leerlo, sensaciones que sentí al ver Calles de Fuego otra obra maestra de sabor netamente pulp pero filmada en los 80 por un inspiradísimo Walter Hill. Es injusto que sea infravalorada por la crítica ya sea por su excesiva fidelidad o por estar dirigida por quien está. Lo mismo le pasó a la obra de Hill que nadie apreció que era una narración cercana a la historieta, y Sin City fusiona el cine con la historieta, consiguiendo otro ritmo y una película diferente a todo lo visto antes. Una narración vanguardista envuelta en unas 3 historias magníficamente unidas, con un uso espléndido de las voces en off (que evitan toda confusión al espectador) y de un uso de la tecnología muy debido.

Una de las cosas en que la crítica ha sido más unánime es con el trabajo actoral, que aparte de ser una reunión actoral impresionante su trabajo en el film es poco menos que excelente. Convierten en mitícos sus personajes, en icónicos, en símbolos. Les dotan de carisma. Y hablamos de todos. De un Bruce Willis contenido y maravilloso. De una Jessica Alba que va más allá de un sensual baile que deja huella. De un Mickey Rourke recuperado y que nos dejará con la boca abierta interpretando a Marv. De todos los actores que componen los personajes y resaltan la violencia y el erotismo dos elementos muy presentes en el comic y en la obra. Sin embargo ambos estan estilizados de tal manera que no resulta pesado ni brusco el uso de éstos. Se administran con inteligencia y hay elipsis cuando toca.

Otra cosa es que ver la película es una experiencia única. Tiene un estilo como el del cómic, unico e intransferible. Recuerda especialmente a lo que pretende homenajear, el film y la estética noir y es por este homenaje que confecciona este aspecto realmente innovador a todos los niveles visuales. Vamos que es una maravilla visual, a pesar de que la crítica la califique de desangelada se trata de uno de los films más atractivos visualmente de la historia del cine, sea por sus fondos digitales, por su look en blanco y negro o sus juegos cromáticos con el color que parten de un apunte que Miller ya hizo en el cómic, pero Rodriguez lo aumenta haciendo todavía mas sugerente la propuesta.


Pero además cuentan con un material de altura. El duro adíos, La gran masacre, Ese cobarde bastardo y el relato corto El cliente siempre tiene la razón son las escogidas para dar vida a esta película que recrea con eficacia una urbe situada en la imaginacion , pero totalmente siniestra y salvaje. Otro aspecto es que es un fim salvaje y depravado, y aunque el blanco y negro reduce el menor impacto de la violencia hacia tiempo que no se veían films tan adultos en contenido.

En resumidas cuentas es un film de emociones puras y desbocadas que se dan lugar en 3 historias del último tipo duro y la última mujer fatal, que se hunde en los humos de Bogart y en los de Mickey Spillane a la vez creando una de las obras maestras más sugestivas que ha dado el cine en mucho tiempo.


Para ver una y otra vez, recomendada para todos aquellos perdedores que amen las viejas peliculas de antihéroes, y héroes, perdedores, para amantes del cine de Tarantino, de la obra maestra de Miller..... en definitiva para todos aquellos que conserven una sensibilidad especial para ver el cine. Sin City te deja acribillado en la butaca por la continua sucesión de imagenes y ritmo frenético. Sino la has visto, no sabes lo que se siente.

Puntuación.: 10.

"LA ISLA ", el mejor Michael Bay y la peor recaudación de su carrera

La Isla.
(The Island, 2005).
D.: Michael Bay.
G.: Caspian Tredwell Owen, Roberto Orci y Alex Kurtzman segun una historia de Caspian Tredwell Owen.
I.: Ewan McGregor, Scarlett Johansson, Sean Bean, Djimon Honsou, Steve Buscemi, Michael Clarke Duncan.
Duración.: 127 minutos.


Por sorprendente que parezca, La Isla es posiblemente el mejor trabajo de Michael Bay desde los mejores minutso de Armageddon o la sobrevalorada La Roca. Dentro de lo que cabe, esta es una entretenida cinta, obviamente previsible pero que obvia el patrioterismo mas espantoso y no se dilata tanto como la horripilante Dos policías rebeldes 2 una de las películas mas espantosas y horribles de toda la historia del cine.

Personalmente Bay me parece un tipo de estilo mareante pero aquí continua con lo mismo pero al menos la cinta tiene una excelente idea inicial y un gran inicio. Después como es obvio, Bay se va a lo suyo persecuciones largas, explosiones, y mucho ruido hasta llegar al final feliz.

Los personajes son demasiado planos, y los únicos verdaderamente interesante son héroe y villano, el clon Lincoln 6 Echo y el malvado doctor Merrick (clásico "mad doctor" jugando a ser Dios). Correctas interpretaciones pues de Ewan McGregor y Sean Bean (demasiado encasillado en roles de villano, a pesar de ser de lo mejor de la función). Scarlett Johansson esta bellisima como es habitual, pero su personaje es en exceso plano a pesar de no actuar nada mal. Buscemi repite su papel de gracioso, y Djimon Honsou hace otro buen trabajo.


En definitiva, es curioso que La Isla sea el primer fracaso en la carrera de Bay teniendo en cuenta que es su mejor película. Tampoco seremos exagerados, es una pelicula entretenida, previsible, de gran idea que se desinfla a los 45 minutos para dejar paso a la publicidad (bueno, está presente )descarada y al ruido estruendoso acompañado de una musica no menos agotadora. Pero esto en el cine Bay es positivo. Me quedo con la parte de las motos voladoras (extraídas del Retorno del Jedi) de la larga persecución.


A uno le queda la intriga de como seria el film si lo hubiese dirigido Steven Spielberg u algun otro director con cierta maestría para esta temática y que explorase temas como la ética, o los dilemas existenciales de los clones con mas profunidad. Una pena de idea pero un correcto entretenimiento.

Puntuación.: 6,5.

POSTALES DESDE NEW YORK

Regresar de Nueva York es una mezcla de euforia y melancolía, como bien me aconsejan mis amigos.

Al volver uno siente la necesidad de transmitir esa grandilocuencia, la belleza del enorme caos que se respira en cada acera, el entender el famoso "mal de allen" y el amor de Woody y otros por la ciudad que nunca duerme. Todo el arte del mundo no compensa la fascinación urbana que causa esta ciudad de arquitectura perfeccionista y perpendicular.


Y ahora, he aquí un recogido de las mejores postales de New York, es decir las cinéfilas que se intentara que el producto este a la calidad de la ciudad.

-Manhattan.
Una declaración de amor a Manhattan, servida por Woody Allen.

-New York, New York.
Homenaje a la ciudad por otro autor, el gran Martin Scorsese.

-Cuando Harry encontró a Sally.
Rob Reiner, Nora Ephron, Meg Ryan y Billy Crystal. Y un Nueva York de precioso fondo para esta inolvidable historia de amor.

-Uno de los nuestros.
Scorsese y la mafia neoyorquina. Una obra maestra impresionante.

-Algo para recordar.
La romantización de Nueva York, en especial del Empire State. La mejor pelicula de Nora Ephron.

-Spider-Man 2.
Una muestra mas de la variedad de registros que ofrece NY. Ademas un excelente film de superheroes superior a la primera entrega en todos sus aspectos.

-Taxi Driver.
Otra visión de Nueva York bastante deprimente y sombría. La pelicula, es un mito.


En fin, eso es todo por hoy.