Flores Rotas.(Broken Flowers, 2005).G y D.: Jim Jarmusch.I.: Bill Murray, Jeffrey Wright, Sharon Stone, Frances Conroy, Tilda Swinton, Jessica Lange, Julie Delpy, Chloë Sevigny, Mark Webber.Duración.: 106 minutos. Color.
Jim Jarmusch regresa a las pantallas demostrando que sigue en buena forma, con un genial y grandioso Bill Murray que demuestra que bajo su manta de microgestualidad e inexpresividad, se esconde la genialidad del mas sobreactuado de los actores. Esta contención en Murray, ayuda a acentuar ese acento de hombre desencantado que exprime en sus últimos trabajos. Es obvio que en un inicio este Don Johnston parece Bob Harris tras aterrizar de Tokyo, pero no es la misma película, y Don es un personaje bastante mas diferido, ya que se trata de un Don Juan desmitificado y atrapado en su soledad.La premisa inicial del film es sencilla y propone un viaje, que nos retrotrae similutdes con el cine de Alexander Payne, sobretodo con A propósito de Schimidt (en el viaje existencial que emprenden sus protagonistas) y Entre Copas. Un Don Juan entrado en canas y desencanto extremo, llamado Don Johnston, recibe via sobre rosa la noticia de paternidad. Y entonces emprende un viaje de reencuentro (aconsejado por un amigo obsesionado por las novelas de detectives) con estas cinco flores rotas (sorpresas incluidas).Pero lo importante para Jarmusch no es esta trama detectivesca que solo sirve de excusa. Sino el magnífico retrato que hace del personaje protagonista. El film es frío y conceptual, y su humor es muy marciano (lo normal en Jarmusch). Abundan los silencios largos. Y este film habla del tempsu fugit, de como el paso del tiempo parece demacrarnos a todos. Desde el escepticismo enfermizo que derrochan todas las miradas de Johnston, hasta la amante hippy convertida en vendedora pro-liberal. Es un film con el que cuesta entrar. Esta rodado desde la extrema sutileza, y Jarmusch homeanjea a sus maestros, Yasujiro Ozu y Robert Bresson. Es decir, estamos ante el cineasta de siempre, y la presencia de Bill Murray, no lo cambia , y sigue siendo el mismo cineasta de Stranger than Paradise (obra con la que directamente se entronca). Muchos dirán que parece Lost in translation pero es aburrida. Pero hay que tener en cuenta, que es Sofia Coppola la que se ha dejado influenciar por Jim Jarmusch, y su cine tiene mucho de él ( y no al revés). Pero Coppola tiene una voz propia. Y Jarmusch también off course. Eso sí, es una película notable, aunque la idea no termina de acercarse a la obra maestra.
El final está muy logrado. Permite que cada uno de nostros saque conclusiones. Pero una cosa está clara, para Don Johnston el tiempo ha pasado ya, y esa soledad que rodea toda su vida no se la va a curar nadie.Puntuación.: 8,5.
La vida secreta de las palabras.(The secret life of words, 2005).G y D.: Isabel Coixet.I.: Tim Robbins, Sarah Polley, Javier Cámara, Steven Mackintosh, Sverre Ankel Ousal, Eddie Marsan, Christine Inge, Daniel Mays, Dean Lennoxx Kelly, Danny Cunningham, Leonor Watling, Julie Christie.Duración.: 120 minutos. Color. 
Tras la muy bella Mi vida sin mí, la cineasta española Isabel Coixet insiste en volver a su cine, basado en las soledades que se topan en una vida cotidiana sin fisuras, y en la relectura de apariencia indie de estructuras muy clásicas. Esta sensación era un tanto ligera en su anterior film, pero aquí se hace ya obvia.La historia que nos propone es clásica aunque no típica. Una enfermera al cuidado de un lisiado. La directora limita el espacio (la petrolífera) y el tiempo (unas semanas) para crear así una clásica historia de "breve encuentro" y amores fugaces entre confidencias. Es obvio que entre enfermo-enfermera surgirá una relación profunda, pero cabe señalar que el mayor acierto de éste film es no caer en las cursiladas varias a las que nos tiene acostumbrados lso films de Hollywood. No hay amores eternos. Ni personajes excesivamente bondadosos. El hecho de que repita Sarah Polley o me puede parecer más adecuado.Sarah Polley encarna a un personaje lleno de carencias afectivas que no se desvelarán hasta el final. Y es que es la idónea para encarnar a un personaje que se aleja de cualquiera de los prototipos de enfermera vistos en el clásico esquema usado por su autora. Su personaje es una enfermera ejemplar, pero se niega a dar rienda suelta a sus emociones. Evita los tópicos. El otro pilar en el que se sostiene el film es el enfermo que encara su situación con inusitado humor (que conmueve inevitablemente al espectador) y que está encarnado por un excelente Tim Robbins.Pero Coixet no descuida, ni mucho menos a los otros secundarios . Todos los que pueblan la petrolífera resultan impagables. Todos ellos son personajes muy parecidos y muy distendidos y distantes a la vez. ¿Acaso no comparten todos esa soledad que se acentua enmedio del mar? Incluso topamos con un oceanografo que mide las olas (28.000) como la esperanza. Y Javier Cámara hace una muy loable composición. De hecho Coixet tiene un innegable don para crear atmósferas muy especiales y diálogos de una inusitada verosimilitud y credibilidad. Y eso se agradece. El desarrollo del film transcurre segun su esquema y ofrece momentos muy duros y otros muy bellos, y se presenta como un viaje introsectivo a su protagonista femenina. Aparte de algunos tics indies bastante molestos (alguna referencia demasiado forzada) , hay una grandiosa y excelente banda sonora que hace un gran uso de las canciones, en especial de Hope there's someone de Anthony and The Johnsons y All the world is green de Tom Waits.
Sin embargo le falta algo al film para convertirse en algo tan sorprendente como su film anterior. Aún asi el resultado es una bella y tierna historia de amor entre dos personajes paralizados por esa soledad que siempre surge de la tragedia. Lo cual, no es poco. Aunque no suficiente para llegar a cantar la obra maestra de la que todos hablan.Puntuación.: 8,5.
Coffee & Cigarettes (2003) G y D.: Jim Jarmusch.I.: Roberto Benigni, Steven Wright, Cinque Lee, Joie Lee, Steve Buscemi, Iggy Pop, Tom Waits, Joe Rigand, Vinny Vella, Vinny Vella Jr. , Renée French, E.J. Rodríguez, Alex Descas, Cate Blanchett, Jack White, Meg White, Steve Coogan, Alfred Molina, GZA, RZA, Bill Murray, Bill Rice, Taylor Mead. Duración.: 96 minutos. Blanco y negro.
Para ver Coffee & Cigarettes hay que tener las nociones básicas de la trayectoria del cineasta Jim Jarmsuch, ya que su película precedente a la muy inteligente (e incomprendida como es obvio) Broken Flowers es en realidad un testimonio de toda la obra de un cineasta. Un inteligente proyecto que viene a recopilar todos sus logros. Es decir, que para los desconocedores de la obra de Jarmusch, la película será un chiste privado que no han cogido (lo cual, es hasta cierto punto verdadero).Pasando a los valores estrictamente cinematográficos, el film presenta todas las características jarmuschianas de pro unidas en una serie de cortos donde el elemento común son el café y los cigarrillos. Y el film viene a ser un sketch que complementa el momento determinado en que fue rodado.
El ejemlo mas claro de esto es el corto inaugural. Strange to meet you que fue rodado en los 80, con Roberto Benigni incluido. Es una conversa entre él y un Steven Wright que parece extrañado en un lugar extraño. Es el estilo Jarmusch. Es moroso y su humor es tan marciano que es muy díficil entrar en complicidad con él. Los personajes que deambulan por los siguientes cortos, tienen la misma peculiaridad, todos son muy eclécticos y nunca parecen dispuestos a convesar (a todos se les acentua esa sensación de conversa forzada). En mitad, los cortos empiezan a referenciar a lo ya visto. Y el último cortometraje esta construido a partir de lo visto antes. Es decir, es un film muy sencillo y divertido. Una sucesión de gags que se tiene que ver con los ojos puestos en la fimografía del cineasta. Los actores estan geniales. Los cortometrajes que mas me han gustado, son el de los dos amigos (Alex Descas y Rennée French) y el de Bill Murray (Delirium) absolutamente divertido. El resto de cortos mantiene ese humor que descoloca y sorprende muchas de las veces. En uno de ellos Cate Blanchett interpreta un doble papel, y otro de los mas cómplices con el espectador más jarmuschiano o aficionado a la musica, es el de Iggy Pop y Tom Waits en el bar, en el que nos reiremos mucho. La dirección es a su estilo, planos fijos, pocos movimientos y mucho clasicismo.
Pues como he dicho es en cierta medida que se quiera ver un chiste privado, bastante ingenioso y el perfecto resumen de una carrera a través de testigos, que encima resultan graciosos. Originalidad no falta, aunque la cosa no pase a mayores. Puntuación: 7,5.
Adaptation. El ladrón de orquideas.(Adaptation, 2002).D.: Spike Jonze.G.: Charlie Kaufman segun la novela de Susan Orlean, El ladron de orquídeas.I.: Nicolas Cage, Meryl Streep, Chris Cooper, Tilda Swinton, Jay Tavare, Brian Cox, Litefoot, Roger Willie, Maggie Gyllenhaal, Ron Livingston.Duración.: 110 minutos. Color.
Y otra obra genial, genialísima, donde Charlie Kaufman, este genio, se desdobla, y se completa, todo para hablarnos de la adaptación. En ese sentido tan genérico. Nuestra adaptación. ¿Pero que es la adaptacion? ¿Quien es Charlie Kaufman? Un hombre de sentido del humor surreal, pero tambien habla de soledades escondidas. Si si, efectivamente Kaufman esta junto a estos universos de microcosmos de soledades de papel, que tan bien han retratado Sofia Coppola, Wes Anderson, Alexander Payne, y demás. La particularidad es que cada uno lo hace su manera. Y Kaufman es mucho Kaufman. Y encima Spike Jonze es un director poco menos que magnífico, que combina recursos visuales y sonoros, proviene del videoclip, pero ¡ah! GRANDIOSA DIFERENCIA. Este hombre no es Tony Scott y no tiene problemas de parkinson o epilepsia, y lo que hace es utilitzar algun que otro truco visual propio del ídem, no estructurar el film como si se tratara del último video de un grupo de rock desbocado. Para empezar esta crítica, Kaufman es mucho Kaufman. Si ya lo he dicho. Pero van a tener ustedes que asimilar esto para disfrutar, si quieren, de esta gloria. Que si repitan conmigo. Kaufman es mucho Kaufman. Y primero, Adaptation esta plagada de una construcción autorreferencial. Él juega con la realidad y la ficción, las mezcla con un ingenio impresionante, y ademas hace que el humor varie en tragedia. Ah si. Y acaba bien un film que no acaba para nada bien. ¿Como es eso? ¿Como se entiende? Cuando la vean, me entenderan.
Bueno les voy a tratar de explicar la historia. Si , por el principio.... A ver yo soy un tipo modesto que... No, No... Hablemos de la película si. Pero ¿por donde empezamos? De acuerdo, ya lo tengo..... Susan Orlean era una periodista del New Yorker que publica una novela El ladron de orquideas sobre John Laroche excentrico hombre que robaba la orquídea fantasma. Entonces Charlie Kaufman crea su película. Y ahora pasemos a la ficción.:En la pelicula Susan Orlean pasa de ser la real, a la ficticia, y John Laroche, tambien, sobre base real es ficticia. Kaufman pasa a ser el protagonista y encima se inventa un hermano gemelo (que aparece en los creditos como guionsitas para seguir el juego del film). Pues en el film, Charlie debe adaptar un libro inadaptable al cine. Charlie es inseguro, y pasa por una crisis creativa que le deja en blanco. Entretanto Donald, su gemelo, lo opuesto a él, seguro, gracioso y algo mas simplón, empieza a escribir guiones. Bueno a partir de aqui, todo se complica. Y no sigo que no pienso desvelar nada. La pelicula es espléndida, ingeniosa, divertida, emotiva inclusive (la escena del pantano), pero sobretodo INTELIGENTE. Los actores brillantes. Desde un sorprendentemente sorprendente, contenido, y divertido Nicolas Cage, hasta unos sublimes Meryl Streep y Chris Cooper, que merecidamente se llevo su papel. Los giros del final, pueden desconcertar a mas de uno. Pero ojo, escuchen al parodiado/homenajeado Robert McKee.: No importa que la película tenga defectos, al final, al final sorprendélos, y entonces, saldrás ganando. ¿Quien es Charlie Kaufman? Un genio.
¿Que es Adaptation? Un magnífico ensayo sobre guión y vida. La vida en un guión. O un guión sobre la vida. Si, es un film grandioso, tambiénPuntuación.: 9.
Academia Rusmore.(Rushmore, 1998)D.: Wes Anderson.G.: Wes Anderson y Owen Wilson.I.: Jason Schwartzmann, Bill Murray, Olivia Williams, Seymour Cassel, Brian Cox, Luke Wilson, Connie Nielsen, Mason Gamble, Stephen McCole, Sara Tanaka.Duración.: 93 minutos. Color. 
Película que supuso la revelación de Wes Anderson tras la desconcertante Ladrón que roba a ladrón, y con la que la gente empezó a ver que se trataba de uno de los realizadores más personales y originales que tiene el nuevo cine independiente americano, y un creador de mundos muy personales.El cine de Wes Anderson se enclava dentro de la hornada (que no estilo) que supone la generación que componen Paul Thomas Anderson, Sofia Coppola, Charlie Kaufmann, y Alexander Payne, cineastas originales y creadores de singulares películas, todas ellas marcadas por una sutilidad y genialidad extraordinarias. Esto molesta a gran parte de público y crítica, que se niega a admitir de que los creadores "underground" siguen siendo Kevin Smith y Tim Burton, cuando tiempo hace ya, que ambos , perdieron aquella chispa de sus principios y han perdido toda aquella aureola que les rodeó a ambos. Aunque Burton ahora ya cuenta con un respaldo completo de publico y crítica y se erige en el creador mas sobrevalorado de Hollywood, cabe decir que todavía puede tener algo interesante que contar en Corpse Bride aunque parece haber iniciado una linea a la reiteración insostenible .En cambio, tan sólo la critica internacional parece ser la unica que apoye en su justa medida a Anderson un cineasta insobornable, y cuyas peliculas se caracterizan por el equilibrio de formas que consigue en ellas, arriesgandóse siempre, nunca decantandóse por apuestas faciles. Es por ello que es criticado tan frecuentemente, por un publico poco acostumbrado a ver films diferentes que no vengan prefabricados desde Hollywood. Lo que nos encontramos aquí es ante de una de las mejores películas que he tenido ocasion de ver. Es un film genial, y por ello, díficil. El film puede resultar un tanto apatico, pero si uno entra de lleno en su juego de ambiguedad se va a encontrar ante la mas rotunda de las peliculas sobre adolescentes, y que tendria que ser obligatoria para muchos, que no entienden el universo que rodea a esta etapa cuanto menos, díficil en la que uno tiene la laboriosa faena de formar su propio caracter, y esto no siempre es facil de asumir.La historia que narra es la de Max Fischer, estudiante de la elitista escuela Rushmore, que es uno de sus peores alumnos a la par que preside muchos clubs, entre ellos el del teatro. Se enamorará de una profesora de allí, la señorita Cross, y entablará una curiosa relación con Herman Blume uno de los mayores accionistas de la escuela, un millonario amargado. Pronto Blume y Fischer rivalizaran por Cross. Esta historia que puede parecer un tanto absurda, pronto se revelará como genial. La descripción que hace Anderson de sus personajes, auténticos outsiders en un mundo que no logran entender es genial. Eso se facilita gracias a las grandiosas interpretaciones de todo el reparto. Jason Schwartzmann es la revelación, y esta estupendo como Max Fischer, al que dota de humanidad y carisma, y Olivia Williams consigue hacer adorable su personaje, de la fragil señora Cross. Y que decir del inconsumerable y grandioso Bill Murray, pues que dota de una personalidad increible a su Heman Blume, personaje desencantado que ha perdido el rumbo completamente entre tanta miseria de dinero. Fischer y Blume podrian ser la misma persona en distintas etapas. Por algo quizás se enamoran de la misma persona. Pero, es que el film tiene momentos geniales debido a su mezcla prodigiosa entre Salinger y Schulz, logrando un tono de comedia amarga perfectamente engranado.Y por aquí transita durante su metraje, con gags tan logrados como las obras de teatro de Fischer, y la descripcion de los personajes, y sus problemas existenciales. Anderson y Wilson articulan en su guion una dramaturgia perfecta, que engrana comedia y drama con una perfección nunca vista antes. Esa mezcla es tan sutil, tan imperceptible, que le resultará extraña al espectador medio que no se atreva a entrar en ella.Pero es que este Max Fischer mitad bastardo, mitad genio, tambien tiene una mitad de nosotros mismos. Su periplo no es otro que el del primer amor, y con ello, la primera renuncia. Y es que esta película habla siempre con una triste sonrisa dibujada en sus protagonistas de los sueños frustrados que rodean nuestras vidas cotidianas. 
Por si lo dudaban, una obra maestra que encuentra su sonido perfecto en la mejor música pop. John Lennon, Cat Stevens, y la inolvidable Oh La La de Faces que cierra el film en uno de esos finales que permanecen imborrables en la memoria del espectador.Puntuación.: 10.
Match Point.(Match Point, 2005). G y D.: Woody Allen.I.: Johnathan Rhys-Davies, Scarlett Johansson, Emily Moritmer, Brian Cox, Matthew Goode, Penelope Wilton, James Nesbitt, Alexander Armstrong, John Fortune, Ewen Bremner.Duración.: 123 minutos.
Lo llevo anunciando desde Todo lo demás. Woody Allen empezó en este film una nueva base de transición hacia un nuevo camino de obras trascendentales. No creo que fuera un camino forzado, sino algo propio del artista, y de alguien como Allen que siempre experimenta. Todo lo demás era un film de transicion, el realizador empezaba ya a separarse de la sana época de films menores (que no malos) que habia realizado. Y con la narrativa caleidoscopica de Melinda y Melinda ya nos dejó ese sabor al viejo y sabio Allen. La diferencia es que aquí lo consigue. Vaya si lo consigue. Match Point es un film genial, tanto como lo son Hannah y sus hermanas, Otra mujer, o Manhattan o Delitos y faltas. Es decir, una de sus obras maestras absolutas e indiscutibles. De lo mejor de su filmografía. Estamos ante un logro que esperemos volver a ver repetido. Aunque continuemos, con esta linea coherente en su filmografía que ha abocado en esta maravillosa cinta, que cuando termina, uno desea volver a ver, y a escuchar. Woody Allen necesitaba un cambio de aires radical, volver a reinvetarse, algo que hace con éxito cada cierto tiempo. Lo consiguió con Balas sobre Broadway y tambien con Desmontando a Harry sin embargo la línea de comedias menores rodadas durante los 90, excepto éstas, le provocaron ya una busqueda de nuevos retos.Londres, y una tragedia han sido el recambio ideal, para que este sabio realizador neoyorquino descarge su basicamente, historia y preocupaciones similares, de linea misantrópica, apuntadas con Delitos y faltas (de hecho hay mucho en común con este film, que en parte, ejerce de borrador). Sin embargo el cuarto y completo drama de Woody Allen es diferente. Su amplia experiencia, le ha permitido, realizar una sutil tragicomedia, narrada con una elegancia irónica ejemplar. Ha agarrado muchos de los lugares comunes del género negro, para concretar, elementos propios de un film de Hitchock o de una novela de Highsmith (Hitchock + Higsmith, efectivamente hablo de Extraños en un tren ), y los ha utilizado a su antojo. Y encima con un reparto cuanto menos impecable. Un Jonathan Rhys-Meyers, impecable como el protagonista, Chris Wilton, y una Scarlett Johansson arrebatadora como un personaje tan propio de Allen (y tan profundo) como es Nola Rice, una femme fatale, que tiene mucha entidad psicológica. El resto de los actores, tambien excelentes. Todos ellos bordan a una clase alta burguesa, tan superficial como fuera de la realidad. Como siempre el neoyorquino, realiza una direccion de actores impecable y con un equipo tecnico increible. Y de eso en parte habla el film. Chris Wilton, profesor de tenis recien llegado a Londres, quiere abrirse paso en la burguesia acomadada londinense, y tras conocer a Tom Hewett y a su hermana, Chloe, este camino se allana. Por supuesto todo se complica, al conocer a la novia de Tom, Nola Rice, por la que surge un magnetismo increíble. Los personajes estan muy elaborados, y todos ellos destacan por su verosimilitud. Especialmente fascinante son Wilton y Rice, y sus en principio caracteres similares, todos resaltados por las lecutras de Wilton (Crimen y castigo de Dostoievski ) y sus buenos gustos musicales (Allen canvia la ligereza comedida del jazz clásico, por el trágico y excelente sonido de las operas de Verdi). Nada de esto es arbitrario en Allen. Hay muchas cosas que decir sobre esta gran pelicula, que propone una estupenda reflexion sobre el azar en nuestras propias vidas, en definitiva, de la increíbles casualidades de la vida, y es que como se abre en la secuencia inicial , el protagonsita explica ejemplificiando al tenis, que todo depende del azar y es un elemento tan incontrolable que nos causa pavor y bien cierto es. Tambien habla de un mundo amoral donde la justicia no existe, y todo parece, justificable. 
Como la escena en que Tom se rie del pasado humilde de Chris, en una cena de alta burguesía. Pues por estos lares, anda la obra maestra de un Allen mas maduro y lúcido que nunca. Puntuación.: 10.
Balas sobre Broadway.(Bullets over Broadway, 1994).D.: Woody Allen.G.: Woody Allen y Douglas McGrath.I.: John Cusack, Chazz Palminteri, Dianne Wiest, Rob Reiner, Harvey Fierstein, Jim Broadbent, Jennifer Tilly, Mary-Louise Parker, Jack Warden, Tracey Ullman, Joe Viterelli, Debi Mazar.Duración.: 94 minutos. Color.
Se abre el telón. Los locos años 20, en la Gran Manzana, David Shayne, dramaturgo aficionado a charlar con sus amigos intelectuales en cafés del Greenwich Village, tiene una nueva obra teatral que está dispuesto a dirigir y estrenar. Julian Marx, encuentra un productor un tanto peculiar. Un gángster llamado Nick Valenti, que impone a su novia, Olive, en el reparto. Para cuidar de Olive, en los ensayos, Nick asigna de guardaespaldas a Cheech, un rudo y duro tipo. Y la función va a ser completamente imprevisible. Con esta magnífica historia que hubiese encantado tanto a Mankiewicz como a Wilder, Woody Allen teje una de sus mas ejemplares comedias, una exquisita obra maestra, donde todos brillan por su propia luz, en Broadway. Con un guión magnífico, cargado de unos diálogos divertídisimos e inteligentísimos, lleno de collejas tanto para él (David Shayne no deja de ser un trasunto del tipico alter-ego alleniano) como para un sistema, donde los productores siempre se imponen al creador (la colleja definitiva llegaría en Un final made in Hollywood), lo que Woody propone es una genial reflexión sobre el arte y el artista. Sobre este tema gira esta comedia, que no por ello, pierde ritmo ni garantía de diversión. Narrada con el habitual tempo alleniano, y perfectamente ambientada en los años 20, cada uno de los personajes es divertídisimos, y es otra de esas obras maestras de Allen (como La rosa purpua del Cairo) que mas gusta a los que no siguen su cinematografía, e incluso, que mas encanta (sorprendentemente) a los que son sus detractores. Quiza sea por su estupendo elenco de actores, desde un divertídisimo John Cusack hasta los descomunales Chazz Palminteri o Dianne Wiest. Como siempre bajo la batuta de Allen, todos lo bordan. Y con motivo, ya que una comedia dotada de esta exquisitez es díficil que disgute a los cinéfilos. El humor como siempre agudo e inteligente. Pero ahi viene lo mejor, el tema que trata y como lo trata. Lo que le preocupa a Allen, es el artista y su arte. Esta filosofía viene introducida por el personaje tan pretenciosillo que perfectamente encarna Rob Reiner, llamado Sheldon Flender, segun él el artista se crea su propio universo moral, e impone el arte a la vida.David Shayne, el protagonista, esta en busqueda continuada de ser un artista. Shayne además se sentirá atraído por la actriz Helen Sinclair (una magnífica Dianne Wiest encarnando a un divertídisimo personaje que tiene remedos de la Gloria Swanson del Crepúsculo de los Dioses) pero solo porque esta es una gran actriz, porque como vemos, interpreta incluso en su vida cotidiana. Eso es lo que le atrae.Shayne además descubre que es un artista, y que significa el arte. En el magnífico final, Allen que aunque en tono de comedia, teje un film que en tono serio podría haberse anclado en la línea de Septiembre, Otra Mujer o Interiores, dos protagonistas mueren por el arte. No los revelaremos, pero uno muere por considerar el arte como fama y gloria. Y el otro porque es un verdadero artista, el único creador, dispuesto a darlo todo (matar y morir) por su obra. 
Y se cierra el telón. Ante nuestros ojos ha pasado una obra maestra, que demuestra que Woody Allen aunque tenga algun que otro bache, es cada año mas sabio. Y que su talento, no mengua. Puntuación.: 10.
Una historia de violencia.(A history of violence, 2004).D.: David Cronenberg.G.: Josh Olson sobre la novela gráfica de Vince Locke y John Wagner.I.: Viggo Mortensen, Maria Bello, Ashton Holmes, Ed Harris, William Hurt, Peter MacNeill.Duración.: 96 minutos. Color.
- CON SPOILERS - Teniendo reciente una obra maestra tan clásica y noir como es la magnífica Retorno al Pasado de Torneur, me ha servido de ayuda excelente, para desentrañar la última y prodigiosa narración de David Cronenberg, que ha sido recibida con merecídisimos aplausos por allí donde pasó. El caso es que, la sorpresa ha sido mayúscula, y aunque sigue siendo en esencia, David Cronenberg, la forma que propone, quizás la convierte en el film que de todos realizados por éste canadiense, prefiera. Primero hay que realizar varias aclaraciones. Una historia de violencia como todo film arriesgado, no es apta para todos los estomagos, y no va a ser valorado por todas las sensibilidades. Cronenberg es un cineasta sutil, y del público pocos sabran valorar su magistral narración, y se anclaran en un ritmo lento, y un final que en inicio desconcertante, se revela genial. La historia narra como Tom Stall, hombre de familia ejemplar, mata a dos asesinos que asaltan su tienda. Pronto su oscuro pasado regresa de la mano de Carl Fogarty, gangster.... El film empieza con un excelente prólogo donde los dos asesinos (que trabajan para Fogarty) hablan de temas banales, ocultandose dentro un horrible escena de violencia. A continuación Cronenberg, con un estilo muy similar al de Lynch de Terciopelo Azul muestra un pueblecito americano de ensueño, (Milbrook) que poco a poco va convirtiendóse en pesadilla. Así lo muestran las dos escenas de sexo, la primera lírica y la segunda ya contaminada por el virus de la violencia. La dirección de Cronenberg es maravillosa, y sus actores realizan notables composiciones. Desde un contenido Viggo Mortensen, hasta unos cómicos William Hurt y Ed Harris. La diferencia formal de Cronenberg respecto a sus otros films es lo que destaca. Tomando codigos génericos propios del western y del cine negro, Cronenberg construye su film basandóse en Ford ;; Lang (no podemos escapar de nuestro destno ) ; Hitchock (Tom parece un falso culpable) y obviamente Peckimpah (con la violencia que destruye al mas racional de los hombres, aunque aquí sea una apariencia, me ha recordado mucho a Perros de Paja). 
Utiliza este cambio formal, para radiografiar perfectamente una sociedad americana que glorifica al héroe cuando da uso de la violencia y está aparentemente justificado; y que lo estigmatiza cuando esta deja de tener explicaciones. Reinventa el superhéroe, con este Tom/ Joey , y ademas realiza una estupenda vision de la ambiguedad existente entre el Bien y el Mal. El Mal representado por Fogarty, Richie y los dos matones, resulta caricaturesco, todos estos personajes pecan de una banalidad increíble. El Bien aparentemente representado por Tom Stall es mucho mas inquietante. Porque en su interior yace Joey, un antiguo maton de la mafia, que no duda en salir a la luz cuando las cosas se complican. La dualidad del ser humano inquieta mucho mas, el Bien es mas ambiguo que el Mal para Cronenberg. El hijo de Tom, tambien lleva esa violencia, en la brutal escena en la que planta cara al matón del instituto tras ver el cambio de su padre. O sea que Cronenberg ve a la violencia como algo encima presente en los genes. Sin embargo, si el Mal es caricaturesco para Cronenberg, la violencia la retrata de una forma nada heroica, como algo cruel, salvaje, animal.... pero propio para sobrevivir. La escena en que Tom "salva" su bar, muestra una violencia horrible, un instinto animal de proteccion y supervivencia. Magnífico y brutal el retrato que hace de ella Cronenberg.Tambien se repite, el tema tipicamente cronenbergiano de la busqueda de identidad. Tom Stall busca su identidad, y esta dispuesto a ser Tom Stall, y para ello debe "matar" a su alter-ego Joey. ¿Como lo hace? Eliminando, a Richie su hermano, Joey queda enterrado en el pasado. Así el que regresa a casa, en el brutal final, es Tom Stall, y su familia, asume, de una vez, que esta violencia es inherente a la condición humana (en este caso la de su padre), y que el pasado queda enterrado ¿para siempre? Tom así reposa, en paz consigo mismo. 
Y así, se cierra, con un magnífico plano de miradas cruzadas, esta magistral película solo apta para gente que este dispuesta a quitarse muchos prejuicios de la mente.Puntuación.: 9,5.
