Aprovechando mi marcha de vacaciones a la ciudad del infinito skyline y admiración e inspiración de grandes artistas, y del cine por supuesto ; haré alguna que otra entrada conectado desde NY si puedo por si acaso me despido prudentemente hasta el 5 de Agosto. Para terminar he decidido realizar una visita a la "créme de la créme" de Los Ángeles:
Pulp Fiction.(Pulp Fiction, 1994) .D.: Quentin Tarantino.G.: Quentin Tarantino según una historia de Roger Avary y Tarantino.I.: John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Uma Thurman, Harvey Keitel, Ving Rhames, Harvey Keitel, Maria de Medeiros, Eric Stoltz, Tim Roth, Amanda Plummer, Rosanna Arquette, Christopher Walken, Quentin Tarantino. Duración.: 148 minutos.Cuanta inspiración brota sobre cada secuencia de Pulp Fiction ganadora de la palma de oro en Cannes, de Oscars y también del merecido título de "cult movie " a la vez que "cool movie" por parte del público mundial.
Rodea un prestigio enorme en este film. Y mirandolo retrospectivamente, uno cree que se lo merece con creces. En la primera escena vemos con fundido negro y letras blancas la definición de pulp. Y es a esas historias las que Tarantino pretende homenajear. Y encima, es cierto, en cada escena de este film hay sabor genuinamente pulp. Y posmoderno, sobretodo.Es la deconstrucción de la literatura genuinamente pulp pero sin dejar de ser homenaje. Tarantino ha logrado lo que antes se pretendía. Es decir, ha hecho "cine negro " de tonalidades claras y prácticamente nula oscuridad contando con personajes pues eso tan pulp como lo deberían ser, puros arquetipos y tambien con una violencia criticada absurdamente en el momento de su estreno.La violencia de Tarantino es tan espectacular, irónica y exagerada que resulta imposible que parezca realmente "provocadora", es decir que pueda herir sensibilidades de gente. Es cierto, hay escenas muy fuertes pero son presentadas de tal manera que pierden su "tamaño de impacto", es más la escena más fuerte es aquella en la que el boxeador Butch está atado y de fondo se oyen los gritos de un torturado Marcellus Wallace. Sabemos lo que está pasando, y son esos gritos los que nos producen algo de inquietud. Al verlo, la estupenda banda sonora y el tono irónico del film, el impacto es menor. Es por eso que se trata de algo poco criticable debido a su estilización.
El guión estructura perfectamente la historia en situaciones cronóligcamente desordenadas. Hay un prólogo, y tres actos "Vincent Vega y la mujer de Marcellus Wallace"; "El reloj de oro "; y "La situación de Bonnie". Y un epílogo. Es una estructura estupenda y todo encaja. Además los diálogos recogen al mejor Tarantino. En estado de gracia la reflexión sobre las hamburguesas y todas las líneas de guión del Señor Lobo.Los actores, estupendos todos. Son interpretaciones de personajes semi-arquetipos, tipos duros ellos, los más y los menos. Son perfectos, son "cool", y tienen todos calma. Es díficil escoger entre los antihéroes que son Vincent Vega y Julius Winfield, o Butch Coolidge, o Marcellus Wallace, o mi preferido el Señor Lobo. Los villanos son sádicos y malvados, en referencia continua a la ficción "pulp".La banda sonora ya ha pasado a los anales del cine, sea por la secuencia del baile como el encuentro de Butch con su arma definitiva. Sea como sea, este film es una obra maestra de principio a fin y sigue siendo revolucionario aún después de tanto tiempo, conservando ese estilo personal y esas constantes. La dirección, pues estupenda. Ni mas ni menos. Tarantino sostiene el conjunto a través de una cámara en ocasiones nerviosa pero siempre narrativa. Una narración muy fresca. 
Por supuesto, después vino una oleada y también variopintos directores. Las comedias con aire de "tarantinada" no tardaron mucho en llegar. Se trata de la mezcla que hace el film del thriller con la comedia negra sobre los bajos fondos. Pero eso es sólo en la superficie. Muchas de las constantes estéticas del cine de Tarantino, se pueden detectar en gente Guy Ritchie nacida claramente post-Tarantino aunque con su propio estilo.Puntuación.: 10.
El club de la lucha(Fight Club, 1999)D.: David Fincher.G.: Jim Uhls de la novela de Chuck Palahniuk.I.: Edward Norton, Brad Pitt, Helena Bonham-Carter, Meat Loaf, Jared Leto. Duración.: 140 minutos.
La polémica que causó en su momento este film es cuanto menos absurda. Como casi todas las polemicas desatadas por films presuntamente violentos. Por poner un ejemplo cercano, La matanza de Texas no es mas que una hábil sucesión de "sugerencias " de terribles sufrimientos, rodados de la forma sucia para que nos parezcan "terribles y sanguinarios".Pues, El club de la lucha no es un film extremadamente violento, es cierto hay escenas algo fuertes pero nada del otro mundo. Tampoco se trata de una revolución estética. Los trucajes de Fincher dignos de la publicidad y la genial fotografí acompasadas por un buen montaje hacen el trabajo. 
¿Y pues ? ¿ Donde está lo que hace tan especial a El club de la lucha? Su mensaje. Decididamente rompedor. Transgresor. Pero de verdad. Parte de un genial material literario de Chuck Palahniuk, pero el film acoge espléndidamente el espiritu y el alma de la novela y la transmuta en imagenes que no carecen de la personalidad de Fincher. Se trata de un film que contiene una ácida crítica al mundo actual. Uno de los mas brillantes e incomprendidos retratos del mundo actual. Los primeros minutos, con las charlas de Tyler Durden (Brad Pitt en estado de gracia) sobre la sociedad de consumo, y el ser humano, cuyas reducciones se deducen a : "Lo que posees acabará poseyendóte".Y así, rebeldía tras rebeldía, El club de la lucha resulta mas revolucionario que cualquier film "español de izquierdas" u otros intentos de presunto "cine político". Por supuesto, al no estar en sintonía con lo "progre" no dudó de ser tildado de "criptofascista", "violenta apología del terrorismo" y otras cosas, que resultan demasiado miserables para ser citadas. Este film tiene demasaidas vertientes, matices y lecturas como para reducirlo a un plano.
Por un lado es la historia de la crisis existencial que sufre el narrador, Jack (Edward Norton) y de dar un sentido a una vida vacía. Por el otro es el retrato de una mente turbada. Por el otro......Cómo vemos hay muchos aspectos que hacen que este film se pueda ver una y otra vez, no ya por su decididamente frenético ritmo narrativo que nos satura de frases/imagenes para el recuerdo sino por la cantidad de lecturas que se le pueden sacar. La dirección es perfecta, y muestra la linea ascendente de David Fincher hasta llegar a su clímax. Primero ya anunció notables maneras con Seven, realizó una encomiable y excelente película en la infravalorada The Game y llega a su máxima cúspide con esta. Hago una advertencia, El club de la lucha es un film para gente sensibilizada. No ya con el medio de que el propio cine, sino con ellas mismas. Es la revolución de la mente. Si nos quedamos en la superfície tan solo podemos encontrar una simple historia de inesperado giro final, de estructura decididamente "kamikaze". Solo aquellos que sepan rasgar de esa por otro lado ya sugerente superfície, podran sacar el jugo verdadero de la película. Sólo aquellos capaces de replantearse su existencia, y que sean lo suficientemente desprejuicidiados podrán entender una de las joyas del fin de milenio, servida por un David Fincher en su mejor momento.Y es cine esta película, les guste o no a los puritanos / progres y demás. Aparte del hecho de "arriesgar" cosa que realmente está muy bien, esta el hecho de no adaptarse a ningn cliché ni convencionalismo. No cae en la autocomplacencia barata (por otro lado habría sido una tendencia fácil), simplemente busca una forma de expresar unas ideas relamente revolucionarias. No cae en trampas ni manierismos. Si uno se irrita al finalizar el film es síntoma de o no haber entendido nada de nada, y también de no haber aceptado una obra que además de arriesgada no se rinde ante nada. Hasta el último segundo. La condición metafílmica, y posmoderna es un estupendo juego que Fincher utiliza en un par de escenas sublimes. Las reflexiones sobre el proyector, y la propia película, los juegos visuales de l publicidad. Que no es especialmente "rompedor" pero si que se trata de un estilo consolidado y propio, una estética a tener en cuenta. 
Ah... y después estan los Pixies, y "Where is my mind "....... Pero eso es sólo una (gran) canción de fondo en esta obra.Puntuación.: 10.
Twin Peaks.17-29 (segunda etapa)Dirección.: Varios.Guión.: Varios segun la creación de David Lynch y Mark Frost.Actores.: Kyle MacLachlan, Michael Ontkean, Madchen Amick, Dana Ashbrook, Richard Beymer, Lara Flynn Boyle, Warren Frost, Peggy Lipton, Everett McGill, James Marshall, Sherilyn Fenn, Jack Nance, Kimmy Robertson, Ray Wise, Russ Tamblyn, Piper Laurie, Joan Chen, Eric Da Re, Frank Silva, Kenneth Welsh, Michael Horse, Sheryl Lee, Dan O Herilhy, Billy Zane, David Duchovny, Heather Graham, Gary Hershberger, Grace Zabriskie, Wendy Robie, David L. Lander, Robyn Lively, Don Davis, Catherine Coulson, Mary Jo Deschanel. 
Duración.: 44 minutos cada capítulo, y 48 minutos el capítulo final.A falta de visionar Twin Peaks : Fuego camina conmigo la precuela de la serie, hoy he finalizado una serie que acaba de una manera súbita.Los capitulos estan muy bien, quiza la serie no arranca tras el espectacular caso de Laura Palmer, pero la adicción esta servida. Hay una cosa que se lastima. Y es que uno empieza a coger cariño a Twin Peaks sobretodo a sus personajes. La otra trama es la de las dos Logias (Blanca y Negra, Bien y Mal respectiamente) y Windom Earle. Esta conversión de Twin Peaks de serie diferente en algo mas bellamente "convencional" provoca una mayor querencia por parte del espectador por los personajes. Pero Lynch no olvida lo que es el destino y regala un final oscuro, abrupto... inesperado.El ultimo capitulo recupera lo mejor de Twin Peaks cerrando tantas puertas como dejando abiertas demasiadas. La sugerencia ha caracterizado esta serie y ni en su final hay algo en claro. Sin embargo hay demasiados giros de los personajes y sorpresas que son propias de soap opera en su animo de parodiarla a veces se cae demasiado en sus mismas trampas. Otra de las trabas, es que el gran Agente Cooper tiene un pasado y se revela por lo tanto se le "humaniza" en exceso y pierde gran parte de su encanto inicial donde era un simple "bon-vivant" venido de la ciudad. Los personajes nuevos es una formula que se gasta en esta temporada ya que duran bien poco.Aparte del final a ritmo del Sycamore Trees cantado por Jimmy Scott hay otros grandes momentos a reseñar: -El baile en el gran hotel del Norte, entre Coopie y Audrey, bajo la sonrisa del sheriff Truman y Dennis/Dennise bailando con el inocenton Andry Brennan.-Ben Horne mirando sus videos de infancia.-Gordon Cole y Cooper visitando la cafeteria y coqueteando con Shellie Johnson y Annie Blackburne. No obstante, la mezcla de ese estilo con el terror, y el misterio hacen de esta segunda etapa igualmente recomendable aunque infieror a la primera parte. 
Puntuación.: 8,5.
Camino a la Perdición.(The Road to perdition)D.: Sam Mendes.G.: David Self sobre la novela gráfica de Max Allan Collins y Richard Pier Rayner.I.: Tom Hanks, Jude Law, Paul Newman, Daniel Craig, Stanley Tucci, Taylor Hoechin, Jennifer Jason Leigh.Duración.: 112 minutos.Lo he de reconocer: Sam Mendes nunca ha sido santo de mi devoción. El padrino parte II y Ciudadano Kane figuran entre sus películas preferidas, y ha sido bien sana la influencia que han ejercido en este director, que básicamente se caracteriza por ser teatral y tener un pasado muy prestigioso dentro de las tablas.
American Beauty me pareció una ácida sátira pero completamente desequilibrada por un guión que no termina de cuajar y que resulta excesivo en un tramo final bastante decepcionante. El caso es que partiendo de una maravillosa novela gráfica, una de las mejores que he leído , una experiencia épica, el guionista David Self se aleja completamente de la historia y del tratamiento de varios personajes esenciales, además escoje como protagonista a Tom Hanks con una fisonomía muy distante a la del cómic original.
A decir verdad hay que tener en cuenta lo que ocurre cuando se adaptan comics de alto grado de prestigio y se es infiel, se cae siempre en el tópico que suele esquivar éste, y siempre se vulgariza. Es el caso de Desde el infierno que sólo comparte con la amplia, extensa, y compleja obra de Alan Moore el titulo y el nombre de algunos personajes, reduciendose a un simple whoduit de inquietante puesta en escena.
Es pues que mi sorpresa ha sido muy grande. Por un lado estamos ante el mejor trabajo de Sam Mendes. Su ritmo narrativo es bastante acelerado, pero no por ello se va a poner excesivo con la cámara ni apresurado con la acción , ( lección que no han aprendido variopintos realizadores entre ellos Stephen Norrington o Bazz Luhrmann) estamos ante una historia de un aroma y sabor netamente clásico. Hay que tener clara una cosa, y la digo como seguidor del cómic, el film de Mendes utiliza el mismo leit-motiv que el cómic pero se distancia por otros postulados. Hay diferencias y un personaje nuevo el de Jude Law. No aparecen ni Al Capone, ni Elliott Ness, aunque la historia siga siendo en líneas muy esquemáticas algo parecida, se acentúa un elemento clave en John y Connor Rooney, ( En el cómic Looney), pero es una historia bien diferente. En definitiva estamos hablando de una adaptación distante que transforma nombres como caracteres de personajes y se obvian muchos detalles. 
Al contrario que las malas adaptaciones que derivan en malas peliculas por querer acercarse al tópico y a la moda de turno, Camino a la perdición resulta nuevamente una historia de relaciones paternofiliales y también de redención. Es una bella historia, una bonita historia de gángsteres narrada de una forma genial. El guión a pesar de lo relativo en cuanto a adaptación, es correcto y describe perfectamente a los personajes importantes sin dejar un cabo suelto. Ante esta pega (mala adaptación) esta que es una excelente pelicula que brinda unas estupendas intepretaciones de todo el elenco, el trío protagonista (Law,Hanks, Newman) y del niño Taylor Hoechin todo un descubrimiento.Si a esto le sumamos buenos secundarios, una bellísima fotografía , ídem aplicado a la música y una buena factura técnica que permite regalarnos grandes momentos rescatados del cómic (la clase de conducción, la llegada a Chicago) nos hacen estar ante lo mas cercano a un futuro clásico.Es un film altamente disfrutable, que defraudará a los que esperen una adaptación fiel, pero no a los que disfrutaron con la novela, pues se trata de una clásica y épica historia de gángsters y tambien de la relación entre un padre y un hijo. 
Una extraordinaria película, que anda muy cerca de convertirse en un clásico. Una experiencia maravillosa.
Puntuación.: 9,5.
Amor a quemarropa (1993, True Romance).D.: Tony Scott.G.: Quentin Tarantino.I.: Christian Slater, Patricia Arquette, Dennis Hopper, Val Kilmer, Gary Oldman, Brad Pitt, Christopher Walken, Bronson Pinchot, Samuel L. Jackson, Michael Rapaport, Saul Rubinek, James Gandolfini, Chris Penn, Tom Sizemore.Duración.: 115 minutos.
Tony Scott es el hermano pequeño de Ridley, y es uno de los en general mas menospreciados por la crítica. Si bien es cierto que Top Gun, Superdetective en Hollywood II, Días de Trueno, u alguna otra son películas que pecan de patrioterismo insulso la primera, de innecesaria la segunda y de mas bien manida la tercera, hay que reconocer que Ridley necesita buenos guiones.Y los ha encontrado, ahí estan algunas de estas magníficas historias como son ésta, la interesante y malsana Revenge, El Fuego de la Venganza, la divertidisima El último boy scout y el engranaje milimétrico llamado Enemigo Público, además de contar con otros films mas bien de entretenimiento pero sin llegar a altas cotas.Gracias a un guión de Quentin Tarantino que agrupa TODAS y cada una de las constantes suyas, Scott con su espléndida dirección basada en traslaciones visuales, movimientos rápidos y estilo entre videoclipero y publicitario logra una historia muy interesante a los dos planos, visual y argumental. El guión de Tarantino de tintes autobiográficos en principio después pasa a ser un homenaje a Sonny Chiba, y el mundo del comic, que provocan una simpatía unanime en cada espectador de esta película. El argumento es bastante original: Clarence ve como su jefe le ha contratado una prostituta explosiva, llamada Alabama, y juntos se van a ver un programa triple de cine de artes marciales. A partir de aquí las cosas sucederán rápidamente.
Una serie de personajes a cada cual mas "tarantiniano" con esos dialogos míticos perfectamente engranados en una buena historia que resulta extraña y original. Sin duda alguna es la película mejor valorada por la crítica de Tony Scott, gracias al guión que firma Tarantino.Cabe decir que su dirección se adecua bastante, y que el reparto es realmente espectacular. Cada actor borda un papel divertídisimo. Los protagonistas estan muy bien, y encontramos al mejor Christian Slater. Los secundarios son maravillosos. Desde Val Kilmer hasta Brad Pitt, cada uno hace un papel genial.La canción de Hans Zimmer, You're so cool se ha hecho ya famosa, y el final con guiño a Nick Furia incluido nos deja una enorme sonrisa. Una de las propuestas más estimulantes del cine de los 90, una love story posmoderna y desbocada, donde dos "outsiders" encuentran su lugar en el mundo.
Puntuación.: 8.
En un dia tan inusualmente alegre como es el día de mi cumpleaños, he devorado con bastante entusiasmo una joya que esperaba con ansia. El resultado no ha sido decepecionante en absoluto. 
American Splendor.G y D.: Robert Pulcini y Shari Springer Bergman.I.: Paul Giamatti, Hope Davis, James Urbaniak.Duración.: 103 minutos.American Splendor es más alla de un simple "biopic" de la interesante figura de Harvey Pekar o un documental sobre él, o una adaptación del propio cómic. Es todo esto a la vez, e incluso va más allá. 
Desconocido por aquí, Harvey Pekar es el revolucionario guionista de American Splendor un cómic donde recogió su hastío existencial y su enfrentamiento contra un arduo supervillano: la realidad diaria. Se nos explica su vida, combinando secuencias con los personajes reales como el propio Pekar o Joyce Barbner combinado con la "película" donde un Paul Giammatti realiza otra actuación inconsumerablemente genial y Hope Davis se gana otro tanto. Asimismo James Urbaniak sorprende como Robert Crumb, un gran papel secundario que aborda con singularidad. 
La pelicula usa acertadamente un lenguaje metacinematográfico, y ademas combina secuencias con dibujos del cómic verdadero. En fin que visualmente el producto es bastante estimulante y consigue sorprendernos.A todo esto le tenemos que añadir un estupendo guión y un desarrollo perfecto. La única pega es la parte final que queda algo lastrada y se dilata en exceso, pero la cosa vuelve alcanzar un alto en ese magnífico final con la despedida del trabajo de Pekar (real) y prececida por el Harvey Pekar (del film) caminando sobre un fondo blanco y reflexionando.El film, igual que el comic, transmite la melancolía "obsesivo-compulsiva" de su protagonista no exenta de cierta identificación, la resignación del hombre corriente enfrentado al misterio de la vida. Todo esto al son de una de las bandas sonoras mas exquisitas que he tenido la oportunidad de oír. Aparte de colaborador de David Letterman, Pekar es ( y fue )un coleccionista de discos de jazz ( y escritor asiduo de varias revistas), es por ello que nos encontramos ante una selección de canciones deliciosamente imprescindible para cualquier buen aficionado.Empezando por temas del propio Robert Crumb,pasando a Jay McShann, Dizzy Gillespie, y tambien hay sitio para Jimmy Buffet y su "If you like piña colada" , o el clásico soul de Marvin Gaye "Ain't that peculiar" que aparece magníficamente versionado en los créditos por Chocolate Genius.Y es que como dice Harvey Pekar, "la vida cotidiana es demasiado compleja". Una joya díficil de olvidar y toda una gozada. Narrada con serenidad y calma. 
Sólo para aquellos que observen la vida, y quieran ir más alla de las viñetas, empezando precisamente por el valor de éstas. Para existencialistas de barrio, para gente corriente, para amantes del cine, esta película es toda una delicia. Puntuación.: 9,5.
Personaje.: Yo mismo.Álter ego: Alvy Singer, el ex-melancólico, cinéfilo a sueldo, y soñador en ciernes. Primera aparición.: Hospital de San Juan de Dios, un sombrío 17 de Julio de 1988.Base de Operaciones.: Un sitio muy remoto, la frontera entre el bien y el mal, en la provincia de Barcelona.
16 años.... son muchos ya sobre la faz de la tierra !!! Y ahora me paso al décimo séptimo.Valoración de los 16 años: - Lo más destacado : -Sonrisas a tiempo.-Volver a ver "Lost in translation".-"Batman Begins".-La banda sonora de Round about Midnight.-Unos ojos verdes y una sonrisa imperdecera en la memoria.-Un blog con un look visual mas decente ( aunque el otro es encantadoramente Kitsch).-"Sin City " ( Y la pienso volver a ver).-Los comics de Frank Miller "300, DK, Sin City, Ronin vol. 1". -Amigos dificiles de borrar de la retina.-París. -Million Dollar Baby de Clint Eastwood. 
Lo menos destacado:-Acertar en las decepciones esperadas y esperables, de alguna que otra amiga. -un fatidico amanecer de un fatidico 11 de Marzo ( 1 año despues .... sigue en mi corazon) -Días en los que lo único que sabes escribir "It's a sad sad world". -Ray Charles / Marlon Brando ( in memoriam !!! os recuerdo!!!!) 
El momento:Una noche al teléfono viendo Casablanca por una televisión local emulando a Cuando Harry encontró a Sally / Concierto de Green Day (memorables en directo) / ver 2 veces Batman Begins en una compañía a la altura de las circunstancias ( en ambas ocasiones, grandes compañeros, ahí a mi lado ).
Y eso es todo amigos, por ahora. Me enfrento a los Seventeen, edad transicion a los 18, edad donde me enfrentaré a la temida y temible selectividad, y a la vida (otra vez), a ver si consigue ganarle este asalto por K.O. Un saludo a todos los lectores (Escasos) de este modesto blog!
Camino a la Perdición
(The Road to Perditión)Autor/ Guión: Max Allan Collins.Dibujos.: Richard Piers Rayner.Duración.: 1 tomo, publicado en USA, 1998.Camino a la Perdicion es muy posiblmente la mejor obra de Max Allan Collins, la más que merecida consagración de un autor que aunque no ser capital, si que lo es esta obra. Se trata de una exploración por la más pura serie negra variando el esquema, (siendo una especie de remake) del manga Lone Wolf and Cub adaptado a los clichés de la más clásica serie negra, pero además contando con una magnífica desripción de personajes ayudada por el excelente dibujo de Richard Piers Rayner (curtido en las páginas de Hellblazer, La cosa del pantano) y un sólido blanco y negro que le da al conjunto un tono más épico.
Porque hay que reconocerlo, Camino a la Perdición es un cómic estupendo, y muy emocionante. Consigue un carisma especial en su protagonista, Michael O'Sullivan un asesino a sueldo que es traicionado por la familia para la que trabaja, los Looney de Perdición, Kansas. Su hijo Connor mata a su esposa y a su hijo pequeño, creyendo que es el mediano que presenció uno de los crímenes de su padre apodado el "Ángel de la Muerte". Padre e hijo emprenden una huida y Michael planea vengarse trasladondose a Chicago. Allí Frank Nitti (emblemático gángster, además de figura histórica) es el encargado de proteger a Connor de el Ángel de la Muerte.... pero él tiene unos métodos que le llevaran a la venganza ( y posterior redención).Una historia clásica que se hace emocionante, hábilmente estructurada en capitulos y con unas ajustadas dosis de violencia, resulta una lectura más que recomendable y una muestra más de las grandezas que puede dar el tan minusvalorado (en favor del manga) cómic americano. Con un ritmo que no decae, y una trama que a pesar de caer en algunos clichés lo hace con soltura y de una forma que nos resulta incluso novedoso. Una joya, en definitiva. Bellísimo final y muy buena profusión en la relación paternofilial. El protagonista es un personaje excelente, oscuro e inolvidable como su apodo "Ángel de la Muerte", mostrando con una gran profusión de detalles su reputación de asesino, resultando implacable y temible con sus enemigos, lo cual contrasta con la dulzura y ternura con la que trata a su hijo.
Conoció adaptación cinematográfica en el año 2002, dirigida por Sam Mendes e interpretada por Tom Hanks y Jude Law entre otros, que fue recibida con aplausos por una crítica rendida.Puntuación: 10.
Hellraiser. Los que traen el infierno.(Hellraiser, 1987)G y D.: Clive Barker.I.: Andrew Robinson, Clare Higgins, Sean Chapman, Ashley Laurence, Robert Hines, Doug Bradley.Duración: 95 minutos. Estimulante cinta de horror que sin embargo esta algo sobrevalorada. Utilizando el concepto de la nueva carne, Barker escribe, dirige (basandose en sus relatos ) la historia de Frank Cotton que encuentra un extraño cubo que proporciona dolor y placer al mismo tiempo. Finalmente muere, y en su vieja casa se trasladan su hermano, su esposa, y la hija de éste (su hermano), Kirsty. Pronto Julia (la esposa del hermano y amante de Frank) descubre que su difunto amante se alimenta de cadaveres y huye de los misteriosos cenobitas.....
Contando con una primera mitad bastante lograda llena de perversidad, sexo e imagenes gore tan bellas como un rosal britànico (por algo la pelicula es inglesa), contando con una excelente atmósfera basada en un sucio y deprimente Londres. Todos estos aciertos se van a la deriva en una segunda parte del film derivativa, tópica que empieza justo cuando entran en acción los famosos cenobitas. Doug Bradley es el encargado de dar vida a su líder, el carismatico Pinhead que aquí figura en los créditos tan sólo como "Lead Cenobit". La crítica especialista en horror la sobrevaloró en exceso, se trata de un buen film pero que se desinfla hacia la mitad y despues de eso no despega. Tuvo miles de secuelas, a partir de la cuarta destinadas a videoclub.
Puntuación: 6,5.
Phantasma.(Phantasm, 1979)G y D.: Don Coscarelli.I.: Michael Baldwin, Bill Thornubry, Kathy Lester, Angus Scrimm, Reggie Bannister.Duración: 88 minutos.A riesgo de que los mas fans del horror se me echen encima debo decir que este Phantasma me parece uno de los films de horror a los que peor les ha sentado el paso del tiempo. Sus montajes con sus delirios setenteros quedan hoy demasiado desfasados y se convierten en un pasable film aunque ha perdido eso de "titulo de culto".
Phantasma es basicamente un "cuento de la cripta" ,con sus correspondientes dosis de erotismo y sustos (que ya no asustan), con un icono bastante conseguido el llamado Hombre Alto. Sin embargo se echa en falta cierto regustillo pulp, si bien es cierto que el film tiene detalles visuales muy graciosos y la historia ciertamente es delirante: Un joven llamado Mike descubre como el amigo de su hermano Jody, Tom recientemente muerto, es "llevado " (en su tumba) a otro coche por un misterioso celador, un Hombre Alto. En realidad un extraterrestre que trabaja para un planeta lleno de esclavos, y asi delirio tras delirio que terminan resultandole simpáticos a uno.Lo mejor es la visita a la sala blanca que da al planeta y ese final truculento.Lo peor es que el paso del tiempo la ha demacrado sin piedad.Puntuación: 6.
El dia de mañana
(The Day After Tomorrow, 2004)D.: Roland Emmerich.G.: Roland Emmerich y Jeffrey Nachmanoff.I.: Dennis Quaid, Ian Holm, Jake Gyllenhaal, Emmy Rossum, Sela Ward, Perry King.Duración.: 124 minutos.El dia de mañana es contra todo pronóstico la mejor película del aleman Roland Emmerich. Lo cual no es decir nada del otro mundo, pero aqui logra un producto bien hecho y con corrección. Lo mejor de todo es el sanote mensaje ecologista que reduce al ser humano a cenizas.Ello no impide que tenga final feliz, pero Emmerich lo importante es que se ha contenido y no ha cometido tantos excesos como en otras "perlas" de su filmografia y ha obviado mensajes tirando a fascistas.En definitiva, una refrescante pelicula de verano con una historia sencilla pero efectiva que se olvida enseguida, con un mensaje ecologista y elementos politicos como lo mas interesante de la funcion aparte de los estupendos efectos visuales.
Las interpretaciones correctas, los personajes planos como de costumbre, y los tópicos por doquier. Lo mejor es el vagabundo y ver de nuevo a un Nueva York destruido, pasion de Emmerich. ¿Como la destruirá en su proxima peripecia ? Puntuación: 6.Independence Day (ID, 1996 )D.: Roland Emmerich.G.: Dean Devlin y Roland Emmerich.I.: Will Smith, Bill Pullman, Jeff Goldblum, Judd Hirsch, Mary McDonell, Randy Quaid, Margaret Colin, Robert Loggia, James Rebhorn, Harvey Fierstein, Vivica A. Fox.Duración: 147 minutos.Después parodiada en la divertidísima Mars Attacks lo confieso: Este film era mi clásico de mi infancia. Hasta cierta edad me siguió pareciendo una obra maestra, ahora es que no llega ni exactamente al 5. Vista hoy, Independence Day es el sueño de cada freak, la pelicula freak que menos ha gustado a los freaks. Curioso. Se trata de un homenaje nada disimulado (banda sonora de David Arnold a rebufo de las de John Williams) a George Lucas y a Steven Spielberg, combinado con la estructura del clásico film de catastrofes de los años 70 (varias historias entrecruzadas).En definitiva, Emmerich no consigue ni por asomo que nos entusiasmemos con su pelicula. El inicio esta bien, pero despues malgasta la idea a base de detalles que chirrían bastante (como el aspecto de la nave nodriza alien que parece un videojuego) y se explaya demasiado en su patrioterismo, al convertir al presidente USAmericano en un superhéroe mas. 
Aparte del mensaje bastante preocupante de por si, hay detalles simpaticos propios de Emmerich:-Cientifico inteligente y ecologista que hace amistad con militar chulito, es decir lo mismo que en Stargate pero aquella era algo mas interesante. -Muchas de las secuencia tienen un regusto pulp muy agradable, otras se ven forzadas y carentes de la fuerza que imrpimen a sus productos Spielberg & Lucas. Es una pena.-El diseño de producción de Patrick Tatopoulos.Poca cosa mas a destacar de uno de mis clasicos de la infancia, aparte de la AREA 51 juego bien explotado y divertido. Es eso, una pelicula con guiños al aficionado pero bastante "mala" en lineas generales. La sobredosis de tópicos es bastante agobiante, y pocas cosas destacan, aparte de las secuencias de destrucción que hoy han perdido su fuerza de impacto. Eso si, dentro de lo que cabe es entretenida después de todo.Queda clara una cosa: la visión spielbergiana de la invasión marciana es bastante superior. Ha perdido la capacidad de impresion que me causó en su dia y tambien de emoción, "supuestamente" concentrada al final. Algun chiste bueno. Poca cosa mas. Puntuación: 4,5.
Encuentros en la tercera fase.(Encounters on the third kind, 1977)D.: Steven Spielberg.G.: Paul Schrader, John Milius, John Sayles y Steven Spielberg.I.: Richard Dreyfus, Teri Garr, François Truffaut.Duración.: 138 minutos.En 1977 Spielberg afrontó uno de sus proyectos mas personales, con un guión mil veces reescrito. Al final él mismo lo firmó.El resultado es una de las cintas mas influyentes "a posteriori" que ha marcado un antes en la planificación de la acción en cualquier cinta de CF al uso.
Localizaciones exóticas, estilo con cierto sabor "pulp" de los años 50 teñido de inmensa espectacularidad, acción móvil, etc.....Toda la parafarnelia científico-alienígena aquí utilizada ha tenido una gran influencia en series tales como Expediente X. Al margen de su narrativa, Spielberg deja claras sus constantes, y la importancia de la familia (otra vez) de forma machachona ya aparece aquí. Tambien supone la confirmación de como Spielberg consigue crear imagenes que te atrapan. Es quizás esta una de las peliculas que mejor se conservan.Tampoco se escapan las connotaciones judeo-cristianas propias de Spielberg. Para ello debo resumir en breves líneas la historia: Roy Neary tras tener la aparición de un OVNI pierde a su familia, para ir a parar al monte del diablo donde hay el contacto definitivo con los alienigenas. Paralelalemnte se sigue la investigación comandada por el francés Claude Lacombe. Roy Neary, se convierte en un mesias terrenal con sus visiones, y esto se resalta en el espectacular final, donde los alienigenas (metafora de angeles) se lo llevan. El mensaje positivista de Encuentros era bastante innovador y daba una visión complatemente amigable del alienigena. Con E.T. que contiene algunos aciertos presentes en esta, y sus producciones de los 80 Spielberg confirmó al alienigena como el mejor amigo del hombre: Cocoon, Nuestros maravillosos aliados, y demás lo confirman. 
A destacar el juego de luces, es estupendo que nos continua deslumbrando y sobretodo la obsesión con el Monte del Diablo de su protagonista. El encuentro final con estos simpáticos alienigenas tambien es sorprendente y maravilloso. Hay en Spielberg una capacidad inusual para crar un espectáculo increíble. Él ha fundado una escuela de una serie de "energúmenos" que en vano pretenden lo que él logró: - El último George Lucas parece un Spielberg descafeinado y light. Es curioso como un cineasta con tanto pulso se estanque gracias a los dos primeros nefastos capítulos de la neo-trilogía. Este defecto ya viene de serie, en El retorno del jedi sentó las bases de un disparate. -Stephen Sommers parecía simpático en los tiempos de Deep Rising y The Mummy. La secuela de la momia y el Van Helsing lo han confirmado.-Roland Emmerich se cree que puede ser Spielberg emulando estructuras. Tambien cree que puede ser el Lucas de antaño. (Lo cree, lo cree) En buena parte éstos sucesores y partes del cine de Michael Bay, creen que pueden emular el sentido de la dirección que tiene Spielberg. No basta con reunir efectos visuales, se necesita la fuerza o el talento que imprime éste a sus productos. Lo que le ocurre a Sommers es que ni es Dante ni es Spielberg y sus juegos para crear espectáculo son nulos en la secuela de las aventuras de ese trasunto de Indiana Jones, y sus juegos autorreferenciales dan bastante grima y pena en el estropicio último del cazavampiros. Emmerich se nota que es un fan de Spielberg, y es facil avistar influencias de Encuentros... en su Independence Day. Pues bien Encuentros destaca por ser un relato mesiánico que juega hábilmente con la tradición judeocristiana (lo haría Spielberg en sus siguientes films con idéntica habilidad). También un retrato social acorde con la época, ya que a diferencia de visiones anteriores, los alienígenas vienen en son de paz y no traen malas intenciones síntoma de una Guerra Fría que se terminaba y de un "mensaje de reacogida" a los que vienen. El sense of wonder Spielbergiano queda aquí confirmado y resulta brillante. El mejor Spielberg y tambien sus defectos quedan anunciados. Quiza algo inferior a la estupenda Tiburón , esta pelicula supone un cambio. Estamos ante una cúspide del género que a estas alturas no puede parecer tan original de lo imitada/homenajeada/ asumida que ha estado que no sabemos valorarla en su justa medida. Muy recomendable, sobretodo para gente que le encante mirar el cielo..... ( como dijo el propio Spielberg).Puntuación: 9.
Escalofrío.(Frailty, 2002) D.: Bill Paxton.G.: Brent Hanley.I.: Bill Paxton, Matthew McCounaghey, Powers Boothe.Duración.: 96 minutos.La cosa pintaba mal, por eso nunca me había aventurado. Sin embargo una acertada recomendación de un amigo ya me hizo ver algo. El caso es que mi amigo acertó: se trata de una muy muy agradable sorpresa dentro del tan demacrado género de terror.
Se trata de un vibrante thriller que viene a rescatar la atmsofera de los clásicos de los 70 en un menor grado y ese espíritu latente entonces de hacer las cosas al estilo de serie B se mantiene aquí y para bien. Un pueblo tranquilo y una historia hecha a medida dle espectador llena de truculencias, y que en breves lineas sin desvelar nada sería asi: Un tipo que se hace llamar Fenton Meiggs llega a la oficina del FBI diciendo saber la autoría de los asesinatos de la Mano de Dios, cree que ha sido su hermano Adam debido a su infancia......El film juega con el espectador durante toda su duración y te mantiene pegado a la butaca. La sorpresa final tiene bastante mérito y en el apartado actoral destaca un inmenso Bill Paxton que realiza una correcta dirección y que conseguir dotar del magnetismo necesario a la historia para que uno nunca se distraiga. Vamos una eficaz historia para no dormir, por encima de la media.Lo que si he visto en Paxton es su cinefilia. Nos ha colado un muy simpático guiño al maestro Walter Hill, en el dialogo de los niños donde uno quiere ir a ver otra vez "los incorregibles albóndigas" y el otro prefiere "los amos de la noche " ( de Hill, cineasta que ha trabajado mucho con Paxton) . Estamos ante un brillante entretenimiento que si bien no inquieta demasiado, si consigue por lo menos sorprendernos. No hay grandezas del otro mundo, pero una cinta tan simpática merece ser recibida con mas atención. Las recomendaciones de King, Raimi, y Cameron que sirvieron como bombo al film no iban tan desencaminadas como yo creía, en definitiva una estupendísima revisión de la serie más simpática. 
Puntuación: 7.
Familias de habitos poco recomendables, carreteras perdidas y eternas, desierto y asfalto, y victimas facilonas.´
Todo esto ocurrió un 23 de Agosto en 1973, Texas.... Ahi van dos miradas a una misma historia: Hoopre & Nispel ( ¿ o deberia decir Bay?).La Matanza de Texas.(The Texas Chain Saw Massacre, 1974).D.: Tobe Hooper. G.: Kim Henkel y Tobe Hooper.I.: Marilyn Burns, Allen Danziger, Paul A. Partain, William Vail, Edwin Neal, Teri McMinn, Jim Siedow, Gunnar Hansen, John Dugan. Duración: 83 minutos.Mítica. Sucia. Asi con estas dos palabras reduzco una de las mas inquietantes historias de terror jamás filmadas. Una historia sencilla pero eficaz: unos amigotes "hippies" como son Sally, su hermano Franklin, Jerry Kirk y Pam recogen a un autoestopista: su pesadilla acaba de empezar. Éste les conducirá hacia su familia, sus 2 hermanos y su abuelo, de hábitos canibales....¿Por qué destaca esta Matanza de Texas? Es curioso que mucha gente la proclame como popes del "gore", es una pelicula que aunque ha perdido fuerza (supongo) con los años sigue impactando mucho por la cantidad de bestialidades que sugiere ( ¡ojo! pero nunca muestra). A través de una camara de documental plenamente setentero (con sus zooms ) consigue un tono realmente inquietante, y crear un ambiente de claustrofobia pesadillesca.
Mitica es la secuencia que Pam entra a la casa de la familia canibal, y espeluznante es cuando Sally "cena" con Caracuero y compañía. Un final sin epílogos ni nada tranquilizador, un final muy logrado para un film muy corto y bastante redondo. Consigue lo que pretende : inquietarnos e impactar, y mostrar un retrato de la crueldad humana. En el trazo final se patetiza a los dos hermanos pequeños, ya que el mayor los trata como bestias y esa es quizá la secuencia con mas "lectura" de todo el film, ya que se puede interpretar que han convertido en monstruos espantosos a estos dos seres. Después, se regresa hacia la brutalidad en un final realista pero no por ello menos inquietante. El miedo
a partir del realismo( la camara te convierte en un espectador mas) y la sugerencia ( repito, el film es gore sobretodo en el recuerdo del espectador y en su imaginación ) es el gran acierto de este film que generó una gran influencia en el posterior cine de psychokillers, y creo un icono (que; no ha destacado en sus secuelas, a su pesar): Leatherface ( o Cara de Cuero). 
Puntuación: 10. La Matanza de Texas(The Texas Chain Saw Massacre, 2004) D.: Marcus Nispel.G.: Scott Kosar.I.: Jessica Biel, Jonathan Tucker, Erica Leershen, Mike Vogel, Eric Balfour, Andrew Bryniarski, R. Lee Erney.Duración.: 99 minutos.En principio, para cualquier "fan" que se precie del cine de horror un "remake" de La Matanza de Texas producido por Michael Bay es poco menos que un sacrilegio.En el momento de su estreno, tuve mis reticencias, fue por eso que no la fui a ver. Pero por sorpresa, vi a una crítica que no la despedazaba (Como Leatherface hace con sus víctimas). Es por eso que decidí revisar el magnífico film original y contemplar esta nueva visión. La sorpresa se bastante grata y aunque no se trata de un film superior al original, si se trata de un perfecto remake con la misma esencia e idea; pero diferentes pretensiones y un inicio mas destacable ( los protagonistas vienen de Méjico de recoger marihuana y van a un concierto de Lynyrd Skynyrd) donde se repite la ambientación ( 23 de Agosto de 1973) y a una protagonista sufrida (esta vez sera Jessica Biel o Erin la encargada de sufrir las chaladuras de Leatherface). Por suerte, el hecho de contar con el mismo director de fotografía (Daniel G. Pearl) , ha podido facilitar crear nuevamente un clima espeluznante, pero si alli se optaba por un estilo "sucio " aqui se opta por un estilo oscuro mas propio de los tiempos que correne, y tiene un look visual bastante apreciable ( a medio camino entre un Tony Scott desbocado y un videoclip gótico de NIN). Los personajes cambian, y aunque se estructura de una forma algo parecida, se agradecen estos cambios .El film, es menos inquietante ya que pierde toda la capacidad de sugestión. Aqui si que hay momentos verdaderamente "gore"; lo que antes era elipsis aqui es mostrado, pero es por ello que la original parece mas "brutal " en algunos momentos. Aunque tiene algun susto logrado, la verdad es que no posee el grado de inquietud del original pero si que se trata de un digno y decente film de terror, bastante interesante viendo el panorama que hay hoy en día.Nuevamente se confirma que el nuevo cine de terror se hace a partir de los clásicos de los 70 y es la nueva fuente de ideas ( "Amanecer de los Muertos " ; la proxima version de "terror en amytiville" , la proxima version de "el dia de los muertos " ; el regreso de George A. Romero, etc.... ). Entretenida y con correctas interpretaciones, aqui Cara de Cuero encuentra su mejor sucedaneo: Este nuevo Cara de Cuero resulta igualmente inquietante y es un digno sucesor del original.
Puntuación: 6.
TWIN PEAKS. Capitulos 1-16.D.: Varios.G.: Varios, segun la historia de Mark Frost y David Lynch.I.: Kyle MacLachlan, Michael Ontkean, Madchen Amick, Lara Flynn Boyle, Ray Wise, Sherilyn Fenn.Duración.: 90 minutos los capitulos piloto de la primera y segunda temporada ( 1-7, 8-29 cada temporada ). 45 minutos cada capitulo En una pequeña villa llamada TWIN PEAKS en el norte de los Estados Unidos, un buen dia, aparece fundada en plástico Laura Palmer ( muerta) la chica más popular del pueblo. La noticia es comunicada y debido a que un año atrás, Theresa Banks fue encontrada en un pueblo de al lado, el FBI se hace cargo.
Trasladan a un peculiar agente del FBI, a investigar el caso......Asi empieza una de las series mas sugerentes e inquietantes que ha dado la televisión, hábil mezcla de terror, thriller, comedia, parodia de soap opera y demás. TWIN PEAKS es perfectamente un Lynchtown, un lugar muy Lynchiano con personajes delirantes, donde excepto uno, TODOS ocultan algo. Para mi, la primera etapa es aquella que va del primer al decimosexto capitulo por eso la comento, pues es la que se centra en resolver el asesinato de Laura Palmer, la resolución es demasiado memorable como para citarla aqui tras un vulgar "SPOILER". Los que lo quieran saber que disfruten de la serie. Otro de los elementos que hacen TWIN PEAKS mas adictiva, es que cada capitulo plantea cinco enigmas, en el siguiente veremos resueltos dos pero planteados otros cuatro mas, asi... sucesivamente. Pero todo esto no tendria demasiado sentido si la serie no contara con esa atmosfera tan fascinante ( tan propia de Lynch) a la que ayudan varios elementos, como la grandiosa música del impagable Angelo Badalamenti y con canciones de él ( y algunas del propio Lynch) que interpreta una pletórica Julee Cruise. Mítico es el tema central de la serie "Falling". Los personajes. Les dedicaré un post aparte cuando tenga tiempo, pero los personajes rezuman carisma y simpatía. Lynch muestra el lado " mas alla" del vulgar estereotipo, y lo hace con una inteligencia inusitada. Las tramas. Se encadenan muy bien a un hecho común ( la muerte de Laura Palmer) y consiguen que tramas secundarias nos interesen tanto o más que la principal. El problema que hizo que esta serie "falleciese" antes de tiempo fue la presión por parte de los malvados productores que obligaron a Lynch a precipitar la resolución del caso de Laura, y eso provocó que las nuevas tramas no engancharan al publico.En resumidas cuentas, para mi TWIN PEAKS es una historia de amor y muerte. El amor se respira en cada poro, y es el amor el que intenta corromper el villano universal por excelencia, un fantasma demoníaco llamado BOB que se dedica a destrozar almas puras ( como la de Laura). Es la muerte la que afecta a todos. La de Laura y la de "a posteriori" algunos personajes más. En esta primera etapa de la serie, la calidad es demasiado alta como para ser explicada u apenas apreciada con palabras. Se trata de una serie en estado de gracia, con unos personajes ídem.Personalmente considero los capitulos dirigdos por el propio David Lynch maravillosos (el piloto, el septimo, etc.) y si tuviera que escojer un momento escojo este, y mira que hay momentazos increibles: -En el capítulo 16, bajo la lluvia de la alarma, Cooper y Leland Palmer. Tambien son memorables la visita a la Habitación Roja ; y las apariciones del Gigante acompañada de su inseperable y viejo Lechero. No puedo dar mas detalles de este momento, solo decir que es tan mágico como lo resultan los mejores momentos del mejor Lynch. 
Si todavia no la han visto, ¿ a que esperan ? se trata de un placer para todos los sentidos, una serie que va mas allá del concepto "serie de TV" ... Llega a nuestros corazones. Puntuación: 10.
Hay joyas y joyas. En serio. Aunque estos dias este citando titulos en apariencia "de qualite " por la crítica, como Entre Copas y Lost in translation , la verdad no lo hago para justificar nada ,simplemente lo encuentro un gran film.Pero a pesar de todo ello, me lo paso pipa con clásicos del horror, y muchos films de los años 80. El cine fantastico ha aportado muchisimo. Y sobretodo el cine autoconsciente, el que es consciente de que es "una propia pelicula". Lo practican sobretodo maestros auténticos como son Brian de Palma, John Carpenter o Walter Hill. No obstante cabe citar que estos convierten algunos de sus films (muchos por suerte) en obras de arte. Una de estas "joyas" es EL ULTIMO BOY SCOUT peculiar "cult-movie", bastante simple y que no está obviamente a la altura de las obras de arte, sin embargo es un film muy divertido y no tan malo, ni burdo como se dijo en su día, sostengo que no se entendió su particular y excéntrico sentido de la ironía.EL ULTIMO BOY SCOUT(Last Boy Scout, 1991)D.: Tony Scott.G.: Shane Black.I.: Bruce Willis, Damon Wayans, Chelsea Field, Halle Berry. Duración.: 101 minutos.Nunca una pelicula de acción habia contado con un guión tan hecho a conciencia como esta. Para que vamos a engañarnos, no estamos ante ninguna obra redonda. Pero si ante una de las "action movies" más divertidas de toda la década de los 90. Su guión es plenamente autoconsciente y sino véase la frase del final: -Tio, son los 90, ahora antes de matar tienes que soltar algo "guay".
Es cierto que el generalmente menospreciado por la crítica (y solo minusvalorado en 1 par de ocasiones, en las otras se merecía todos esos varapalos) Tony Scott, dirige a su manera sincopada y frenética pero sin excesos. Estamos ante el típico film de acción.¿ Y pues ?
Nada, que el catalogo de frases que va soltando minuto tras minuto, el detective mas decadente Joe Hallenbeck (un inmenso Bruce Willis en su primera gran época, la segunda por suertela vive ahora) pues son de lo mas desternillante y memorable que he visto en los últimos años.Con una dureza propia de un neo-Bogart, él y un yonqui jugador de fútbol salvaran al mundo de ¡un malvado magnate del fútbol de oscuras intenciones! Ante tal festín de toques decididamente paródicos (Black tiene maestría, y para algo escribió "Arma Letal"; y es que el guión de esta "joya menor" fue el mejor pagado durante años, aunque dudo que este hombre este casado) a costa del cine accion, son sutiles y por lo visto mucha gente se lo tomó a pecho, y creyó que estavan ante un film "serio" ( cuando se inaugura a base de humor) . Aparte de la frase final, solo hay que ver como acaba el film ( SPOILER aunque no es niguna sorpresa ; Willis y Wayans montan una agencia de detectives, asi que mas comiquero imposible dando paso a secuelas que ¡lastima! nunca llegaron SPOILER) Muertes espectaculares ( no tan violentas , pero muy vistosas) y frases lapidarias a mogollón. Entretenimiento espectacular, amigo asesinado, detective con carisma.... vamos que esta todo en uno. Un film a reivindicar para ver de la mano de amigos y buena cerveza. Para reir y divertirse, sin pensar mucho.Puntuación.: 7.
ENTRE COPAS ( Sideways, 2004) 
D.: Alexander Payne.G.: Alexander Payne y Jim Taylor.I.: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virgina Madsen, Sandra Oh.Duración.: 122 minutos.Al contrario que los buenos vinos, Alexander Payne ha madurado deprisa. Si Election ya era una lograda y muy inteligente comedia, con Entre Copas ya ha alcanzado una madurez encomiable. Lo hace a través de una narrativa pausada, que narra la en principio, sencilla historia de dos treintañeros desdichados, uno Jack actor en paro y el otro Miles escritor frustrado por los continuos retrasos que recibe la publicación de su primera novela. Ambos viven en San Diego, y se van a pasar una semana fuera ( de celebración ) a la zona vínicola de Santa Barbara, California debido a que la boda de Jack es el próximo sabado. Allí conocen a dos mujeres, Stephanie con la que Jack mantendrá un idilio ( basado en las mentiras y el sexo ) y Maya con la que encajará Miles.Este film es practicamente redondo. Su historia, es una "road movie " nuevamente sobre recuperar el rumbo perdido, donde destacan sus dos geniales protagonistas, aunque me quedo con el magnífico y grandioso Paul Giamatti espléndido como el neurótico Miles, el mas sensato de los dos, aunque Thomas Haden Church nos regale un gran rol, el de un actor de segunda bastante patético. Los dos personajes del film de Payne sufren una crisis. Pero es distinta. Mientras que Jack no sabe lo que quiere, lo que le ocurre a Miles es que no sabe como hacer frente a sus problemas. Esta solo. La soledad, es uno de los tragos mas amargos de la vida, y aqui queda patente, pues estamos ante un film muy agridulce, mas que una verdadera "comedia". En este sentido, Payne nos regala un tramo final estupendo. Imposible olvidarlo. La música puro jazz (mezclado con algunos toques mas ambientales ) servido por Rolfe Kent, acorde con la calidad de la película. Los catadores de vinos, y los catadores de grandes películas se van a quedar impresionados, ya que desde la primera escena van acabar prendados por este sabor, que les deja embriagados de inteligencia y a la vez de reflexión de halo inevitablemente melancólico. Hay algo inusualmente genial en esta pequeña historia de gente en apariencia corriente, eso sí solo para paladares exquisitos dispuestos a llevarse un trago que va directo a nuestro corazón. 
Puntuación: 9,5.
LOST IN TRANSLATION.
(2004)G y D.: Sofia Coppola.I.: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribsi, Anna Faris, Fumiro Hayashi.Duración.: 103 minutos. Vacaciones. O eso dicen. Te encuentras en un sitio nuevo, extraño. Es una cultura diferente. Tenían razón aquellos amigos. Pero tu ahora no pareces estar para nuevas culturas. Todo resulta demasiado extraño. Y estás en una fase de tu vida en la que te sientas perdida, agobiada, sin rumbo, enmedio de ninguna parte. Una alma miserable olvidada.
Bueno, bajas del hotel. Conoces a alguien. Los ojos, son vuestras palabras, y las miradas vuestras frases. Parece de donde yo vengo. Te paras a hablar. ¡Y bingo! Lo es. El extraño en el fondo, no es mas que como tu. Tambien está perdido.Los dos, los perdidos, empezaís a hacer salidas furtivas. Un karaoke, un paseo por aquel sitio tan cautivador y lejano, donde ahora te encuentras. Pero este instante... se termina como todo en esta vida. Te vuelves a perder entre la multitud y ¿se acabó? No. Siempre hay tiempo para un abrazo. Y una frase: "Eres lo mejor que me ha pasado en mucho tiempo. Jamás voy a poder olvidar esa sonrisa "En este viaje, te has descubierto a ti misma. Ha sido un viaje de autodescubrimiento, de autorrecuperación, debido al choque de dos almas perdidas en el aire infinito. Derramarás suspiros por recuperar estos dias. Donde solo tu y aquel extraño que tan bien te conocía (sin haberte conocido antes) pareciaís ser lo unico que importase.Pero es hora de volver. 
Experiencias como esta, solo te las regala el cine ( y la vida ) , la hija pródiga de Coppola nos regala una historia, una gozada para todos los sentidos, demasiado maravillosa, acompasada por una estupenda banda sonora (con temas de Phoenix, y ese inolvidable Just like honey de The Jesus & Mary Chain) . Una depuración del estilo, y una delicadeza riquísimas. Los dos protagonistas, Scarlett ( me enamoré de ella en este film) ; y Bill ( que GRANDE es este actor) tambien indescriptiblemente acertados.Contar una historia con miradas, una caricia y un abrazo y emocionar mas que todo el centenar de historias de amor " made in Hollywood·" del último medio siglo, sigue teniendo mucho mérito. Puntuación.: 10.
