"Y así vamos adelante, botes que reman contra la corriente, incesantemente arrastrados hacia el pasado"
Francis Scott Fitzgerald, El Gran Gatsby.
domingo, abril 30, 2006
PASAJES: "EL GRAN GATSBY"
"Y así vamos adelante, botes que reman contra la corriente, incesantemente arrastrados hacia el pasado"
Francis Scott Fitzgerald, El Gran Gatsby.
sábado, abril 29, 2006
THE 25th HOUR: “FUCK YOU”
La ultima noche.
(The 25th Hour, 2002)
D.: Spike Lee.
G.: David Benioff sobre su propia novela.
I.: Edward Norton, Rosario Dawson, Barry Pepper, Philp Seymour Hoffman, Brian Cox, Anna Paquin, Tony Siraqusa.
Duración.: 134 minutos. Color.
BSO:
Terrence Blanchard - 25th Hour Finale.
Bruce Springsteen - The Fuse.
Tal y como leí en algún lugar que nunca recordé después Spike Lee es un cronista de Nueva York en sintonía con Woody Allen. La diferencia estriba en que Allen es un judío intelectual de Manhattan, y Lee un negro de Brooklyn. Y eso se nota. No faltan las reflexiones sobre las relaciones entre los seres humanos, pero la población de color que tiene en su pasado una esclavitud imborrable que nunca ha dejado de desaparecer, asume estas historias de una perspectiva muy distinta.
Tras los atentados del 11S Lee tomó un nuevo rumbo en su carrera que a juzgar por lo que viene diciendo la crítica continua en su segunda cinta de género (siempre hay alguien que olvida sus Clockers ) recientemente estrenada, Plan Oculto. La que hoy nos ocupa es la cinta que se estrenó antes (aunque no la que rodó antes, después viene la aún inédita She Hate Me ) una historia que se distingue de las otras (como Summer of Sam ) por alejarse de la temática plenamente racial.
La premisa inicial es la narración del último día en libertad de Monty Brogan, un traficante de drogas atrapado por el DEA, que se debate sobre si su novia Naturelle Riviera le delató, y pasará la noche reencontrándose con su padre, y sus dos mejores amigos.
Así el director reduce los personajes y los actores toman por lo tanto mucho papel. Edward Norton un actor que lleva años sin prodigarse por esos grandes tours de force que le dieron su merecida fama, borda un personaje y lo llena literalmente de matices. Le acompañan un Barry Pepper que demuestra que debería ser más explotado por papeles mejores, y los siempre sensacionales Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson, Brian Cox y Anna Paquin.
Spike Lee además usa sus mejores virtudes estilísticas en este film. Por un lado su siempre sensacional equipo técnico se redondea con la presencia del siempre extraordinario cámara Rodrigo Prieto, y por el otro el montaje de Lee siempre rítmico confluye muy bien con los imprescindibles ritmos que tan bien compone un majestuoso Terrence Blanchard, como siempre Lee crea musicales sin números, donde la música es un estado de ánimo.
El argumento en apariencia sencillo presenta numerosas discontinuidades en su historia que lo hacen más atractivo, y digresiones varias. En concreto dos: el mónologo ante el espejo y la visión final. No revelaremos más, pero ahí Lee adquiere toda la fuerza que tiene su cine desde los tiempos de Do the right thing. La furia, la rabia, la pasión. La sensación de desarraigo e impotencia que vive Nueva York tras el 11S es reflejada por la película desde su inicio y es una referencia continuada y nada gratuita. Esta película es el retrato de un momento cargado de rabia e intolerancia. En este sentido La última noche presenta de un modo mejor incorporado todo el discurso de Crash (el film de Haggis) pero además tampoco pierde el otro sentido a su historia.
El otro sentido es el retrato de un personaje desamparado que empieza a plantearse su vida justo cuando quizás ya la haya sentenciado. Y estos dos temas confluyen en Lee con una fuerza que no denota para nada falsa trascendencia. Todo está calculado y los momentos climáticos son los justos.
Tampoco esquiva Lee a unos sabrosos personajes secundarios, que es capaz de retratar con una línea de diálogo y que también en cierta medida los hace partícipes del viaje sin retorno que va a iniciar Monty Brogan. Y ahí vuelve a incar el diente étnico que puebla la Gran Manzana, haciendo un homenaje a un Nueva York que después del 2001 quizás ya no vuelva. También hace apuntes de noir retratando con ciertos aires scoresianos los ambientes en los que se mueve Brogan, pero esto se queda ahí, en vagos apuntes que quedan sometidos a una historia que no necesita para nada amoldarse a un género estricto. Ya es elocuente por si sola. Como siempre Lee borda sus característicos travellings que atraviesan por delante y siempre por dentro a sus personajes.
Y al revisarla compruebo que The 25th Hour no ha perdido ápice de su importancia ni de su grito ahogado de rabia. Mientras que Edward Norton grita Fuck You ante su espejo (otro eco scorsesiano) todos nosotros contemplamos impasibles nuestros errores, como los amigos de Brogan. Como el caído World Trade Center, ya no hay remedio posible. La música de Blanchard continua grabada en mis oídos, y cualquier mero apunte que haya hecho con anterioridad no hace justicia a toda la perfección que deslumbra la que quizás sea la mejor película de Lee.
(The 25th Hour, 2002)
D.: Spike Lee.
G.: David Benioff sobre su propia novela.
I.: Edward Norton, Rosario Dawson, Barry Pepper, Philp Seymour Hoffman, Brian Cox, Anna Paquin, Tony Siraqusa.
Duración.: 134 minutos. Color.
BSO:
Terrence Blanchard - 25th Hour Finale.
Bruce Springsteen - The Fuse.
Tal y como leí en algún lugar que nunca recordé después Spike Lee es un cronista de Nueva York en sintonía con Woody Allen. La diferencia estriba en que Allen es un judío intelectual de Manhattan, y Lee un negro de Brooklyn. Y eso se nota. No faltan las reflexiones sobre las relaciones entre los seres humanos, pero la población de color que tiene en su pasado una esclavitud imborrable que nunca ha dejado de desaparecer, asume estas historias de una perspectiva muy distinta.
Tras los atentados del 11S Lee tomó un nuevo rumbo en su carrera que a juzgar por lo que viene diciendo la crítica continua en su segunda cinta de género (siempre hay alguien que olvida sus Clockers ) recientemente estrenada, Plan Oculto. La que hoy nos ocupa es la cinta que se estrenó antes (aunque no la que rodó antes, después viene la aún inédita She Hate Me ) una historia que se distingue de las otras (como Summer of Sam ) por alejarse de la temática plenamente racial.
La premisa inicial es la narración del último día en libertad de Monty Brogan, un traficante de drogas atrapado por el DEA, que se debate sobre si su novia Naturelle Riviera le delató, y pasará la noche reencontrándose con su padre, y sus dos mejores amigos.
Así el director reduce los personajes y los actores toman por lo tanto mucho papel. Edward Norton un actor que lleva años sin prodigarse por esos grandes tours de force que le dieron su merecida fama, borda un personaje y lo llena literalmente de matices. Le acompañan un Barry Pepper que demuestra que debería ser más explotado por papeles mejores, y los siempre sensacionales Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson, Brian Cox y Anna Paquin.
Spike Lee además usa sus mejores virtudes estilísticas en este film. Por un lado su siempre sensacional equipo técnico se redondea con la presencia del siempre extraordinario cámara Rodrigo Prieto, y por el otro el montaje de Lee siempre rítmico confluye muy bien con los imprescindibles ritmos que tan bien compone un majestuoso Terrence Blanchard, como siempre Lee crea musicales sin números, donde la música es un estado de ánimo.
El argumento en apariencia sencillo presenta numerosas discontinuidades en su historia que lo hacen más atractivo, y digresiones varias. En concreto dos: el mónologo ante el espejo y la visión final. No revelaremos más, pero ahí Lee adquiere toda la fuerza que tiene su cine desde los tiempos de Do the right thing. La furia, la rabia, la pasión. La sensación de desarraigo e impotencia que vive Nueva York tras el 11S es reflejada por la película desde su inicio y es una referencia continuada y nada gratuita. Esta película es el retrato de un momento cargado de rabia e intolerancia. En este sentido La última noche presenta de un modo mejor incorporado todo el discurso de Crash (el film de Haggis) pero además tampoco pierde el otro sentido a su historia.
El otro sentido es el retrato de un personaje desamparado que empieza a plantearse su vida justo cuando quizás ya la haya sentenciado. Y estos dos temas confluyen en Lee con una fuerza que no denota para nada falsa trascendencia. Todo está calculado y los momentos climáticos son los justos.
Tampoco esquiva Lee a unos sabrosos personajes secundarios, que es capaz de retratar con una línea de diálogo y que también en cierta medida los hace partícipes del viaje sin retorno que va a iniciar Monty Brogan. Y ahí vuelve a incar el diente étnico que puebla la Gran Manzana, haciendo un homenaje a un Nueva York que después del 2001 quizás ya no vuelva. También hace apuntes de noir retratando con ciertos aires scoresianos los ambientes en los que se mueve Brogan, pero esto se queda ahí, en vagos apuntes que quedan sometidos a una historia que no necesita para nada amoldarse a un género estricto. Ya es elocuente por si sola. Como siempre Lee borda sus característicos travellings que atraviesan por delante y siempre por dentro a sus personajes.
Y al revisarla compruebo que The 25th Hour no ha perdido ápice de su importancia ni de su grito ahogado de rabia. Mientras que Edward Norton grita Fuck You ante su espejo (otro eco scorsesiano) todos nosotros contemplamos impasibles nuestros errores, como los amigos de Brogan. Como el caído World Trade Center, ya no hay remedio posible. La música de Blanchard continua grabada en mis oídos, y cualquier mero apunte que haya hecho con anterioridad no hace justicia a toda la perfección que deslumbra la que quizás sea la mejor película de Lee.
viernes, abril 28, 2006
16 CALLES: "THE GAUNTLET"
16 Calles.
(16 Blocks, 2005)
D.: Richard Donner.
G.: Richard Wenkt.
I.: Bruce Willis, Mos Def, David Morse, Tig Fong, Cylk Cozart.
Duración.: 108 minutos. Color.
Richard Donner no ha dado aún su último tiro. Los que lo dábamos perdido filmando pseudoseries B decadentes como Timeline y otras olvidables películas nos podemos ir tragando nuestras palabras, pero un error como este no merece más que celebrarse.
Richard Donner para quien no lo sepa es el mayor y uno de los mejores artesanos del “late Hollywood”, un hábil director que sabe conducir con sobriedad y clase cualquier clase de espectáculo cinematográfico. Arma Letal; Superman; La profecía o Los Goonies son sanos ejemplos de la cinematografía que ya ha sido objeto de imitaciones y remakes (el inminente estreno de La Profecía lo vuelve a confirmar).
Sin embargo el exceso de secuelas de las aventuras de Riggs y Murtaugh, y sobretodo la ausencia de Shane Black en ellas confirman que Donner llevaba un cansancio a reformular siempre los mismos clichés. Pero en 16 Calles borda su historia por sus medios. Así el peculiar (anti)héroe de la película, Jack Mosley, un policía cojo, gordo, ojeroso, alcohólico y cansado pero con una última posibilidad de redención es la historia de Donner, un director gastado con al menos un disparo más.
De acuerdo, la historia es la clásica buddy movie, pero aquí no estamos ante los delirios de Michael Bay, ni otros cineastas videocliperos y explosivos. Y hay más lecturas, que nunca son gratuitas. ¿Recuerdan Ruta Suicida (The Gauntlet) ese maravilloso divertimento que nadie pareció querer entender?
Pues en susodicho film dirigido/protagonizado por Clint Eastwood, encarnaba a Ben Shcokley, un detective completamente torpe y borracho, pero también con un mínimo de principios a los que no va a renunciar. Desmitifcando con ironía a Harry Callahan, Eastwood bordaba un clásico del thriller setentero con un famosísimo tiroteo a un autobús. Aquí vuelve a aparecer el tiroteo al autobús, pero esta vez el antihéroe es un Bruce Willis genial, que decide desmitificar al muy duro héroe John McClane de La jungla de cristal (el perfecto equivalente reciente a la saga de Callahan).
Lo que prima aquí es narrar y entretener con un oficio que ya no es nada habitual ; y lo consigue. Sobra la moralina final (y un tremendamente chirriante Mos Def) y le borra todo ese airazo de apuntes de noir que habían desarrollado el personaje de Mosley pero aún así es uno de esos productos que despiertan la simpatía de los nostálgicos del mainstream de antaño.
(16 Blocks, 2005)
D.: Richard Donner.
G.: Richard Wenkt.
I.: Bruce Willis, Mos Def, David Morse, Tig Fong, Cylk Cozart.
Duración.: 108 minutos. Color.
Richard Donner no ha dado aún su último tiro. Los que lo dábamos perdido filmando pseudoseries B decadentes como Timeline y otras olvidables películas nos podemos ir tragando nuestras palabras, pero un error como este no merece más que celebrarse.
Richard Donner para quien no lo sepa es el mayor y uno de los mejores artesanos del “late Hollywood”, un hábil director que sabe conducir con sobriedad y clase cualquier clase de espectáculo cinematográfico. Arma Letal; Superman; La profecía o Los Goonies son sanos ejemplos de la cinematografía que ya ha sido objeto de imitaciones y remakes (el inminente estreno de La Profecía lo vuelve a confirmar).
Sin embargo el exceso de secuelas de las aventuras de Riggs y Murtaugh, y sobretodo la ausencia de Shane Black en ellas confirman que Donner llevaba un cansancio a reformular siempre los mismos clichés. Pero en 16 Calles borda su historia por sus medios. Así el peculiar (anti)héroe de la película, Jack Mosley, un policía cojo, gordo, ojeroso, alcohólico y cansado pero con una última posibilidad de redención es la historia de Donner, un director gastado con al menos un disparo más.
De acuerdo, la historia es la clásica buddy movie, pero aquí no estamos ante los delirios de Michael Bay, ni otros cineastas videocliperos y explosivos. Y hay más lecturas, que nunca son gratuitas. ¿Recuerdan Ruta Suicida (The Gauntlet) ese maravilloso divertimento que nadie pareció querer entender?
Pues en susodicho film dirigido/protagonizado por Clint Eastwood, encarnaba a Ben Shcokley, un detective completamente torpe y borracho, pero también con un mínimo de principios a los que no va a renunciar. Desmitifcando con ironía a Harry Callahan, Eastwood bordaba un clásico del thriller setentero con un famosísimo tiroteo a un autobús. Aquí vuelve a aparecer el tiroteo al autobús, pero esta vez el antihéroe es un Bruce Willis genial, que decide desmitificar al muy duro héroe John McClane de La jungla de cristal (el perfecto equivalente reciente a la saga de Callahan).
Lo que prima aquí es narrar y entretener con un oficio que ya no es nada habitual ; y lo consigue. Sobra la moralina final (y un tremendamente chirriante Mos Def) y le borra todo ese airazo de apuntes de noir que habían desarrollado el personaje de Mosley pero aún así es uno de esos productos que despiertan la simpatía de los nostálgicos del mainstream de antaño.
jueves, abril 27, 2006
GRANDES MOMENTOS EN LA CONSULTA DEL DR. HOUSE (VI): GREGORY Y HUGH
Las pruebas realizadas a Hugh Laurie para el papel del inimitable doctor. Además el doctor ya ha arrasado con las Mujeres Desesperadas en la batalla de los martes.
Video cortesía de Traç Man.
miércoles, abril 26, 2006
SPOTS: AMERICAN XPRESS
Noel me pasa un genial anuncio para calmar la desértica sed que provoca esperar The Fantastic Mr. Fox, es decir, un Wes Anderson comprimido pero no menos inspirado.
martes, abril 25, 2006
BREVES APUNTES SOBRE EMPIRE CITY
-Las aventuras de Kavalier y Clay de Michael Chabon es una novela que no me canso de recomendar y de la que he disfrutado recientemente. Básicamente es una historia sobre dos dibujantes de cómics, con algún que otro exceso de información para los “no entendidos”. Además es el primer Chabon que descubro.
-Maravillosa traducción de Javier Calvo, cabe destacar varias cosas: el punto de partida es la llegada de un escapista, Joseph Kavalier, a Nueva York, la de finales de los 30, a vivir a casa de su primo Sammy Klayman. Pronto “Joe” Kavalier y Sam Clay crearán El Escapista, un superhéroe judío decidido a liberar a todos del mal de Hitler. Todo esto a ritmo de los swings enrarecidos de los años 30 y 40 del grandioso Raymond Scott, y al final acompasado por la inevitable tristeza de una canción de Sinatra o Rosemary Clooney. Un viaje a la cultura popular en toda regla, y además aparte de los excesos informativos, no tiene ningún tipo de desperdicio.
-Sin embargo todos los que quieran ver una novela para amantes del cómc cometen uno de los mayores actos de estupidez jamás visto. A poco a poco, Chabon usa con una maestría tan propia de él, unas cuantas metáforas del superhéroe que nos conmueven. Sus dos protagonistas, son a su manera, superhéroes que no saben si ser el hombre con mayas o el hombre con gafas. Ambos necesitan escapar de sus vidas cuando la cosa se pone fea, y de hecho la lectura abunda en fugas. En realidad, no lo consiguen.
-Le sobran algunos pasajes (pocos), pero esta novela es excelente y muy recomendable. Para unos y para otros, al final nos queda una cosa clara: todo superhéroe, sobretodo los anónimos que tienen mucha carne y hueso, necesita su Fortaleza de la Soledad, su Baticueva….
BLOGOSPHERE (III): EL FENÓMENO
No, no va por los muchachotes que con un post superaron las mil visitas (eso tiene explicación). Me entero gracias al Retiario que Juan Varela, Ignacio Escolar, o el mismo Cervera participan en un estudio sobre los weblogs que pueden leer aquí (en PDF). Y ver su índice aquí. Muy recomendable.
SPOTS: PS2
Ahora que el E3 está al caer, y todos los aficionados a las consolas están esperando impacientes para poder ver algo de luz, recupero este estupendo anuncio que rodó David Lynch para la PS2.
lunes, abril 24, 2006
PASAJES: "EL SUEÑO ETERNO"
"En el camino de la ciudad paré en un bar y me tomé un par de whiskys dobles. No me hicieron ningún bien. Todo lo que hicieron fue recordarme a Peluca de Plata. Nunca más volví a verla"
Raymond Chandler, El sueño eterno.
domingo, abril 23, 2006
ESPECIAL DEL LIBRO (III): PRESUNCIÓN BOBA
Que si, que soy un crío, y por eso les exclamo lleno de vigorosidad, "Miren que me han regalado este día del libro ".... (aunque cabe señalar que en castellano obviously, pero las portadas originales suelen ser más atractivas).
sábado, abril 22, 2006
ESPECIAL DÍA DEL LIBRO (II): 6 RECOMENDACIONES QUE YO NO TENDRÍA MUY EN CUENTA
Mañana será el día del Libro (aquí también conocido como Sant Jordi), y como lo de tomarse recomendaciones es algo más serio, les digo lo que yo regalaría para tan literario día.
A ver, a ver…
-El sueño eterno de Raymond Chandler.
Porque Chandler es mito y referencia. Porqué todo buen lector ha deseado ser Philip Marlowe alguna vez en su vida.
-Memorias de un amante sarnoso de Groucho Marx.
“Nuestro héroe esta royendo un hueso sentado ante una mesa de piedra en una cueva oscura. Soy yo, Groucho Marx, el ermitaño de Hollywood”.
-Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay de Michael Chabon.
Elegante crónica de 50 años del mundo del cómic. ¿Qué no saben que regalar libros o tebeos? Apuesten por esta maravillosa novela hecha para cualquier amante del cómic, y cualquier lector de Salinger.
Álvaro Pons lidera la propuesta de "En el día del libro, regala tebeos " en los que ha incluido varios de los blogs de más resonancia entre el público. Sea como sea, tres cómics que regalaría serían:
-Como un guante de seda forjado en hierro de Daniel Clowes.
Hipnótico y triste. En palabras de Jordi Costa es una obra sobre “la extraña naturaleza del amor”.
-¡You are here! de Kyle Baker.
Una comedia romántica noir, por aproximarse a una obra tan indescriptible como iconoclasta, la más desternillante y frenética que he leído en mucho tiempo.
-La ciudad de cristal de David Mazzuchelli y Paul Karasik.
¿Qué no sabes como empezar a leer a Paul Auster? Sigan mi ejemplo, primero el cómic, después sus novelas. Y les puedo asegurar que estamos ante una obra con vida propia (más allá de Auster) y con una grandeza que no se tiene que perder.
A ver, a ver…
-El sueño eterno de Raymond Chandler.
Porque Chandler es mito y referencia. Porqué todo buen lector ha deseado ser Philip Marlowe alguna vez en su vida.
-Memorias de un amante sarnoso de Groucho Marx.
“Nuestro héroe esta royendo un hueso sentado ante una mesa de piedra en una cueva oscura. Soy yo, Groucho Marx, el ermitaño de Hollywood”.
-Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay de Michael Chabon.
Elegante crónica de 50 años del mundo del cómic. ¿Qué no saben que regalar libros o tebeos? Apuesten por esta maravillosa novela hecha para cualquier amante del cómic, y cualquier lector de Salinger.
Álvaro Pons lidera la propuesta de "En el día del libro, regala tebeos " en los que ha incluido varios de los blogs de más resonancia entre el público. Sea como sea, tres cómics que regalaría serían:
-Como un guante de seda forjado en hierro de Daniel Clowes.
Hipnótico y triste. En palabras de Jordi Costa es una obra sobre “la extraña naturaleza del amor”.
-¡You are here! de Kyle Baker.
Una comedia romántica noir, por aproximarse a una obra tan indescriptible como iconoclasta, la más desternillante y frenética que he leído en mucho tiempo.
-La ciudad de cristal de David Mazzuchelli y Paul Karasik.
¿Qué no sabes como empezar a leer a Paul Auster? Sigan mi ejemplo, primero el cómic, después sus novelas. Y les puedo asegurar que estamos ante una obra con vida propia (más allá de Auster) y con una grandeza que no se tiene que perder.
viernes, abril 21, 2006
ESPECIAL DÍA DEL LIBRO: "UN DÍA PERFECTO PARA EL PEZ PLÁTANO"
JD Salinger.
En el hotel había noventa y siete agentes de publicidad neoyorquinos. Como monopolizaban las líneas telefónicas de larga distancia, la chica del 507 tuvo que esperar su llamada desde el mediodía hasta las dos y media de la tarde. Pero no perdió el tiempo. En una revista femenina leyó un artículo titulado «El sexo es divertido o infernal». Lavó su peine y su cepillo. Quitó una mancha de la falda de su traje beige. Corrió un poco el botón de la blusa de Saks. Se arrancó los dos pelos que acababan de salirle en el lunar. Cuando, por fin, la operadora la llamó, estaba sentada en el alféizar de la ventana y casi había terminado de pintarse las uñas de la mano izquierda.
Siga leyendo "Un día perfecto para el pez plátano".
jueves, abril 20, 2006
UN PERRO ANDALUZ
Un perro andaluz, cortometraje de diecisiete minutos, es la obra maestra de Luis Buñuel escrita en colaboración de Salvador Dalí . Pues disfruten de un ejercicio de surrealismo sacado de los sueños (pesadillas). Ah si, Pierre Batcheff (el protagonista) se suicidó tras rodar el corto. A Dalí le pareció muy adecuado. Alimenten sus paranoias de que "el cine es el diablo" (si ya lo decía Coppola...).
Cortesía de Beat Henrique, y su selección de cortometrajes imprescindible.
Y si quieren ver la saludable influencia que ha ejercido la fascinante propuesta de estos dos genios, vean porqué el video maldito de The Ring (versión Gore Verbinski) resulta tan aterradoramente fascinante.
miércoles, abril 19, 2006
Y USTED ¿TIENE REFERENCIAS?
UNO. Que llenar tu obra de referentes puede convertirse en una de las bellas artes ya lo sabemos. Los referentes son muchos y variados y sino miren la naturaleza fascinante de los links. Sin embargo en el cine una intentar referenciar (o mas bien, parecerse a) puede acarrear ser muchísimo más estúpido que inteligente.
DOS. No les voy a soltar (contra todo lo que puedan llegar a pensar) un discurso de los defectos del cine de Brian De Palma, el “discípulo de Hitchcock” para unos, y “el plagiador descarado del ídem” para otros, los más puristas claro. De Palma tiene una inventiva y una inteligencia fuera de serie en su cine. A lo que íbamos es por ejemplo al corto Yeah Yeah Yeah! uno de los participantes de la edición de Fotogramas en Corto. Lo que pretende este cortometraje es acercarse a entre otros, el cine de Wes Anderson. Y he aquí el meollo de la cuestión. ¿Qué pasa cuando este “referenciado” ya está lo suficientemente surtido de otros referentes? Pues que el intento de “parecerse”, “homenajear” (llámenlo como quieran) se queda en un tímido acercamiento estético con esos guiños continuos a la cultura pop, que por otra parte sólo es una fuente nutritiva de las películas de Anderson. El corto de Marçal Flores no se acerca a la sensibilidad de Anderson (alumno recién salido de Franny y Zoey con alma de Peanut, como ya he reiterado otras veces) y lo que hacen es un acercamiento nimio.
TRES. El caso más exagerado es Quentin Tarantino, y sino revisen la filmografía de Michael Madsen pos-Reservoir Dogs, y lo que John Constantine en los comentarios a la crítica de Revolver de Mr. Refo ha llamado las “neopulp fictions”. ¿Qué ocurre? (Guy Ritchie aparte) pues que el cine de Tarantino lo mismo se alimenta de Sonny Chiba que de Godard, e intentar plagiar a Tarantino es poco menos que un suicidio intelectual que viene condenado al fracaso de antemano (¿a que espera alguien para llevarme la contraria?).
CUATRO. Por suerte es poco recordado, pero Woody Allen también ha tenido su “intención de crear escuela”. Miami de David Frankel lo heredaba todo (créditos blancos sobre fondo negro a ritmo de jazz; Mia Farrow ; matrimonios en crisis…) pero el fracaso fue estrepitoso. Lo más obvio es que Miami no es Manhattan, y los films de Allen también tienen sus pequeños referentes aunque no lo parezcan, y resulta bastante parco acercarse a la filmografía del neoyorquino de una forma tan obvia como insatisfactoria. Porqué Allen tiene dos ramas importantes, por un lado ciertos temas heredados de la literatura judeoamericana, de autores como Philip Roth (no tan lejano a Allen como pudiera parecer) o por el otro esa escuela del humor judío que lidera Groucho Marx (los libros de Allen son maravillosas ampliaciones de las genialidades perpetradas por Groucho) Por mucho que se diga Cuando Harry encontró a Sally no es una película pretendidamente “woodyalleniana”. Es fruto del encuentro entre Rob Reiner y Nora Ephron, y hay que tener varios factores en cuenta: si la película destila algo de humor “ a la allen” es porqué su director es hijo de otro maestro del humor judío, el también realizador Carl Reiner (que si rizamos el rizo podríamos decir que algo de Carl hay en Woody), y porqué nadie duda que a Nora Ephron , tan enamorada de la Gran Manzana como Allen, le gustó mucho Annie Hall.
CINCO. Y es que nadie duda que en la otra cara de la moneda se pueda superar al referente en muchísimos aspectos. El ejemplo más claro que me viene ahora a la cabeza son Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket de Brad Siberling en la que Tim Burton es fundamental en la propia estética del film, pero es que contando con variopintos colaboradores del mismo Tim (Emmanuel Lubezki en la fotografía o Colleen Atwood en el vestuario) su director teje su mejor película, una suerte de cinta de aventuras pos-Burton pero con un ritmo de los mejores Indiana Jones. Es decir, una cinta tan perversa como siniestramente atractiva.
martes, abril 18, 2006
Bill: Como sabes soy amante de los comics. Especialmente de los de Superhéroes. Encuentro que toda la Mitología que rodea a los comics es fascinante. Tomemos a mi superhéroe favorito, Superman. No es un comic grandioso, no está bien dibujado. Pero la mitología, no solo es estupenda, sino que es única.
Beatrix Kiddo: ¿Cuánto falta para que esta mierda entre en acción?
Bill: Unos dos minutos. Lo suficiente como para que entiendas lo que te explico. Lo común en una historia de mitología es que por un lado está el superhéroe, y por el otro está su alter-ego. Batman en verdad es Bruce Wayne, Spiderman es en realidad Peter Parker. Cuando ese personaje se despierta por la mañana, es Peter Parker. Tiene que ponerse un traje para convertirse en Spiderman. Y es en esa característica en la que Superman, no tiene semejante. Superman no se convirtió en Superman, nació siendo Superman. Cuando se levanta por la mañana, es Superman. Su alter-ego, es Clark Kent. Ese traje, con la S en rojo, esa era la colcha con la cual estaba envuelto de bebé cuando los Kent lo encontraron. Esa es su ropa. Lo que usa Kent, las gafas, el traje de negocios, ese es el disfraz. Ese es el traje que utiliza Superman para mezclarse entre nosotros. Clark Kent es como Superman nos ve a nosotros. ¿Y cuales son las características de Clark Kent? Es débil, inseguro... es un cobarde. Clark Kent es la crítica que hace Superman sobre toda la raza humana.
Cortesía del Lamento de Portnoy.
KILL BILL. VOL. 2
lunes, abril 17, 2006
VENDETTA
Aún no la he visto, sin embargo el debate que está suscitando es bastante interesante. Vean, contrasten, y no duden en opinar:
Pepo Pérez.
Street Fighting Man sonando en los títulos de créditos finales: otro capricho más que les habrá costado una pasta. Créditos en los cuales, efectivamente, no aparece Alan Moore, sólo se refieren al cómic "ilustrado por David Lloyd". Vista la película, uno sospecha por qué el barbudo decidió retirarse de ellos. No es que sea muy mala ni muy buena, ni siquiera llega a macarra, es que no es. El fenómeno ya lo conocemos: autores mediocres pagando por adaptar un material que "les fascina" pero que han sido incapaces de crear por sí mismos, para luego "hacerlo suyo" y recrear en él "su mundo propio", aderezándolo con multitud de guiños y caprichos caros que pueden pagarse porque tienen dinero para ello. Por supuesto, en realidad lo único que consiguen es distorsionar la obra adaptada y parir un raro engendro que ni es el original ni, por supuesto, un material genuino y personal que logre llegar a ser algo más que mediocre.
Siga leyendo V de... ¿qué?
Rodrigo Fresán
Para empezar a hablar del asunto, la última edición de la revista especializada Empire recuerda que en 1940, en los livings y comedores del Blitz londinense, los ciudadanos escuchaban en la radio un programa que, invariablemente, comenzaba con las primeras notas de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Cuatro notas que, traducidas a cadencia Morse, valían y equivalen a punto-punto-punto-raya y que no significaban otra cosa que la letra V. La idea para el slogan fue de Winston Churchill: V de Victoria.
Siga leyendo El buen terrorista.
- Enlace a Fresán cortesía de Pynchon Community.
domingo, abril 16, 2006
PASAJES: "MILES DAVIS Y KIND OF BLUE"
"Cuando lo volví a ver, me dijo:«Que coño quieres decir con 'retorno'? No me he ido a ninguna parte.» Típico comentario de Miles. "
Ashley Kahn, Miles Davis y Kind Of Blue: La creación de una obra maestra.
sábado, abril 15, 2006
"LECCIONES DE CINE " - NACHO VIGALONDO
Es cierto. Nacho Vigalondo es ya más que una promesa dentro del cine. Sus "Cronocrímenes" que quizás produzcan los hermanos Scott ya tiene su granito de enormes esperanzas en este rincón, porqué viendo sus gags uno ya no "intuye", sino "ve". Ve que el tipo tiene talento. En breve mi reseña sobre Choque, su mejor trabajo hasta el momento (y ya es decir). Ahora disfruten de esta enorme lección de cine.
MATRIX O LAS DOS CARAS DE LA PERVERSIÓN.
Slavoj Zizek.
Cuando vi The Matrix en un cine de barrio de Eslovenia, tuve la oportunidad única de sentarme al lado del espectador ideal para la película, es decir, de un idiota: un hombre que rozaba la treintena, sentado a mi derecha y, tan absorto en la película, que constantemente molestaba a los otros espectadores con exclamaciones como: «¡Dios, la realidad no existe!»... Sin duda prefiero esta ingenua inmersión en la película a las interpretaciones intelectualoides y pseudosofisticadas que proyectan sobre la ella refinados matices filosóficos o psicoanalíticos.
Sin embargo, no resulta difícil comprender la atracción que a nivel intelectual ejerce The Matrix: ¿No es una de esas películas que actúan como una especie de test de Rorschach, poniendo en marcha un proceso universal de identificación, como el proverbial retrato de Dios, que parece siempre estar mirándote directamente, lo mires desde dónde lo mires - una de esas películas en las que se sienten reflejadas casi todas las miradas? Mis amigos lacanianos me aseguran que los autores del guión deben haber leído a Lacan; los defensores de la Escuela de Frankfurt ven en la película una encarnación extrapolada de la Kulturindustrie, con el dominio directo de la Sustancia social (del Capital) alienada-reificada que coloniza nuestra vida interior y nos utiliza como fuente de energía; los defensores de la New Age ven en la película una fuente para especular sobre nuestro mundo como un espejismo generado por una Mente global encarnada en la World Wide Web. Esta serie de referencias nos remite a La República de Platón: ¿no calca The Matrix la imagen platónica de la cueva (seres humanos comunes como prisioneros férreamente atados a sus asientos y obligados a ser espectadores de una oscura representación de lo que (engañados) consideran que es la realidad? Una diferencia esencial entre la película y el texto platónico es, por supuesto, que cuando alguna persona se escapa de la cueva, y asciende a la superficie de la tierra, lo que encuentra ya no es la brillante superficie iluminada por los rayos de sol de antaño, el Bien supremo, sino el desolado «desierto de lo real». La principal dicotomía en este caso viene dada por las posturas de la Escuela de Frankfurt y de Lacan: ¿debemos historizar Matrix incorporándol a a la metáfora del Capital que colonizó la cultura y la subjetividad, o estamos hablando de la reificación del orden simbólico en sí mismo? Sin embargo, ¿qué ocurre si la alternativa misma que planteamos es falsa? ¿Qué pasa si el carácter virtual del orden simbólico «en sí mismo» es la condición misma de la historicidad?
Sigue leyendo The Matrix o las dos caras de la perversión.
Artículos relacionados:
-Slavoj Zizek en la Wikipedia.
viernes, abril 14, 2006
IMAGINE THERE'S NO BUSH
Via Escolar.
PD: Y en ¡Que paren las máquinas! ofrece este PDF sobre la figura del actual Rey de España (paginas 19-35) obra del periodista Jon Lee Anderson.
jueves, abril 13, 2006
CRASH: CHOQUE EMOCIONAL
Crash. Colision.
(Crash, 2005).
D.: Paul Haggis.
G.: Paul Haggis a partir de una historia de Bobby Moresco y Paul Haggis.
I.: Matt Dillon, Thandie Newton, Don Cheadle, Jennifer Esposito, Terrence Howard, Ryan Philippe, Ludacris, Brendan Fraser, Larenz Tate, Sandra Bulock, William Fichtner, Keith David, Loretta Devine, Shaun Toub, Tony Danza, Nona M. Gaye.
Duración.: 100 minutos. Color.
Tras varias visiones, y muchas revisiones de otras películas, puedo asegurarles varias cosas. Crash es una buena película. Para mi dista mucho de ser una obra maestra, y también de ser una mala película. Pero lo que está claro es que no es la película del año, que ha premiado los Oscar. Brokeback Mountain contiene quizás más acierto que la cinta de Haggis, pero a decir verdad, la mejor película (nominada a los Oscar en esa categoría) era indiscutiblemente Munich que me parece una cinta realmente arriesgada y rompedora. La que nos ocupa, es una cinta más que radiografia las heridas que se abrieron aún más tras el 11S, esas heridas que no dejan de ser una mala mezcla de miedo e intolerancia entre otros factores.
Paul Haggis el guionista de Million Dollar Baby ha cosido un sólido guión para contarnos una fábula moral y coral sobre el racismo en la urbe de Los Ángeles. Tal y como se ha señalado Crash pretende ser un émulo fílmico a la Gran Novela Americana (esa que tantos autores buscan), y la verdad, es demasiado ambiciosa y quiere erigirse en la Gran Película Americana sobre el racismo.
Aún así, pasaré primero a comentar el aspecto más interesante de la concepción de la película de Haggis. Su mayor virtud reside en una hábil y en momentos tremendamente brillante primera hora, donde se presentan a los personajes. La forma de presentarnos cada conflicto racial es bastante compleja en el fondo, y escapa en apariencia de algún que otro topicazo. Se acumula mucha tensión, pero en esa hora, detecté en Haggis una cierta lectura del empirismo de David Hume. El filósofo y teórico británico (1711-1776) decía que el ser humano casi siempre establecía sus juicios basándose en la experiencia adquirida, y pocas veces lo hacía basándose en la razón. Y así hacen los personajes de la película, se mueven con un extenuante grado de prejuicios, debido a una mala experiencia, o al puro miedo a lo desconocido. Así culpan a los demás de sus problemas. El mayor acierto de Crash es que a partir de los planteamientos de Hume consigue que todo el público entienda a los personajes, aunque no lo hace solamente por ello.
Y es que podemos decir cualquier cosa, pero la ganadora del Oscar a la mejor película, rechaza total y completamente la sutilidad. Quiere ser clara y explícita. No pretende nunca Haggis excederse en la violencia gratuita, todo el clima está creado de la tensión que arrastran estos personajes que incapaces de afrontar su propia vida (o su propia e inequívoca soledad) culpan a los demás, ejemplo de ello son la secuencia de It's a very good cloak es de lo mejorcito de la película, consigue indudablemente el efecto deseado o la del accidente de coche, resultan los dos momentos más arrolladores para el espectador. Y por ello se respalda en un enorme reparto, donde consigue que un actriz que tan poco soporto, Sandra Bullock, logre estar olvidable o en el mejor de los casos, soportable. Aunque los nombres del reparto son varios, destacan por luz propia Matt Dillon (un colosal actor a redescubrir) y el siempre grande Don Cheadle. Ambos llenan la pantalla y siempre suben de tono cualquier cosa o personaje al que se enfreten, pero es que Dillon le saca toda la miga a su papel bombón. Terrence Howard también resulta un nombre a tener en cuenta.
Ahora bien, el trabajo de Haggis de colisión con el espectador también tiene sus trabas. La película funciona como un buen impacto a todo el gran público, ya que juega muy astutamente (y esto no es ningún reproche) con las emociones de los personajes, se cuida de que éstos nos resulten cercanos, los inunda de preocupaciones cotidianas. Pero esta explicitez deja paso a las otras cojeras.
El referente más directo de Crash es una olvidada y grandiosa cinta de Lawrence Kasdan, también sobre racismo, también ambientada en Los Ángeles, llamada Grand Canyon, el mejor trabajo del olvidado Kasdan, que componía también un magnífico tapiz sobre el estallido de la intolerancia entre etnias como pretexto a las frustraciones existenciales del hombre mundano. Aquel film se cuidaba también de una sensible puesta en escena, y Crash no sólo “hereda” esos rasgos.
El montaje del film remite claramente a las magníficas estructuras que tanto y tan bien han cosido Robert Altman y Paul Thomas Anderson, y los copia directamente. Mientras que PT Anderson cogió referentes pero se convirtió en voz propia, la película de Haggis no ensombrece para nada a sus referentes, al contrario, éstos lanzan muchas dudas sobre el film.
La película funciona bien en su objetivo de lanzar un mensaje y que el público sea impactado por él, pero su tamiz de historias hace que una de ellas termine siendo muy forzada, y además vuelve a lanzar otra “herencia” poco cautelosa, y algo recalcitrante. Esa nieve que riega la ciudad al final, no es más que una vulgar relectura del magnífico final con lluvia incluido en la indispensable Magnolia. La dirección de Haggis es siempre funciona y muy eficaz (un rasgo que tampoco se debe menospreciar, pero si valorar en su justa medida), pero no presenta ningún rasgo llamativo u personal, ni se anuncia como una de los nuevos autores del cine norteamericano. En lo que acierta Haggis es en su hábil selección de música, que también incluye la magnífica partitura del siempre grande Mark Isham.
Artículos relacionados:
-Crítica de John Trent.
-Crítica de Spaulding.
-Crítica de Miguel A. Refoyo.
-Crítica de Iñaki Bilbao Larrea.
-Crítica de Beatriz Martínez para Miradas de Cine.
-Crítica de Jeremy Fox.
(Crash, 2005).
D.: Paul Haggis.
G.: Paul Haggis a partir de una historia de Bobby Moresco y Paul Haggis.
I.: Matt Dillon, Thandie Newton, Don Cheadle, Jennifer Esposito, Terrence Howard, Ryan Philippe, Ludacris, Brendan Fraser, Larenz Tate, Sandra Bulock, William Fichtner, Keith David, Loretta Devine, Shaun Toub, Tony Danza, Nona M. Gaye.
Duración.: 100 minutos. Color.
BSO:
Stereophonics - Maybe tomorrow.
Chris Pierce - Are you beautiful.
"Es la sensación de contacto... en cualquier ciudad por la que camines, ¿comprendes?, pasas muy cerca de la gente y esta tropieza contigo. En Los Angeles nadie te toca. Estamos siempre tras este metal y cristal y añoramos tanto ese contacto que chocamos contra otros sólo para poder sentir algo "
Tras varias visiones, y muchas revisiones de otras películas, puedo asegurarles varias cosas. Crash es una buena película. Para mi dista mucho de ser una obra maestra, y también de ser una mala película. Pero lo que está claro es que no es la película del año, que ha premiado los Oscar. Brokeback Mountain contiene quizás más acierto que la cinta de Haggis, pero a decir verdad, la mejor película (nominada a los Oscar en esa categoría) era indiscutiblemente Munich que me parece una cinta realmente arriesgada y rompedora. La que nos ocupa, es una cinta más que radiografia las heridas que se abrieron aún más tras el 11S, esas heridas que no dejan de ser una mala mezcla de miedo e intolerancia entre otros factores.
Paul Haggis el guionista de Million Dollar Baby ha cosido un sólido guión para contarnos una fábula moral y coral sobre el racismo en la urbe de Los Ángeles. Tal y como se ha señalado Crash pretende ser un émulo fílmico a la Gran Novela Americana (esa que tantos autores buscan), y la verdad, es demasiado ambiciosa y quiere erigirse en la Gran Película Americana sobre el racismo.
Aún así, pasaré primero a comentar el aspecto más interesante de la concepción de la película de Haggis. Su mayor virtud reside en una hábil y en momentos tremendamente brillante primera hora, donde se presentan a los personajes. La forma de presentarnos cada conflicto racial es bastante compleja en el fondo, y escapa en apariencia de algún que otro topicazo. Se acumula mucha tensión, pero en esa hora, detecté en Haggis una cierta lectura del empirismo de David Hume. El filósofo y teórico británico (1711-1776) decía que el ser humano casi siempre establecía sus juicios basándose en la experiencia adquirida, y pocas veces lo hacía basándose en la razón. Y así hacen los personajes de la película, se mueven con un extenuante grado de prejuicios, debido a una mala experiencia, o al puro miedo a lo desconocido. Así culpan a los demás de sus problemas. El mayor acierto de Crash es que a partir de los planteamientos de Hume consigue que todo el público entienda a los personajes, aunque no lo hace solamente por ello.
Y es que podemos decir cualquier cosa, pero la ganadora del Oscar a la mejor película, rechaza total y completamente la sutilidad. Quiere ser clara y explícita. No pretende nunca Haggis excederse en la violencia gratuita, todo el clima está creado de la tensión que arrastran estos personajes que incapaces de afrontar su propia vida (o su propia e inequívoca soledad) culpan a los demás, ejemplo de ello son la secuencia de It's a very good cloak es de lo mejorcito de la película, consigue indudablemente el efecto deseado o la del accidente de coche, resultan los dos momentos más arrolladores para el espectador. Y por ello se respalda en un enorme reparto, donde consigue que un actriz que tan poco soporto, Sandra Bullock, logre estar olvidable o en el mejor de los casos, soportable. Aunque los nombres del reparto son varios, destacan por luz propia Matt Dillon (un colosal actor a redescubrir) y el siempre grande Don Cheadle. Ambos llenan la pantalla y siempre suben de tono cualquier cosa o personaje al que se enfreten, pero es que Dillon le saca toda la miga a su papel bombón. Terrence Howard también resulta un nombre a tener en cuenta.
Ahora bien, el trabajo de Haggis de colisión con el espectador también tiene sus trabas. La película funciona como un buen impacto a todo el gran público, ya que juega muy astutamente (y esto no es ningún reproche) con las emociones de los personajes, se cuida de que éstos nos resulten cercanos, los inunda de preocupaciones cotidianas. Pero esta explicitez deja paso a las otras cojeras.
El referente más directo de Crash es una olvidada y grandiosa cinta de Lawrence Kasdan, también sobre racismo, también ambientada en Los Ángeles, llamada Grand Canyon, el mejor trabajo del olvidado Kasdan, que componía también un magnífico tapiz sobre el estallido de la intolerancia entre etnias como pretexto a las frustraciones existenciales del hombre mundano. Aquel film se cuidaba también de una sensible puesta en escena, y Crash no sólo “hereda” esos rasgos.
El montaje del film remite claramente a las magníficas estructuras que tanto y tan bien han cosido Robert Altman y Paul Thomas Anderson, y los copia directamente. Mientras que PT Anderson cogió referentes pero se convirtió en voz propia, la película de Haggis no ensombrece para nada a sus referentes, al contrario, éstos lanzan muchas dudas sobre el film.
La película funciona bien en su objetivo de lanzar un mensaje y que el público sea impactado por él, pero su tamiz de historias hace que una de ellas termine siendo muy forzada, y además vuelve a lanzar otra “herencia” poco cautelosa, y algo recalcitrante. Esa nieve que riega la ciudad al final, no es más que una vulgar relectura del magnífico final con lluvia incluido en la indispensable Magnolia. La dirección de Haggis es siempre funciona y muy eficaz (un rasgo que tampoco se debe menospreciar, pero si valorar en su justa medida), pero no presenta ningún rasgo llamativo u personal, ni se anuncia como una de los nuevos autores del cine norteamericano. En lo que acierta Haggis es en su hábil selección de música, que también incluye la magnífica partitura del siempre grande Mark Isham.
Artículos relacionados:
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-Crítica de Iñaki Bilbao Larrea.
-Crítica de Beatriz Martínez para Miradas de Cine.
-Crítica de Jeremy Fox.
miércoles, abril 12, 2006
GRANDES MOMENTOS EN LA CONSULTA DEL DR. HOUSE (V): ESTEREOTIPOS MALSANOS
Los estereotipos nunca son saludables, aunque indiquen progresismo. El doctor lo sabe.
martes, abril 11, 2006
PASAJES: "SHORT CUTS"
"Es un escape. La gente sueña cuando duerme. Si no se vuelve majareta."
Raymond Carver, Vitaminas - Short Cuts (Vidas Cruzadas).
lunes, abril 10, 2006
LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO: "QUE TODA LA VIDA ES CINE..."
La rosa púrpura del Cairo.
(The purple rose of Cairo, 1985)
G y D.: Woody Allen.
I.: Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Van Johnson, Dianne Wiest, Irving Metzman, Zoe Caldwell, Stephanie Farrow, John Wood, Milo O'Shea.
Duración.: 78 minutos. Color y blanco y negro.
BSO:
Fred Astaire - Cheek to cheek.
"Acabo de ver a un hombre maravilloso. Evidentemente es de ficción. ¡No se puede tener todo!".
-Con algún Spoiler-
En El Moderno Sherlock Holmes de Buster Keaton encarnaba a un proyeccionista que veía su sueño de convertirse en detective hecho realidad. Años más tarde, Woody Allen tomo ese concepto como punto de partida para una de sus cintas más originales y para el que suscribe más inolvidables, debido al cariño cinéfilo que destila cada imagen. Después Shane Black agarraría la idea de Allen y Keaton, y la reformularía en El último gran héroe en un sentido homenaje a la educación sentimental cinéfila y a un cine que nunca volverá.
Centrándonos en la película en sí, Allen se aleja sólo formalmente de sus habituales crónicas neoyorquinas para narrar una fábula triste y fantástica, situada en el Jersey de la Depresión Americana, donde una humilde camarera, Cecilia (Mia Farrow) debe soportar a un marido alcoholizado y pendenciero (Danny Aiello) mientras consuela sus sueños en el cine donde consuelas sus penas con La rosa púrpura del Cairo una exótica comedia de aventuras, y tras repetidas visiones, le ocurrirá algo extraordinario, el personaje que más le atrae del film, Tom Baxter (Jeff Daniels, cuando aún podía hacer de galán), saldrá de la película y le declarará su amor.
Así Allen propone un gracioso homenaje a las películas de antaño y a sus diálogos algo ingenios, proponiendo también una serie de inteligentes bromas sobre la ficción en general. De hecho, cuando Tom sale, nos encontramos toda su sarta de diálogos de los personajes que “permanecen” protestando por saber ¿hacia donde irá ahora la acción? En un momento de la película Tom se pregunta si “habrá ahora fundido en negro”, y por lo demás en el fondo no deja de haber una comedia típicamente alleniana, donde prevalecen de nuevo todos sus temas (las relaciones de pareja, la existencia de Dios, el sexo) , pero con la magia como encanto especial. Quizás el punto de partida de la película sea aquel momento de Annie Hall en que el protagonista suspira ¡Ojala la vida fuera así!
Adornada de una fiel reconstrucción de los tiempos grises de la Depresión, gracias en parte al espléndido director de fotografía Gordon Willis que realiza uno de sus mejores trabajos y al diseño de producción del habitual Santo Loquasto, y una maravillosa banda sonora que recoge la viveza del jazz de la época, la película se cierra con el Sombrero de Copa y Cecilia mirando a la pantalla el mítico baile de Fred Astaire. Todos sabemos la grandeza de ese plano, donde Allen describe la imposibilidad de cambiar la realidad, pero la única y certera, de vivirla a través del cine, y hacer más feliz la grisácea cotidianidad. Una obra inolvidable, y alejada de cualquier fecha de caducidad posible.
Artículos relacionados:
-Crítica de J.A. Souto Pacheco en Miradas de Cine.
(The purple rose of Cairo, 1985)
G y D.: Woody Allen.
I.: Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Van Johnson, Dianne Wiest, Irving Metzman, Zoe Caldwell, Stephanie Farrow, John Wood, Milo O'Shea.
Duración.: 78 minutos. Color y blanco y negro.
BSO:
Fred Astaire - Cheek to cheek.
"Acabo de ver a un hombre maravilloso. Evidentemente es de ficción. ¡No se puede tener todo!".
-Con algún Spoiler-
En El Moderno Sherlock Holmes de Buster Keaton encarnaba a un proyeccionista que veía su sueño de convertirse en detective hecho realidad. Años más tarde, Woody Allen tomo ese concepto como punto de partida para una de sus cintas más originales y para el que suscribe más inolvidables, debido al cariño cinéfilo que destila cada imagen. Después Shane Black agarraría la idea de Allen y Keaton, y la reformularía en El último gran héroe en un sentido homenaje a la educación sentimental cinéfila y a un cine que nunca volverá.
Centrándonos en la película en sí, Allen se aleja sólo formalmente de sus habituales crónicas neoyorquinas para narrar una fábula triste y fantástica, situada en el Jersey de la Depresión Americana, donde una humilde camarera, Cecilia (Mia Farrow) debe soportar a un marido alcoholizado y pendenciero (Danny Aiello) mientras consuela sus sueños en el cine donde consuelas sus penas con La rosa púrpura del Cairo una exótica comedia de aventuras, y tras repetidas visiones, le ocurrirá algo extraordinario, el personaje que más le atrae del film, Tom Baxter (Jeff Daniels, cuando aún podía hacer de galán), saldrá de la película y le declarará su amor.
Así Allen propone un gracioso homenaje a las películas de antaño y a sus diálogos algo ingenios, proponiendo también una serie de inteligentes bromas sobre la ficción en general. De hecho, cuando Tom sale, nos encontramos toda su sarta de diálogos de los personajes que “permanecen” protestando por saber ¿hacia donde irá ahora la acción? En un momento de la película Tom se pregunta si “habrá ahora fundido en negro”, y por lo demás en el fondo no deja de haber una comedia típicamente alleniana, donde prevalecen de nuevo todos sus temas (las relaciones de pareja, la existencia de Dios, el sexo) , pero con la magia como encanto especial. Quizás el punto de partida de la película sea aquel momento de Annie Hall en que el protagonista suspira ¡Ojala la vida fuera así!
Adornada de una fiel reconstrucción de los tiempos grises de la Depresión, gracias en parte al espléndido director de fotografía Gordon Willis que realiza uno de sus mejores trabajos y al diseño de producción del habitual Santo Loquasto, y una maravillosa banda sonora que recoge la viveza del jazz de la época, la película se cierra con el Sombrero de Copa y Cecilia mirando a la pantalla el mítico baile de Fred Astaire. Todos sabemos la grandeza de ese plano, donde Allen describe la imposibilidad de cambiar la realidad, pero la única y certera, de vivirla a través del cine, y hacer más feliz la grisácea cotidianidad. Una obra inolvidable, y alejada de cualquier fecha de caducidad posible.
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-Crítica de J.A. Souto Pacheco en Miradas de Cine.
ARTE PULP - MODESTY BLAISE
Unas cuantas portadas cortesía del blog ausente, dedicadas al fundacional pulp de Peter O'Donnell, Modesty Blaise, el strip que era algo así como la respuesta femenina a James Bond. Las galerías aquí y aquí.
domingo, abril 09, 2006
BLOGOSPHERE (II)
El blog de Borjamari, es una bitácora dedicada a la crítica de las ídem, con unas opiniones que no dejan demasiado indiferente a nadie, y que se contrastan muy bien. Resulta una opción interesante para ver estudios del fenómeno hecha desde una óptica no complaciente, realmente crítica, aunque no negativa.
Mucho de lo que critica el autor es la falta de ideas de la blogosfera, y la cantidad de blogs bobos y juveniles que se cuecen, que él considera innecesarios. Aunque me arriesgo a quedar como un vulgar adulador barato, diré que los enlazados son blogs que me interesan. Ustedes ya saben que este blog es mediocre, y sólo tiene la intención de compartir mis impresiones sobre algo de la cultura (u otras cosas), ya sea vertiente pop o cosas más concretas, que me interesen. Como novedad en este rincón, abandono el mal vicio de puntuar películas, que me sumía en dilemas absurdos. Es bastante más cómodo realizar una crítica sin puntuación, ya que muchas veces se demoniza el concepto de los puntos, y se ofrece como sintetización simple de la película. Todos sabemos que decir cuando nuestra opinión es rotunda (obra maestra), sin embargo hay excelentes u notables propuestas que necesitan otro tipo de análisis, no se si mejor, pero si más libre, y a la vez, más convincente a mi parecer.
A pesar de todo, de tanto en cuando, uno descubre propuestas realmente prometedoras. La primera de ellas es Borja Crespo, una de las personalidades más apreciadas debido a sus cortometrajes, abre blog de intenciones fanzinerosas. Es un sitio con unas categorías tan prometedoras (Go Go Girls) que lo situan entre mis favoritos. Aquí el resto.
La otra viene dada por dos habituales talentos, Noel y Eki, que estrenan What If... el mundo al revés? un lugar de honrosa intención: especulación fílmica. Su visión de Harry Potter, la hace hasta más apetecible. En realidad exploran lo que todos queremos, pero nos callamos, nuestros delirios fílmicos propios.
Y, por supuesto, alguién imprescindible, que técnicamente ayer cumplió años. Y es sólo el primero, claro. Y por muchos más.
EL GRAN SALTO: IT'S A STRANGE WORLD.
EL GRAN SALTO
(The Hudsucker Proxy, 1994).
D.: Joel Coen.
G.: Joel Coen, Ethan Coen y Sam Raimi.
I.: Tim Robbins, Paul Newman, Jennifer Jason Leigh, John Mahoney, Charles Durning, Bruce Campbell, Richard Schiff, Steve Buscemi, William Cobbs, Jim True.
Duración.: 103 minutos. Color y Blanco y Negro.
BSO (directamente sacados del film):
Dean Martin - Memories are made of this.
Duke Ellington y John Coltrane - In a sentimental mood.
Duke Ellington - Flying Home.
Los hermanos Coen basan toda su filmografía en la constante reinvención de los géneros. En esta ocasión arremetieron contra las tiernas fábulas de Frank Capra y las comedias de Preston Surges.
En concreto el film podríamos decir agarra dos películas concretas como referencias de los dos autores arriba citados. ¡Qué bello es vivir! y Los viajes de Sullivan se fusionan con el universo de los Coen, pero también con el de Sam Raimi (que aporta a su habitual presencia Bruce Campbell) que hizo de segunda unidad y de guionista, y al final termina siendo un auténtico derroche de imaginación, donde el ambicioso presupuesto hace que todo lo inimaginable y excesivo tenga cabida aquí. Tal vez su fracaso en taquilla, ha hecho quedar este film como algo olvidable, cuando en realidad se trata de un notable exponente de divertimento puro y duro, intrascendente, pero desde luego mejor que otros intentos de homenajear al cine clásico, que quedan en vano debido a un exceso de sentimentalismo o falsa trascendencia (pienso en The Majestic de Frank Darabont).
Los hermanos Coen han optado por una relectura cómica, que anda lejos de la parodia, pero si que tiene mucho de original si nos lo planteamos seriamente, y si disfrutamos de la inmensa cantidad de gags que atesora por escena. Y por supuesto ni mencionar la calidad de disfrutar de dos de sus colabores habituales: Roger Deakins recrenado una fotografía imposible (lo cual visto el film, es una virtud enorme), y Carter Burwell componiendo una música sacada del mejor corto de la Warner, y describiendo claramente la situación en visos de comicidad total.
Aunque pasando a la premisa argumental, la película arranca con una voz en off que nos presenta un Nueva York, donde los peces gordos esperan el año en el Waldorf, y los peces pequeños lo hacen en Times Square. Allí está Norville Barnes, al borde del abismo, y nos hace un flashback de “cómo llego hasta allí”. Asistimos así, al suicidio inesperado de Warring Hudsucker, cosa que hace pensar al líder de los accionistas Sydney Messburguer (Paul Newman) decide fichar a un idiota para que hunda las acciones y el primero de enero, comprarlas todas, y convertirse en el nuevo líder de la empresa. Toma por ese bobo, a Noville Barnes (Tim Robbins), un joven emprendedor con un invento revolucionario en mente. Convertido Barnes en presidente, se topará con Amy Archer (Jennifer Jason Leigh) una ambiciosa periodista que desea demostrar toda la trama extraña que oculta el nombramiento de Barnes.
Lo mejor de la película yace en su ambientación en 1958, completamente irreal y alejada de las minuciosas recreaciones. Los Coen nunca recrean realmente la época al detalle, prefieren recordarla tal y como se recuerda la cultura pop; o mejor dicho, tal y como ellos recuerdan esa época a través de la cultura pop.
Así no es de extrañar encontrar muchos y muy divertidos guiños al lenguaje publicitario, y parte de la estética desenfadada de los cartoons de Tex Avery (aportación que no sería nada misterioso que fuese del propio Sam Raimi, sobretodo viendo Evil Dead 2 uno intuye la pasión del gag “animado” que tiene el director del díptico Spider-Man).
Después está la música. De hecho, hace un breve cameo Peter Gallagher, como un popular cantante de swing de la época y canta Memories are made of this. Su look es un mix perfecto entre los amiguísimos Frank Sinatra y Dean Martin. Después esta todo el gag a costa de los beatniks, donde de paso, vemos a Steve Buscemi (coeniano nato), y mientras de fondo suena Duke Ellington y John Coltrane (tienen el tema más arriba), soltando algo así como: Aquí no se sirve alcohol, solo zumos y café. Obvia coña acerca de los vicios de Jack Kerouac y compañía.
Un chascarrillo en el síntoma de referencias engranadas en el perfecto ritmo del film. Todos los diálogos, lejos de querer recrear la ingenuidad de aquellas películas (que por otra parte no tendría demasiado sentido en los tiempos que corren), la exageran, y hasta la parodian, la revisten de una ironía genial, y tiñen los Coen toda su peripecia de otras muchas referencias, y lo mezclan constantemente con el lenguaje cinematográfico.
Luna Nueva o El Apartamento, son algunas de las películas homenajeadas aquí (en planos y en situaciones), que solo son ingredientes de una película que consigue justo lo que quiere: los Coen pretenden idear una comedia que tiene su originalidad en reflexionar sobre el verdadero sentido de hacer comedias clásicas.
Es decir, el hecho de poner en evidencia lo ingenuo del cine de Capra, y la concepción femenina de los personajes de Sturges, no es sólo como material de referencia. Lo que dicen los Coen, es que ya no es posible recuperar estos films, ya que resultan hijos de su tiempo, y lo único que homenajean es la genialidad de aquello, las virtudes tan inteligentes, que mezclan con un estilo visual de impresión.
El estilo visual es prácticamente la totalidad del film, el argumento tiene su acierto en ir disfrutando de los gags (en realidad todo es una excusa). Mezclando el lenguaje publicitario, con un ritmo frenético, y siempre basándose en la relectura (nunca en el revival), el resultado es muy estimulante para cualquier espectador con ganas de divertirse. Sin embargo su estilo de comedia surrealista y algo absurda (lo que en mi opinión resulta una virtud), no gustó demasiado a los más cinéfilos, que reconocieron su innegable simpatía.
(The Hudsucker Proxy, 1994).
D.: Joel Coen.
G.: Joel Coen, Ethan Coen y Sam Raimi.
I.: Tim Robbins, Paul Newman, Jennifer Jason Leigh, John Mahoney, Charles Durning, Bruce Campbell, Richard Schiff, Steve Buscemi, William Cobbs, Jim True.
Duración.: 103 minutos. Color y Blanco y Negro.
BSO (directamente sacados del film):
Dean Martin - Memories are made of this.
Duke Ellington y John Coltrane - In a sentimental mood.
Duke Ellington - Flying Home.
Los hermanos Coen basan toda su filmografía en la constante reinvención de los géneros. En esta ocasión arremetieron contra las tiernas fábulas de Frank Capra y las comedias de Preston Surges.
En concreto el film podríamos decir agarra dos películas concretas como referencias de los dos autores arriba citados. ¡Qué bello es vivir! y Los viajes de Sullivan se fusionan con el universo de los Coen, pero también con el de Sam Raimi (que aporta a su habitual presencia Bruce Campbell) que hizo de segunda unidad y de guionista, y al final termina siendo un auténtico derroche de imaginación, donde el ambicioso presupuesto hace que todo lo inimaginable y excesivo tenga cabida aquí. Tal vez su fracaso en taquilla, ha hecho quedar este film como algo olvidable, cuando en realidad se trata de un notable exponente de divertimento puro y duro, intrascendente, pero desde luego mejor que otros intentos de homenajear al cine clásico, que quedan en vano debido a un exceso de sentimentalismo o falsa trascendencia (pienso en The Majestic de Frank Darabont).
Los hermanos Coen han optado por una relectura cómica, que anda lejos de la parodia, pero si que tiene mucho de original si nos lo planteamos seriamente, y si disfrutamos de la inmensa cantidad de gags que atesora por escena. Y por supuesto ni mencionar la calidad de disfrutar de dos de sus colabores habituales: Roger Deakins recrenado una fotografía imposible (lo cual visto el film, es una virtud enorme), y Carter Burwell componiendo una música sacada del mejor corto de la Warner, y describiendo claramente la situación en visos de comicidad total.
Aunque pasando a la premisa argumental, la película arranca con una voz en off que nos presenta un Nueva York, donde los peces gordos esperan el año en el Waldorf, y los peces pequeños lo hacen en Times Square. Allí está Norville Barnes, al borde del abismo, y nos hace un flashback de “cómo llego hasta allí”. Asistimos así, al suicidio inesperado de Warring Hudsucker, cosa que hace pensar al líder de los accionistas Sydney Messburguer (Paul Newman) decide fichar a un idiota para que hunda las acciones y el primero de enero, comprarlas todas, y convertirse en el nuevo líder de la empresa. Toma por ese bobo, a Noville Barnes (Tim Robbins), un joven emprendedor con un invento revolucionario en mente. Convertido Barnes en presidente, se topará con Amy Archer (Jennifer Jason Leigh) una ambiciosa periodista que desea demostrar toda la trama extraña que oculta el nombramiento de Barnes.
Lo mejor de la película yace en su ambientación en 1958, completamente irreal y alejada de las minuciosas recreaciones. Los Coen nunca recrean realmente la época al detalle, prefieren recordarla tal y como se recuerda la cultura pop; o mejor dicho, tal y como ellos recuerdan esa época a través de la cultura pop.
Así no es de extrañar encontrar muchos y muy divertidos guiños al lenguaje publicitario, y parte de la estética desenfadada de los cartoons de Tex Avery (aportación que no sería nada misterioso que fuese del propio Sam Raimi, sobretodo viendo Evil Dead 2 uno intuye la pasión del gag “animado” que tiene el director del díptico Spider-Man).
Después está la música. De hecho, hace un breve cameo Peter Gallagher, como un popular cantante de swing de la época y canta Memories are made of this. Su look es un mix perfecto entre los amiguísimos Frank Sinatra y Dean Martin. Después esta todo el gag a costa de los beatniks, donde de paso, vemos a Steve Buscemi (coeniano nato), y mientras de fondo suena Duke Ellington y John Coltrane (tienen el tema más arriba), soltando algo así como: Aquí no se sirve alcohol, solo zumos y café. Obvia coña acerca de los vicios de Jack Kerouac y compañía.
Un chascarrillo en el síntoma de referencias engranadas en el perfecto ritmo del film. Todos los diálogos, lejos de querer recrear la ingenuidad de aquellas películas (que por otra parte no tendría demasiado sentido en los tiempos que corren), la exageran, y hasta la parodian, la revisten de una ironía genial, y tiñen los Coen toda su peripecia de otras muchas referencias, y lo mezclan constantemente con el lenguaje cinematográfico.
Luna Nueva o El Apartamento, son algunas de las películas homenajeadas aquí (en planos y en situaciones), que solo son ingredientes de una película que consigue justo lo que quiere: los Coen pretenden idear una comedia que tiene su originalidad en reflexionar sobre el verdadero sentido de hacer comedias clásicas.
Es decir, el hecho de poner en evidencia lo ingenuo del cine de Capra, y la concepción femenina de los personajes de Sturges, no es sólo como material de referencia. Lo que dicen los Coen, es que ya no es posible recuperar estos films, ya que resultan hijos de su tiempo, y lo único que homenajean es la genialidad de aquello, las virtudes tan inteligentes, que mezclan con un estilo visual de impresión.
El estilo visual es prácticamente la totalidad del film, el argumento tiene su acierto en ir disfrutando de los gags (en realidad todo es una excusa). Mezclando el lenguaje publicitario, con un ritmo frenético, y siempre basándose en la relectura (nunca en el revival), el resultado es muy estimulante para cualquier espectador con ganas de divertirse. Sin embargo su estilo de comedia surrealista y algo absurda (lo que en mi opinión resulta una virtud), no gustó demasiado a los más cinéfilos, que reconocieron su innegable simpatía.
sábado, abril 08, 2006
MARIDOS Y MUJERES: "TORMENTOS INTERIORES"
Maridos y Mujeres.
(Husbands and Wifes, 1992)
G y D.: Woody Allen.
I.: Woody Allen, Sydney Pollack, Mia Farrow, Judy Davis, Liam Neeson, Blythe Danner, Juliette Lewis, Lysette Anthony.
Duración.: 103 minutos. Color.
"Tú usas el sexo para expresar cualquier emoción menos amor".
Woody Allen pasaba en 1992 por uno de los momentos más escandalosos de su carrera, que se convirtió en epicentro de una interesada prensa rosa, y en todo un desprestigio definitivo de su imagen en Estados Unidos, que lo sumió en el posterior olvido por los propios estadounidenses.
Mientras rodaba la película que hoy nos ocupa, su relación con la católica Mia Farrow había iniciado una fase de decadencia de la que el film recoge en cierto modo como un testigo. Este detalle no lo señalo como curiosidad u anécdota, ya que Maridos y Mujeres es una de las películas mas devastadoras y pesimistas del cineasta judío, y que supera en su grado de profunda misantropía a cualquier obra posterior, y anterior.
En Delitos y Faltas el habitual pesimismo del alter-ego de Woody Allen que encarnaba siempre en sus películas se convertía en pura materia fílmica. Manhattan es una comedia de cierto sabor agridulce sobre la brevedad de las relaciones, pero esta pequeña sensación sólo llega a su final, de una conseguida tristeza representada por la sonrisa tuerta de Isaac Davis que cierr la película.
Sin embargo en 1989 quizás reflejando su desencanto, Delitos y Faltas se convierte en una aparente secuela estructural de Hannah y sus hermanas porque toda la obra de Allen está conectada.
Así en cierto modo, estructuralmente Maridos y Mujeres toma la premisa de Manhattan al acercarse a dos parejas. Sin embargo todo ha cambiado mucho. La historia toma su inicio cuando Jack (Sydney Pollack) y Sally (Judy Davis) anuncian a sus amigos íntimos Gabe (Allen) y Judy (Farrow) que se separan. Esta noticia choca, ya que la pareja era a ojos de sus amigos, un matrimonio estable. Esta noticia no hace más que anunciar a modo de Apocalipsis, el devenir emocional que les espera.
Es curioso como la violencia siempre tiene varios usos, y en términos cinematográficos, como en Estados Unidos impacte mucho la violencia explícita, cuando el uso de esta suele ser muchas veces subversivo. Así es posible ver Kill Bill como un divertimento, pero resulta mucho más impactante ver otros usos de la violencia en la gran pantalla. La película de Woody Allen juega con la violencia íntima, psicológica, de los personajes. No vamos a asistir a ninguna tortura más que la de los propios personajes, que con sus gestos, miradas, y palabras se hacen más daño, que con cualquier cosa.
Esta violencia está recreada hasta el límite gracias al habitual savoir faire de un cineasta que combina guión y dirección con una sapiencia inabarcable. Aunque en realidad hable siempre de los mismos temas, lo que caracteriza a un buen artista es saber reinventarse a sí mismo, y abrir nuevas posibilidades en su obra para no quedar estancado en un discurso. A Allen se la echado en cara esto mismo, que no deja de ser cierto en determinadas ocasiones, sobretodo en sus películas más intrascendente. Siempre a mi modo de ver, no resulta así en muchas de sus obras clave, como es esta.
Formalmente Allen cambia radicalmente su clásico estilo de filmación de panorámicas. Ahora usa una cámara en mano para evocar a los trabajos de John Cassavetes, el padre del cine independiente norteamericano, y lograr una introspección en los personajes propia del estilo fílmico del director, siempre cercano al documental. Sin embargo la cámara en mano tiene un doble uso. El neoyorquino demostró en su siguiente película, también amparada en este estilo cassavetiano Y también estructura el film como si fuera un documental, con los personajes declarando a un director imaginario sus propios sentimientos.
La estructura documental supone para Allen en cierto modo jugar con la posibilidad que ofrece la ficción. Porqué nunca sabemos en esta historia donde empieza y acaba la realidad. Los juegos de metaficción son una constante de la filmografía alleniana. La estructura documental también está presente en Zelig pero plenamente como falso documental y a posteriori, aparecería de nuevo en Acordes y desacuerdos.
Sin embargo aquí el documental se combina perfectamente con una narración cortada y violenta, de situaciones claramente pasionales. Lo que parece obvio del cine de Woody Allen, es que sus referencias siempre aparecen en un diálogo de los personajes, pero eso es algo que resulta virtuoso. Porqué demuestra no ser un cine ataviado de pedantería, o reservado para cierto público. Es obvio que las películas de Allen pueden gustar más o menos, y que llegar cabe profundizar algo para llegar a su visión total de virtudes (o defectos claro) pero son entendibles a gran escala, ya que enfatiza su mensaje, y lo expresa de una forma tan inteligente como sencilla. No hay ambigüedad, pero si que hay una gran clarividencia. Así en la película se evocan a Tolstói y Dostoievski cómo referencias de las grandes historias de pasión y moral, pero también se analiza con gran énfasis el estado de la burguesía neoyorquina de la actualidad. Porqué, ¿qué es Allen sino un gran cronista de las relaciones humanas? Así, encontramos una obvia colleja a la escuela del psicoanálisis posmoderno dirigido por Jacques Lacan, en una breve línea de diálogo donde Gabe ya muestra sus reticencias. Aunque juegue al documental, la posición del director es clara, y es que no parece que los psicoanalistas ayuden a resolver el problema, lo convierten en un sujeto egoísta, o al menos así se muestra con cierta desesperanza en los personajes femeninos del film. Pero esto no queda más como un breve apunte sarcástico, ya que la filmografía de Allen se basa siempre en parámetros freudianos, y nunca duda en sacarlos a la luz. El problema de los personajes, esquivos siempre de los problemas, es ese. Que no se comunican, y quieren dar una falsa sensación de que todo va bien.
En la película se incluyen elementos premonitorios de Desmontando a Harry. Se cita por un lado a Fresas Salvajes de uno de sus preferidos, Ingmar Bergman, y por el otro, cuando uno de los personajes comenta a Gabe su novela, se muestran en pantalla lo narrado, y además del clásico juego de las ficciones, se resume en perfecto la esencia del film. Cada uno de los personajes desea lo que el otro tiene. Queda constante que el universo alleniano siempre se conecta, y eso es para los que le admiramos un pequeño añadido, aunque es comprensible que resulte para otros un tanto repetitivo.
Al finalizar la película Gabe aparece contando su actual situación, suspira ¿Hemos terminado? Y el pesimismo se adueña de una película disfrazada de aparente comedia. No tiene el aspecto de sus pretendidos films serios, y aunque tiene diálogos ingeniosos, Allen borda una de las películas más inquietantes y amargas sobre las relaciones de pareja de fin del siglo XX.
(Husbands and Wifes, 1992)
G y D.: Woody Allen.
I.: Woody Allen, Sydney Pollack, Mia Farrow, Judy Davis, Liam Neeson, Blythe Danner, Juliette Lewis, Lysette Anthony.
Duración.: 103 minutos. Color.
"Tú usas el sexo para expresar cualquier emoción menos amor".
Woody Allen pasaba en 1992 por uno de los momentos más escandalosos de su carrera, que se convirtió en epicentro de una interesada prensa rosa, y en todo un desprestigio definitivo de su imagen en Estados Unidos, que lo sumió en el posterior olvido por los propios estadounidenses.
Mientras rodaba la película que hoy nos ocupa, su relación con la católica Mia Farrow había iniciado una fase de decadencia de la que el film recoge en cierto modo como un testigo. Este detalle no lo señalo como curiosidad u anécdota, ya que Maridos y Mujeres es una de las películas mas devastadoras y pesimistas del cineasta judío, y que supera en su grado de profunda misantropía a cualquier obra posterior, y anterior.
En Delitos y Faltas el habitual pesimismo del alter-ego de Woody Allen que encarnaba siempre en sus películas se convertía en pura materia fílmica. Manhattan es una comedia de cierto sabor agridulce sobre la brevedad de las relaciones, pero esta pequeña sensación sólo llega a su final, de una conseguida tristeza representada por la sonrisa tuerta de Isaac Davis que cierr la película.
Sin embargo en 1989 quizás reflejando su desencanto, Delitos y Faltas se convierte en una aparente secuela estructural de Hannah y sus hermanas porque toda la obra de Allen está conectada.
Así en cierto modo, estructuralmente Maridos y Mujeres toma la premisa de Manhattan al acercarse a dos parejas. Sin embargo todo ha cambiado mucho. La historia toma su inicio cuando Jack (Sydney Pollack) y Sally (Judy Davis) anuncian a sus amigos íntimos Gabe (Allen) y Judy (Farrow) que se separan. Esta noticia choca, ya que la pareja era a ojos de sus amigos, un matrimonio estable. Esta noticia no hace más que anunciar a modo de Apocalipsis, el devenir emocional que les espera.
Es curioso como la violencia siempre tiene varios usos, y en términos cinematográficos, como en Estados Unidos impacte mucho la violencia explícita, cuando el uso de esta suele ser muchas veces subversivo. Así es posible ver Kill Bill como un divertimento, pero resulta mucho más impactante ver otros usos de la violencia en la gran pantalla. La película de Woody Allen juega con la violencia íntima, psicológica, de los personajes. No vamos a asistir a ninguna tortura más que la de los propios personajes, que con sus gestos, miradas, y palabras se hacen más daño, que con cualquier cosa.
Esta violencia está recreada hasta el límite gracias al habitual savoir faire de un cineasta que combina guión y dirección con una sapiencia inabarcable. Aunque en realidad hable siempre de los mismos temas, lo que caracteriza a un buen artista es saber reinventarse a sí mismo, y abrir nuevas posibilidades en su obra para no quedar estancado en un discurso. A Allen se la echado en cara esto mismo, que no deja de ser cierto en determinadas ocasiones, sobretodo en sus películas más intrascendente. Siempre a mi modo de ver, no resulta así en muchas de sus obras clave, como es esta.
Formalmente Allen cambia radicalmente su clásico estilo de filmación de panorámicas. Ahora usa una cámara en mano para evocar a los trabajos de John Cassavetes, el padre del cine independiente norteamericano, y lograr una introspección en los personajes propia del estilo fílmico del director, siempre cercano al documental. Sin embargo la cámara en mano tiene un doble uso. El neoyorquino demostró en su siguiente película, también amparada en este estilo cassavetiano Y también estructura el film como si fuera un documental, con los personajes declarando a un director imaginario sus propios sentimientos.
La estructura documental supone para Allen en cierto modo jugar con la posibilidad que ofrece la ficción. Porqué nunca sabemos en esta historia donde empieza y acaba la realidad. Los juegos de metaficción son una constante de la filmografía alleniana. La estructura documental también está presente en Zelig pero plenamente como falso documental y a posteriori, aparecería de nuevo en Acordes y desacuerdos.
Sin embargo aquí el documental se combina perfectamente con una narración cortada y violenta, de situaciones claramente pasionales. Lo que parece obvio del cine de Woody Allen, es que sus referencias siempre aparecen en un diálogo de los personajes, pero eso es algo que resulta virtuoso. Porqué demuestra no ser un cine ataviado de pedantería, o reservado para cierto público. Es obvio que las películas de Allen pueden gustar más o menos, y que llegar cabe profundizar algo para llegar a su visión total de virtudes (o defectos claro) pero son entendibles a gran escala, ya que enfatiza su mensaje, y lo expresa de una forma tan inteligente como sencilla. No hay ambigüedad, pero si que hay una gran clarividencia. Así en la película se evocan a Tolstói y Dostoievski cómo referencias de las grandes historias de pasión y moral, pero también se analiza con gran énfasis el estado de la burguesía neoyorquina de la actualidad. Porqué, ¿qué es Allen sino un gran cronista de las relaciones humanas? Así, encontramos una obvia colleja a la escuela del psicoanálisis posmoderno dirigido por Jacques Lacan, en una breve línea de diálogo donde Gabe ya muestra sus reticencias. Aunque juegue al documental, la posición del director es clara, y es que no parece que los psicoanalistas ayuden a resolver el problema, lo convierten en un sujeto egoísta, o al menos así se muestra con cierta desesperanza en los personajes femeninos del film. Pero esto no queda más como un breve apunte sarcástico, ya que la filmografía de Allen se basa siempre en parámetros freudianos, y nunca duda en sacarlos a la luz. El problema de los personajes, esquivos siempre de los problemas, es ese. Que no se comunican, y quieren dar una falsa sensación de que todo va bien.
En la película se incluyen elementos premonitorios de Desmontando a Harry. Se cita por un lado a Fresas Salvajes de uno de sus preferidos, Ingmar Bergman, y por el otro, cuando uno de los personajes comenta a Gabe su novela, se muestran en pantalla lo narrado, y además del clásico juego de las ficciones, se resume en perfecto la esencia del film. Cada uno de los personajes desea lo que el otro tiene. Queda constante que el universo alleniano siempre se conecta, y eso es para los que le admiramos un pequeño añadido, aunque es comprensible que resulte para otros un tanto repetitivo.
Al finalizar la película Gabe aparece contando su actual situación, suspira ¿Hemos terminado? Y el pesimismo se adueña de una película disfrazada de aparente comedia. No tiene el aspecto de sus pretendidos films serios, y aunque tiene diálogos ingeniosos, Allen borda una de las películas más inquietantes y amargas sobre las relaciones de pareja de fin del siglo XX.
viernes, abril 07, 2006
"Me he escapado del estudio, no imagináis lo que es ser perseguida por esos repugnantes traficantes sin escrúpulos de carne y de poder, todos quieren llevarse un pedazo... y y no soy un pimiento."
Bertina Burns en Psycho Beach Party.
jueves, abril 06, 2006
PORTADAS Y OTRAS COSAS DEL DIBUJO
Los más célebres autores reeditados y con portadas de los más célebres dibujantes. Gracias a Con C de Arte me entero que Penguin reedita clásicos de la literatura moderna, con portadas increíbles obra de grandes. Thomas Pynchon ha requerido ni más ni menos que los servicios de Frank Miller para la suya. Pero no falta tampoco la aportación de Art Spiegelman para Paul Auster, ni siquiera Charles Burns u otras.... Disfrutenlas aquí.
Entretanto por esa influencia clásica (e inevitable, y es que todo hay que reconocerlo) que es el emperador de los helados regala una ilustrativa galería de alienígenas dibujados por niños abducidos. ¿A que esperan para aprovechar este material, gente de las artes?
Y de BSO:
Belle & Sebastian - The Blues is still Blue.
PD: Mondo Pixel gana la batalla en su campo. Y yo que me alegro. Y el premio principal, para el ezcritor de lo que yo llamo "hiperrealismo sucio". Aunque ya saben mis posturas, también es imposible decir que tamaño hacedor de historias no se merecía tamaño premio. Y claro, cultura y tendencias, el referente y ya pequeño clásico (no por ello anticuado ni nada por el estilo), La Petite Claudine(que acertados están todos al decir, que es un blog elegante), otro premio por el que tampoco dudo.
EL JARDINERO FIEL : NUESTRO HOMBRE EN KENYA
El jardinero fiel.
(The constant gardener, 2005).
D.: Fernando Meirelles.
G.: Jeffrey Caine basado en la novela de John Le Carré.
I.: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Nighy, Pete Postlethwaite, Pernilla August, Hubert Koundé, Sidede Onyulo.
Duración.: 128 minutos.
Afirma Refo en su reseña sobre Syriana que el cine norteamericano marcado por la era Bush, y superado el silencio pos-11S se atreve a abrir debates siempre serios y comprometidos sobre temas que nunca nos han dejado de resultar lejanos. Y no podía estar más acertado, ya que a pesar de sus pequeños defectos formales (tal y como señala Jordi Costa, una estética con fecha de caducidad y no hay mejor definición) el film de Fernando Meirelles es uno de los thrillers más sólidos de espionaje que he visto en bastante tiempo, y parece reducir a escombros muchas de las intentonas del Hollywood pasado de revivir un género tan en boga en los años 60.
Toma como punto de partida la novela homónima de John Le Carré que es posiblemente el novelista que mejor ha sabido recoger el testigo de Graham Greene en el terreno literario, y convertirse con sus enrevesados thrillers de espionaje en un cronista de la actualidad geopolítica en una sociedad globalizada que se enfrenta siempre con una incurable hipocresía moral a los problemas, y lo conjuga todo en base a una causa y un efecto. Sin embargo, se aleja de ella manteniendo sólo el espíritu, lo cual convierte esta novela en una lectura pendiente, y perfectamente complementaria con la senda que sigue el film.
El escogido para el proyecto fue Fernando Meirelles, y la elección se revela muy correcta, teniendo en cuenta que sólo un cronista del Tercer Mundo, es capaz a través de su peculiar concepción estética, llevar a cabo una historia como ésta (y ya saben lo que me gustó Ciudad de Dios) Sin embargo lo que en un principio me parecía un estilo juguetón ataviado de influencias scorsesianas y un tempo veloz signo de nuestros tiempos, se revela una importante tara para un film demasiado impecable.
El guión corre a cargo del desconocido Jeffrey Caine, que opta por distanciarse de la novela, sin embargo me parece que Caine compone uno de los guiones más sólidos de los últimos tiempos, y sabe matizar bien los aspectos de la novela que prefería destacar (a éstas alturas es ridículo pensar en adaptaciones fieles como símbolo y síntoma de adaptaciones dignas), y le ha quedado brillante.
Meirelles narrativamente se desenvuelve igual de bien que con el trabajo que supuso su revelación, aunque aquí afloja la turbina scoresiana por la que venía marcada su historia de los niños perdidos de la favela. Así prosigue la línea de su anterior trabajo, pero teje una historia de corte más intimista y realista. Esto resulta apasionante, sin embargo, su estética resulta un tanto abusiva, en demasiadas ocasiones, como si Meirelles no tuviese en cuenta la vigorosidad del guión, y ese gran pilar de hierro que suponen los actores.
El excelente Ralph Fiennes, y la ganadora del Oscar por este mismo papel (cabe decir que con toda justicia), Rachel Weisz, son solo parte de un elenco que si bien no resalta por glamour, tampoco le faltan nombres relativamente conocidos como Danny Huston o Bill Nighy que bordan papeles sencillamente escalofriantes.
En cuanto al film en sí, aborda de refilón temas de Ciudad de Dios como una infancia rota por el azar (atención al ataque al poblado) y propone en su estructura una historia de amor, como una especie de toma de conciencia de su protagonista.
El resultado es uno de los thrillers con más capacidad de turbación e inquietud que he visto en mucho tiempo, gracias a una narración que directamente se olvida de todos los convencionalismos que rigen al mainstream, y los lleva hasta un final directamente anti-convencional, que de nuevo, nos hace colisionar con una dura realidad, de la que todos somos partícipes.
Puntuación: 8,5.
(The constant gardener, 2005).
D.: Fernando Meirelles.
G.: Jeffrey Caine basado en la novela de John Le Carré.
I.: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Nighy, Pete Postlethwaite, Pernilla August, Hubert Koundé, Sidede Onyulo.
Duración.: 128 minutos.
Afirma Refo en su reseña sobre Syriana que el cine norteamericano marcado por la era Bush, y superado el silencio pos-11S se atreve a abrir debates siempre serios y comprometidos sobre temas que nunca nos han dejado de resultar lejanos. Y no podía estar más acertado, ya que a pesar de sus pequeños defectos formales (tal y como señala Jordi Costa, una estética con fecha de caducidad y no hay mejor definición) el film de Fernando Meirelles es uno de los thrillers más sólidos de espionaje que he visto en bastante tiempo, y parece reducir a escombros muchas de las intentonas del Hollywood pasado de revivir un género tan en boga en los años 60.
Toma como punto de partida la novela homónima de John Le Carré que es posiblemente el novelista que mejor ha sabido recoger el testigo de Graham Greene en el terreno literario, y convertirse con sus enrevesados thrillers de espionaje en un cronista de la actualidad geopolítica en una sociedad globalizada que se enfrenta siempre con una incurable hipocresía moral a los problemas, y lo conjuga todo en base a una causa y un efecto. Sin embargo, se aleja de ella manteniendo sólo el espíritu, lo cual convierte esta novela en una lectura pendiente, y perfectamente complementaria con la senda que sigue el film.
El escogido para el proyecto fue Fernando Meirelles, y la elección se revela muy correcta, teniendo en cuenta que sólo un cronista del Tercer Mundo, es capaz a través de su peculiar concepción estética, llevar a cabo una historia como ésta (y ya saben lo que me gustó Ciudad de Dios) Sin embargo lo que en un principio me parecía un estilo juguetón ataviado de influencias scorsesianas y un tempo veloz signo de nuestros tiempos, se revela una importante tara para un film demasiado impecable.
El guión corre a cargo del desconocido Jeffrey Caine, que opta por distanciarse de la novela, sin embargo me parece que Caine compone uno de los guiones más sólidos de los últimos tiempos, y sabe matizar bien los aspectos de la novela que prefería destacar (a éstas alturas es ridículo pensar en adaptaciones fieles como símbolo y síntoma de adaptaciones dignas), y le ha quedado brillante.
Meirelles narrativamente se desenvuelve igual de bien que con el trabajo que supuso su revelación, aunque aquí afloja la turbina scoresiana por la que venía marcada su historia de los niños perdidos de la favela. Así prosigue la línea de su anterior trabajo, pero teje una historia de corte más intimista y realista. Esto resulta apasionante, sin embargo, su estética resulta un tanto abusiva, en demasiadas ocasiones, como si Meirelles no tuviese en cuenta la vigorosidad del guión, y ese gran pilar de hierro que suponen los actores.
El excelente Ralph Fiennes, y la ganadora del Oscar por este mismo papel (cabe decir que con toda justicia), Rachel Weisz, son solo parte de un elenco que si bien no resalta por glamour, tampoco le faltan nombres relativamente conocidos como Danny Huston o Bill Nighy que bordan papeles sencillamente escalofriantes.
En cuanto al film en sí, aborda de refilón temas de Ciudad de Dios como una infancia rota por el azar (atención al ataque al poblado) y propone en su estructura una historia de amor, como una especie de toma de conciencia de su protagonista.
El resultado es uno de los thrillers con más capacidad de turbación e inquietud que he visto en mucho tiempo, gracias a una narración que directamente se olvida de todos los convencionalismos que rigen al mainstream, y los lleva hasta un final directamente anti-convencional, que de nuevo, nos hace colisionar con una dura realidad, de la que todos somos partícipes.
Puntuación: 8,5.
Y de BSO, dos cortes sacados del mismo soundtrack del film compuesto por Alberto Iglesias, donde mezcla las músicas étnicas africanas con sus melodías más intimistas.
Alberto Iglesias - Roadblock II.
Alberto Iglesias - Procession.
miércoles, abril 05, 2006
BLOGOSPHERE : MISTERIOS
Nada más gozoso que pasar un día más navegando por la gran blogosfera (es decir, mis enlaces, y alguno más) y descubrir esto. Efectivamente una declaración de amor del bello al gran genio que es Thomas Pynchon, pero sin descuidarse de otros genios que son admirados por este inconfundiblemente "anónimo" escritor, como George Saunders o Don DeLillo. O JD Salinger, otro aficionado al recluimiento indefinido y a la prosa universal (casi nada).
Exacto, pasean siempre bajo la mirada de Pynchon (¿es Pynchon el verdadero autor tras la Pynchon Comunnity en un acto de conocer fans?), por lo tanto hoy les voy a poner de BSO algunas de las canciones más raras y bellas que he escuchado (click en la canción y sigan las instrucciones). Porque ciertos piropos se agradecen y mucho.:
- Christina Rosenvinge - Tok Tok.
-Elysian Fields - Fountains on Fire.
-Cat Power - Wonderwall.
-Johnny Cash - Personal Jesus.
PD: Ah si claro, muchos de nosotros queremos que gane Mondo Pixel. John Tones vuelve a la carga. No se pierdan la entrevista en 20 Minutos.
SERIES DE TV EN TELEVISIÓN
Les aviso este post puede sonar eminentemente publicitario. Pues señores, a pesar de lo que crean no tengo nada que ver con La Sexta. Perdido en mis dilemas de guardería, no me he enterado de esto. Si bajan hasta las 22.30 verán algo. Exacto, la emisión de Los Soprano en abierto, es para el que suscribe una de las escasas grandes noticias que me ha dado la reciente televisión. Una cosa es el ocasional divertimento de recopilar momentos punch de House, serie que me hace gracia por el carisma y frases de Hugh Laurie ; pero amigos míos disfrutar de la compañía de Tony Soprano, es diferente.
Lejos de diversificarse esta TV tiende más al vacío y a la comodidad, y si ya es célebre el yujú dado al ver la reemisión de Twin Peaks en Cuatro cosa que despertó la alegría de los cuatro aficionados. Pero, la sorpresa fue mayúscula al ser la emisión de serie de culto más maltratada desde.... Expediente X. Y es que relegar al agente Cooper a las madrugadas de un domingo, es un crimen casi mayor que el matar a Laura Palmer, para algunos de los mortales.
Aunque ahora agradezcamos House y sobretodo Roma, Cuatro se ha tomado de nuevo la ocasión de reponer una serie que llevaba siglos de los siglos (con permiso de la sagrada concepción de Lynch) esperando volver a ver y que recordaba lejanamente, siendo un infante. Una es V también programada a horario netamente imposible, y la otra es la producción de Richard Donner, Walter Hill, Joel Silver y Robert Zemeckis, la muy añorada Tales from the Crypt pero en versión "carne y hueso".
Y claro, si no ciego en mi afán consumista de reivindicar para los que no la tengan que mañana no dejen escapar esto no finalizo la decadente singularidad de este post (llena de intros de TV de casi cada serie que menciono y demás). Y es que nunca había visto una mezcla tan kafkiana y poderosamente noir a la vez, que me hablara sobre la vida y la creación a la vez. Y sin perder ápice de la obra maestra que siempre fue.
martes, abril 04, 2006
GRANDES MOMENTOS EN LA CONSULTA DEL DR. HOUSE (IV): SIEMPRE CORDIAL CON SUS SUPERIORES
Mantener una relación cordial con sus superiores, es uno de los principios básicos de las relaciones sociales del doctor.
NUEVAS PERSPECTIVAS
Pepo Pérez
Parece, me soplan por aquí, que hay "unas pocas de" buenas noticias desde el Congreso. La Proposición no de ley para instaurar el Premio Nacional de Historieta ha sido aprobada por unanimidad pero, además, se ha propuesto la creación de una comisión parlamentaria para estudiar medidas de fomento del sector del cómic en España.
Sigue en Con C De Arte.
Esta noticia es la noticia más grata del día, y de muchísimo tiempo. El Premio Nacional de Historieta es el síntoma de que el algo se mueve en el cómic patrio ha dejado de ser un rumor "de los entendidos " desde hace bastante más tiempo de lo que algunos creen. Se abre por fin una senda con la que abrir el reconocimiento al tebeo como arte, y como uno de los medios de expresión más modernos que más han significado para la historia del ser humano desde el siglo XX. Mientras algunos se pelean por el copyright del superhéroe, muchísimos otros profesionales del mundo demuestran que el cómic ya no son las aventuras de Superman o Batman (¡sólo!) las que son reconocidos sino que es hora de descubrir todo este exponente de enorme diversidad que contiene el noveno arte, pero esta vez a un alcance que va a ser progresivamente mayor. Y para seguir corroborando que esta gran noticia no es un hecho aislado, o un compromiso que de poco sirve, aquí otro botón de muestra.
lunes, abril 03, 2006
CUERPO Y ALMA
Nunca podré estar agradecido a los Punio Links, por esta selección. Todas las versiones de este pequeño poema melódico que se llama Body and soul. La grandeza del jazz, a través de muchas interpretaciones, de una misma canción. Click en el botón derecho y guardar destino como, después a dejar que vuestros oídos sean acariciados por estos grandes.
Benny Goodman
Bill Evans & Toot Thielemans
Billie Holiday
Coleman Hawkins
Eric Dolphy
Gerry Mulligan & Paul Desmond
Jason Moran
Mel Torme
Nicholas Payton
Sonny Rollins
Stan Kenton
Sun Ra
Arturo Sandoval
Birelli Lagrene
Cal Tjader
Carmen McRae
Chet Baker
Dexter Gordon
Erroll Garner
Hot Club Quintet
Joe Pass
John Coltrane
Louis Armstrong
Tete Montoliu
Art Blakey & the Jazz Messengers
Johnny Griffin
Johnny Smith
Keith Jarrett
Lester Young
Oscar Peterson
Sarah Vaughan
Stephane Grappelli
Woody Herman
Benny Carter
Bobby Short
Charles Mingus
Charlie Haden
Chris Potter
Diana Krall
Gary Burton
Jim Hall & Bob Brookmeyer
Art Pepper
Stan Getz & Jimmy Rowles
Ella Fitzgerald
Duke Ellington
Etta James
Gene Krupa
Joe Henderson
Joshua Redman
Maynard Ferguson
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